凡高的嘲笑

导读：　凡高的嘲笑篇一《励志故事：被嘲笑了35年之后》 ...

凡高的嘲笑篇一
《励志故事：被嘲笑了35年之后》

一幅被世人嘲笑长达35年之久的“赝品”，最终咸鱼大翻身。要学会在别人的嘲笑中，一如既往地坚持自己的路。真理常常掌握在少数人手里。1895年，汉尼马出生于荷兰鹿特丹市一个热衷于艺术收藏的富裕家庭，父亲更是把收藏看做自己的命根子。但命运往往就是这样造物弄人，在一次孤注一掷的古董收购中，父亲看走了眼，用全部家当抵押贷款收藏的一件古董竟然是一件高仿的赝品。最后，活在别人嘲笑中的父亲郁郁而终。闭眼前，他紧紧捏住小汉尼马的手：“真正好的藏品往往在民间，收藏不要光看价钱。希望你能走我没有走完的路，为我的失误洗刷耻辱。”汉尼马眼中含着泪水，重重地点头。在学校，家道中落、穿戴破旧的汉尼马受到了同学们的嘲笑和欺侮。汉尼马也有自己的快乐时间，那就是在书中徜徉，看画家的画作和自传。慢慢地汉尼马心中迷上了画家文森特·梵高的作品。梵高作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在他自己那个时代的前面。梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎(折合一美元)而已。在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕，在强烈的自我怀疑中用手枪结束了自己的宝贵生命。而他自杀前19天所绘制的绝笔之作《麦田》在1913年拍出了1200万的惊人高价。汉尼马产生一个强烈的愿望：穷己一生，一定要收藏一幅梵高的真迹。他的这种想法遭到了朋友的一致反对，有人说让他从父亲的失败中警醒，有人说他没有一双“天眼”，拿什么鉴定沧海一粟的真品但汉尼马并没有想到退缩，他眼前浮现的是父亲去世前看他的期待眼神。汉尼马专买未署名、无鉴定书的作品，凭直觉认为收藏品是真迹，结果几乎都是假画。但汉尼马并没有气馁，在别人的嘲笑中，一如既往地坚持自己的路年，汉尼马在乡下发现了一副名叫《布吕特芬风车磨坊》的品相并不佳的画作，然后以6500法郎购得这幅画，他坚称这是梵高作品，但艺术界都认为他患了癫痫，又在幻想。有人说：“梵高的作品值这么少”有人说：“汉尼马又开始发疯了!”。汉尼马笑着说：“我没有疯，你们只看到了商品的价格，而我看到了艺术的价值。”1985年，汉尼马去世前，微笑着握着儿子范加尔的手：“我一生的愿望达成了。我要去上帝那儿告诉梵高，我珍藏了他的作品。好好保存这幅画，有一天它会得到这个世界的认可。”范加尔含着泪，重重地点头。汉尼

马收藏《布吕特芬风车磨坊》，在35年后的2010年3月，由权高望重的凡达西博物馆馆长柯宁宣布，经过上百次的高科技鉴定，证实这幅画“毫无疑问”是梵高1888年的作品。虽然画中人物众多，与梵高的典型画风不符，然而磨坊十分突出，明亮的色彩大胆挥洒在画布上，用的是梵高常用的颜料，也和当时梵高的几幅作品风格类似。经查证年2月，梵高和朋友高更到法国南部阿尔写生作画，长达一年之久。南方强烈的阳光和阳光照射下的田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍高喊：“明亮一些!再明亮一些!”于是就有了这幅与众不同的作品《布吕特芬风车磨坊》。最后，经过专家组评估，这幅画的价值至少一亿美元。听到这个消息，汉尼马的儿子范加尔激动地流下泪水，为父亲生前在满世界嘲讽中的自信和坚持。在父亲的墓前，范加尔把这个消息让清风传给父亲。一幅被世人嘲笑长达35年之久的“赝品”，如今终于咸鱼大翻身年4月一个月，该画在荷兰各大美术馆展出，观者如潮。由于凡高在世短短37年，留下约900幅作品，而这幅风车磨坊是从1995年以来首度被鉴定为真迹的凡高作品。相信自己吧，被嘲笑了35年的笑话，说不定就能像汉尼马那样，将笑柄变成奇迹。

凡高的嘲笑篇二
《励志故事：被嘲笑了35年之后》

一幅被世人嘲笑长达35年之久的“赝品”，最终咸鱼大翻身。要学会在别人的嘲笑中，一如既往地坚持自己的路。真理常常掌握在少数人手里。1895年，汉尼马出生于荷兰鹿特丹市一个热衷于艺术收藏的富裕家庭，父亲更是把收藏看做自己的命根子。但命运往往就是这样造物弄人，在一次孤注一掷的古董收购中，父亲看走了眼，用全部家当抵押贷款收藏的一件古董竟然是一件高仿的赝品。最后，活在别人嘲笑中的父亲郁郁而终。闭眼前，他紧紧捏住小汉尼马的手：“真正好的藏品往往在民间，收藏不要光看价钱。希望你能走我没有走完的路，为我的失误洗刷耻辱。”汉尼马眼中含着泪水，重重地点头。在学校，家道中落、穿戴破旧的汉尼马受到了同学们的嘲笑和欺侮。汉尼马也有自己的快乐时间，那就是在书中徜徉，看画家的画作和自传。慢慢地汉尼马心中迷上了画家文森特·梵高的作品。梵高作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在他自己那个时代的前面。梵高生前卖出的作品只有《红色葡萄园》一幅，而且价格非常便宜，仅为当时的四百法郎(折合一美元)而已。在梵高死后不久，社会上就开始评定他是一流画家。可惜的是，梵高本人却在还未获得正确评价之前，就自己拉下了人生的帷幕，在强烈的自我怀疑中用手枪结束了自己的宝贵生命。而他自杀前19天所绘制的绝笔之作《麦田》在1913年拍出了1200万的惊人高价。汉尼马产生一个强烈的愿望：穷己一生，一定要收藏一幅梵高的真迹。他的这种想法遭到了朋友的一致反对，有人说让他从父亲的失败中警醒，有人说他没有一双“天眼”，拿什么鉴定沧海一粟的真品但汉尼马并没有想到退缩，他眼前浮现的是父亲去世前看他的期待眼神。汉尼马专买未署名、无鉴定书的作品，凭直觉认为收藏品是真迹，结果几乎都是假画。但汉尼马并没有气馁，在别人的嘲笑中，一如既往地坚持自己的路年，汉尼马在乡下发现了一副名叫《布吕特芬风车磨坊》的品相并不佳的画作，然后以6500法郎购得这幅画，他坚称这是梵高作品，但艺术界都认为他患了癫痫，又在幻想。有人说：“梵高的作品值这么少”有人说：“汉尼马又开始发疯了!”。汉尼马笑着说：“我没有疯，你们只看到了商品的价格，而我看到了艺术的价值。”1985年，汉尼马去世前，微笑着握着儿子范加尔的手：“我一生的愿望达成了。我要去上帝那儿告诉梵高，我珍藏了他的作品。好好保存这幅画，有一天它会得到这个世界的认可。”范加尔含着泪，重重地点头。汉尼

马收藏《布吕特芬风车磨坊》，在35年后的2010年3月，由权高望重的凡达西博物馆馆长柯宁宣布，经过上百次的高科技鉴定，证实这幅画“毫无疑问”是梵高1888年的作品。虽然画中人物众多，与梵高的典型画风不符，然而磨坊十分突出，明亮的色彩大胆挥洒在画布上，用的是梵高常用的颜料，也和当时梵高的几幅作品风格类似。经查证年2月，梵高和朋友高更到法国南部阿尔写生作画，长达一年之久。南方强烈的阳光和阳光照射下的田野、花朵、河流、农舍和教堂，使他禁不住一遍又一遍高喊：“明亮一些!再明亮一些!”于是就有了这幅与众不同的作品《布吕特芬风车磨坊》。最后，经过专家组评估，这幅画的价值至少一亿美元。听到这个消息，汉尼马的儿子范加尔激动地流下泪水，为父亲生前在满世界嘲讽中的自信和坚持。在父亲的墓前，范加尔把这个消息让清风传给父亲。一幅被世人嘲笑长达35年之久的“赝品”，如今终于咸鱼大翻身年4月一个月，该画在荷兰各大美术馆展出，观者如潮。由于凡高在世短短37年，留下约900幅作品，而这幅风车磨坊是从1995年以来首度被鉴定为真迹的凡高作品。相信自己吧，被嘲笑了35年的笑话，说不定就能像汉尼马那样，将笑柄变成奇迹。

凡高的嘲笑篇三
《凡高》

凡高，一个怀才不遇，多愁、无奈、颓废的天才，一位充满了悲剧色彩的大师。一生都在痴狂地追求绘画创作，却又始终无法逃避痛苦生活的折磨，在其创作生涯的十几年中，他的作品几乎不被大众接受和认可，直至其魂归天国时，他的众多作品中只有可怜的一幅被廉价地售出。他是带着无限的委屈与对世间的无奈而离去的。却未想，他的作品竟在他死后被世界所最追捧，得到任何一幅他的素描或油画都成为了身份与地位的象征，其中的《加歇医生像》更是拍出了8250万美元的高价，在很长的一段时间里，都占据了世界艺术品拍卖的最高价，这个纪录直到2004年才由毕加索的《拿烟斗的男孩》以１亿４１６万美元的天价所超越。凡高之于荷兰，犹如安徒生之于丹麦。能够成为一个国家的名片，是一项多么伟大的荣誉，只是可怜的凡高，一生从未得到任何嘉奖，在对人生与世界彻底失望时，他在飞舞着满天乌鸦的麦田中开枪自杀，结束了其37岁的生命。凡高，殿堂级的大师，稍有知识的人都会知道他;而提奥，这个凡高最忠实的支持者，知道他的人却很少。这一切，对于提奥是多么的不公平啊！事实上，如果不是提奥一直坚持不懈地对凡高的支持，那么，也许，美术大师中就少了一个叫凡高的天才，而在荷兰的某地，也许就会多了一个颓废的酒鬼，或是肮脏角落里多了一具发臭腐烂的死尸。凡高，全名文森特·威廉·凡·高;提奥，全名提奥·凡·高。是的，如你所见，提奥是比文森特·凡·高小三岁的亲弟弟。凡高一生没有固定的职业，当然，我是指可以担供他生活费用的职业。绘画就是他的职业，为绘画而生，为绘画而死，一生穷困潦倒。为了买画纸颜料而常常缩减生活费用，所以，凡高一直生活在营养不良中，几乎连个为其熬汤照顾生活的女性伴侣都没有，孤独、寂寞，是凡高离开画纸后所能拥有的唯一东西。忧愁与郁郁不得志，更加加剧了其精神病的发作。在几乎零收入的一生中，提奥支付了凡高一切一切的费用，买图纸颜料的费用，生活的费用，租房子的费用，甚至在凡高与一可怜妓女同居时，或是同样穷困潦倒的高更来到普罗旺斯与凡高共同创作时，提奥都负责了所有一切的费用。提奥生活并不富裕，按现在的标准来说，充其量算是个公司白领，小康收入。提奥任职一家画品销售会所，也算是个小有声望的画像销售经理。因此，凡高的作品完成后都会寄给提奥，而提奥则负责给每个来看画的客人推销凡高的作品，只可惜，一个毫无名望的画家，谁又会去买的他的作品呢？直到凡高去世前那年，他才卖出了第一幅

作品，买主是一位比利时的女画家，这个女画家应该算是较早几个赏析凡高画作的人之一了。提奥至死都是其兄长凡高的忠实追随者，当外界普遍都认可凡高的作品不值一钱时，当众人都劝其不要在一个疯子身上浪费时间时，这些话语丝毫无法改变提奥对凡高无私的支持。即使在与美丽姑娘乔安娜共同组成家庭后，这种支持也从未间断过。《食土豆的人家》孤独创作的凡高几乎没有朋友，提奥是凡高倾诉和交心唯一的对象，在他们长达一生的书信来往中，他们之间的书信就达到八百多封。在这些书信中，我们可以感受到凡高是多么的依赖提奥，除了提奥，他几乎再也找不到愿意倾听他诉说的对象了。而提奥总是在凡高迷茫失落时，一如既往地给予他鼓励与支持。也许，如果没有提奥的鼓励，估计凡高是无法坚持活到37岁的。同时，在书信中比较明显的是，凡高对于长期使用提奥的钱表示深深的歉疚，他总是在书信中告诉提奥，总有一天自己的画作会出名的，总有一天提奥的付出会得更丰富的回报的。并且，为了让提奥清楚他每一笔钱的去处，凡高总会在书信中详尽的描述他买画笔用了多少钱，喝酒花了多少钱，吃饭多少钱，最后身上剩下多少钱。有时，提奥的钱来晚时，凡高也会在信中委婉的描述自己是如何用一杯杯的咖啡填满饿了几天的肚子。直至穷困到极点时，他会去信恳求提奥：“亲爱的提奥，给我寄些钱来吧."而有些时候，因为没有钱买颜料，凡高只好中断五彩斑斓的油画，改用单色的炭笔来创作。可想而知，一个天才诞生的道路有时真的满是荆棘。这位天才曾经说过：“我的痛苦就是我的财富”。在痛苦中崛起，在痛苦中成长，在痛苦中创作，这就是一辈子都生活在痛苦中的凡高。提奥一直都像个影子般，默默的守候在凡高的身旁，或许他真的就如有些人所说，是为了凡高而生，又为了凡高而死。凡高死后，提奥便因过于悲伤而卧床不起，在凡高死后半年，提奥也撒手人寰，如今在巴黎北郊小城奥维尔凡高墓地旁，就立着提奥的坟墓，至死永相随，一段至死不断的手足亲情，真的足以感天动地。《普罗旺斯的向日葵》在普罗旺斯小城阿尔创作时，发生了一件震惊整个小城的事件，那就是伟大的凡高将自己的左耳割了下来，而割下耳朵的原因至今众说纷芸，没有个确定，有说是因为和高更吵架而精神病发作，为了担心无法控制自己而伤害到高更，所以才割下自己的耳朵以便让自己清醒一些。也有说是因为和高更去逛妓院，被妓女嘲笑他们没钱，一气之下割下耳朵送给妓女。不论原因是如何，总之，

吓跑了高更，也迎来了忧心忡忡的提奥。此时的凡高已意识到自己病情的严重，恳求提奥将自己送到圣雷米精神病院。在精神病院的半年间，凡高很少发病，似有好转的症象，可当凡高重新拿起画笔时，精神病又开始发作，不过令人不可思议的是，正是在忍受精神病折磨的人生最后的一年半中，竟是凡高的创作的高峰期，在此间，他共创作了两百多幅作品，而且优秀作品居多。或许正是那脑海中穿梭而过张牙舞爪的恶魔们让凡高的创作才华发挥到了极致，在凡高的后期作品中，四处都能找到这些恶魔的影子。《麦田的乌鸦》1890年，在奥维尔的乡间创作的凡高在完成他最后一部作品《麦田里的乌鸦》后，彻底崩溃的他写下这样一句话“我彻底绝望了，我看不到出路”后便拔枪自杀，由于子弹没有正中心脏，所以伤心欲绝的提奥才能见到凡高最后一面，在祢留之际，凡高依然为这么多年给提奥增添那么多麻烦而抱歉，并为自己没办法尝还亏欠提奥的钱而愧疚不已。当这位伟大的画匠说完最后一句话：“提奥，提奥，我想回家……”便长眠不醒。离开了他曾经深爱却又从未爱过他的冷冰冰无情的世界，离开了深爱他的提奥。凡高的死，令提奥陷入深深的痛苦中，仅仅半年不到，无法自拔的提奥忧伤而死，静静地守候在凡高的跟前，从此不再分离，也许这就叫做生死不离吧。凡高，上帝在世间最为荒诞的作品。没有爱情，没有亲情（除了提奥之外），不被世界认可，甚少朋友，一生飘零，带着一腹的才华郁郁而死，在他死后，仁慈的上帝才让这具瘦俏的躯体淀放出最为耀眼的光芒，而这束光芒正是上帝对人间最为无情的嘲笑。而上帝却也不忘让可怜的凡高保留着生命中最好的礼物——提奥，自始至终，永生相随。

凡高的嘲笑篇四
《梵高》

凡高的嘲笑篇五
《梵高艺术分析》

梵高

梵高，一个早已被大家所熟记的名字，一个一生充满了神秘色彩的名字，一个代表了二十世纪法国艺术的名字，却只在这世界短暂的停留了三十七年，便如同流星一般划过天际，然后消失不见。

梵高的死源于自杀，他选择在阳光充沛的田野上，面向着自己向往的太阳，对着自己的身体开了一枪，然后掩着伤口回到家里，拖了几天后死在他的弟弟提奥的怀里。生前的梵高也许是不得志的，甚至可以说是郁郁寡欢，自己的画作一幅也不曾卖出去，甚至连自己画中想要表达的情感也很少有人可以体会得到。从某种意义上来说，他是一个孤独的斗士，一个人在黑暗中踽踽独行，以其富有表现主义的印象派画作向当时的虚伪的画风发起冲击，然而换来的只是当时那些愚昧的人的冷眼与嘲笑，在阿尔勒绘画的梵高甚至被当地的人们奚落为“神经病“，还被强行送到了精神病院治疗，也许有病的不是当时的梵高，而是当时的社会的虚伪和病态在作怪，在肆虐。于是不被世界所接受，走投无路的梵高只好去另一个世界去寻找自己心中所追求的真理，他如同一只扑火的蝶，燃烧自己的生命，来成全理想中的向日葵天堂。

也许艺术家的内心都是孤独的，可是真正的梵高又有谁可以真正的理解，凡高的一生是与孤独相伴的 ，他渴望友谊， 渴望关爱，然而渴望爱情与理解未能如愿 ，当他感到被世界抛弃和遗忘，于是他选择了沉默， 沉默在自己的艺术之中 ，也许只有艺术才能让他感到安慰和满足， 孤单已经不再那么可怕， 反而是他追寻平静的基石， 只有孤独才能让他忘记尘世的欲望和诱惑， 他执着于自己的事业之中， 执着于自己的艺术天堂。有人说这样的梵高是不真实的，可是究竟是么才是真实？又有谁可以说得清楚,大家只能靠自己的理解,自己去体会这个疯狂的艺术大师,这个向往着自然与生命的梵高！

每一个欣赏过梵高画作的人都会被其内心中那个广阔神秘的世界所感染。当站在梵高画作前静静地驻足品味时，你的内心也许会非常想要了解究竟梵高当时是在怎样的一种环境中才画出了这样的一幅画作呢？原因大概就在于梵高的画作急切的想要向人们表达出自己内心的情感与渴望，画面中的每一个物体，都以独特的方式燃烧着它的生命力。于是画作便和梵高的内心有了共鸣，这微弱的声响也许在当时根本不会被人们听到，可是百年以后的今天，这种力量却可以撼动人们的心灵，使人们迫不及待的想要踏着他的足迹去经历那个时代的变革，可是又有谁可以忍受梵高心中的那一份孤苦呢？

梵高画作的色彩和手法都是非常独特的。他在绘画时总是着意于表达自己对事物的感受，而并非事物的真实面貌。于是，梵高对于色彩的运用便近乎随心所欲，事物的色彩在他的画笔之下也便有了新的模样，从没有一个画家的用色，会像梵高这样浓烈，明亮，好像无法控制的新生的渴望。深红，金黄，碇蓝，艳紫，苍绿，油彩有时候以凝固状态呈现在画布上，无法稀释和抹匀，甚至连事物的形体和比例都发生了变化，梵高在作画时，外围的线条总是在随便的扭曲着，好像一颗被任意揉捏的内心，同时也透射出了表现主义和现实之间痛苦而真实的关系！

《向日葵》作为梵高的代表作之一，整体画面被一种似乎是被怒射出的火焰充斥

着，十五朵向日葵任意扭曲着自己的身躯，去追逐自己所向往的阳光，也许向日葵就是代表了像凡高那样追逐阳光的人，他们也都是时代的伤心者，但他们都拥有自己心中的永不停歇的理想。

也许真实的梵高并没有死去，他永远活在了自己的画中，他用自己的绘画语言阐述自己的理想，只是我们还未曾发现罢了！

凡高的嘲笑篇六
《梵高》

梵高于1890年离开了这个世界，至今已经一个世纪了。尽管由于时间的

距离带来对梵高研究和评价上的各执己见，但梵高被美术史归纳为后期印象派代表画家并在近代美术史上扮演着不亚于塞尚、高更的重要角色，足以说明梵高的一生是伟大的一生。仅仅37年的生命历程，而绘画创作又不超过10年，却形成了印象派中区别于塞尚、高更绘画风格的强调主观世界的表现主义形态。 100年来，人们对梵高的热爱越来越强烈，对梵高的研究越来越深入，梵高也由于人们对他的挚爱而在绘画史上享有了无与伦比的地位，这一切正好验证了梵高所说的“我的艺术是献给未来的”这句话是千真万确的。 基于此，我认为对于梵高主观表现主义形态的形成有必要进行深入的分析研究。因为梵高作为画家，他的生存方式和对艺术的执着追求与众不同。 如果把梵高和我国历代与其有相似之处的艺术家诸如张旭、怀素、米芾、徐渭、朱耷以及当代的石鲁等并列起来看的话，梵高并非真正意义上的精神病人。我认为梵高其实是死于孤独，死于无人对他的理解和认识，绝不是“由于精神病发作而开枪自杀”之类的原因。因为梵高的最终结局完全是他预料中的，他曾说：“创造新东西的艺术家，都会遭到嘲笑，并且被当做精神病看待，艺术家无法忍受冷酷的环境，到了最后就会走上毁灭自己的悲剧之路。”梵高的孤独几乎与所有被褒或贬的孤独都不同。苏东坡的一生虽颠沛流离，但有生之年还是体会到了名满天下的快意，所以才有“高处不胜寒”这样内在与深刻的孤独。李白郁郁寡欢是源自于胸怀大志却无人赏识，才能得不到施展，故“借酒消愁愁更愁，抽刀断水水更流”。他在吟诗作赋上体现出的才华得到举世公认并有诸多知音，杜甫就是其中之一，所以李白才有“举杯邀明月，对影成三人”的超越现实的浪漫主义孤独。屈原“众人皆醉我独醒”是源自于他不屑于、不肯与众人同“醉”，他忧国忧民、慨叹人生，所以才有“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的大彻大悟，这是一种高雅、富贵、充实的孤独。然而梵高却是孤独得可怜、痛苦，他对亲情渴望，但只有弟弟对他给予过理解；对爱情向往，但只有妓女与之往来；对友情珍视，但高更后来还是离他远去。这一切让梵高体会到了死亡是最彻底的孤独，也是能够寻找到的最彻底的自由。梵高的孤独还体现在，上帝造就了一个超越于时间与空间的旷世奇才，却没有造就出能够理解他的亲人、认识他的朋友、欣赏他的观众，所以他的艺术知音非常寥落。梵高一生是在被误解、被忽视并且被遗忘和几乎无人理睬中度过的。像雷诺阿、莫奈等能够被别人讥讽、嘲笑和咒骂都使梵高非常羡慕。他不知道自己是个天才，不知道自己是位艺术家，他的心声只能向唯一能够理解和珍爱他的弟弟提奥倾诉。在给弟弟的最后一封信中写到：“我不需要故意表达凄凉和极端孤独的心情，我希望你能马上看到这些画，我觉得这些画会把我无法用语言表达的话告诉你„„”当弟弟扑到即将死去的梵高身上泣不成声时，梵高却非常平静地说：“兄弟，不要伤心，我是为大家着想才这么做的。”从这两段话分析，梵高是非常理智和清醒的。但是梵高的最后一幅作品《麦田上的乌鸦》却是—种无序笔触的堆砌，占画面几乎1/2的黑蓝色天空，挤压着金黄色的麦田，一条小路伸向远方但没有到天边就已到了尽头。而翻滚的麦浪好像恐惧空中的袭击，无数只象征着死神的乌鸦

在画面上空翻飞盘旋，人们仿佛能听到恐怖的哀鸣。通过这幅画不难看出，梵高在做出最后抉择之际头脑是清醒的，情绪非常稳定，他已经不再激动、不再冲动、不再感动了，创作激情已经完全失去。就在这时梵高永远忧郁的眼神可能有了瞬间的喜悦，因为他已经深刻地认识到孤独比死亡更痛苦。 尼采曾说：“在人世间遭受最深苦恼、吃过最多痛苦的人才算伟

人。”那么，梵高一生与苦恼抗争不懈，而且总是在超越身心最大承受极限之上痛苦挣扎，为艺术燃烧了自己的一切，这样的一生，无疑是充实和伟大的一生。 童年的梵高就体现出了强烈的孤独与任性，他“不喜欢家里炉火的温暖，而喜欢徘徊在荷兰荒芜的原野间”。他对生活的感受是超乎常理的，比如当他看到闪烁在夜空的星星时，却认为晚上比白天还明亮„„梵高成人以后，作为美术商店的服务人员，在一位顾客表示要买一幅客厅挂的画时，梵高竟然顶撞顾客说：“画虽然有好有坏，却没有什么挂客厅、挂餐厅之分。”当客人认为有一幅画稍微大了一些时，梵高很不客气地嚷道：“你是从什么时候开始根据大小来买画的？”当梵高成为一名私立学校的临时教员时，经常和校长发生冲突。除了最后从事的绘画，他几乎所有的事情都一事无成。 梵高是在传教过程中体会到了人世间的美好。看到矿工生活条件恶劣、缺吃少穿并有疾病缠身的情况，他把自己的衣服施舍给矿工，甚至把自己的床位借给病人而使自己没有住的地方。梵高也同样在传教过程中体会到了人世间隐藏在美好背后的丑恶。那就是梵高所有的慈善友好行为，都被教会视为过分、过火并不能忍受而对其提起申诉。从这时起，一颗炽热的心灵仿佛被浇了一盆凉水。梵高对宗教的信仰开始动摇，对基督开始怀疑，他发现宗教是富人的宗教，适合于有钱人，而与贫苦人没有太大联系。最后他还是选定了绘画，他认为绘画可以施展自己的才华和远大抱负，于是“梵高从眼睛的神色到喉咙的声音都变了”，他开始向自己新开辟的美的世界勇往直前。 梵高没有一点绘画基础，也没进过美术学院。当受过严格的学院派教学训练的画家表哥毛佛劝说梵高“应该画些石膏素描之类的画”时，梵高反驳：“这种没有生命的东西根本没有画的价值。”并将石膏像碾碎丢在垃圾堆里。梵高刚开始画就把目光投向了穷苦劳作的庶民而非王侯贵族、大富翁和贵夫人等。他说：“我拼命地画画，画那些雪地里挖人参的女人，这是为了表现农夫的工作状态，我反复不停地画，专画这些本质上现代的人物画，至于希腊时代的人，文艺复兴时代的人或荷兰的古画等等，我都不曾画。”这也恰恰使梵高没有受到任何画家对他的影响。所以才能够以区别他人的方式接近生活、以完全个性化的内心感受去认识生活，以自己独特的语言去表现生活。这体现出梵高自始至终没有把注意力放在技能、技巧的提高上，而是要充分表达情感和意志；没有把目标放在画匠的标准上，而是要成为真正意义上的艺术家。 不可否认，在艺术上的高度自我是成就梵高最主要的原因，但也曾经有一段时期他的艺术创作确实受到了来自生活中的喜悦心情的影响。那就是生活在位于欧洲南部的阿尔乡村小镇的那些日子。这里与他长期生活的荷兰完全不同，下雪的时候透过寒冷的天气仍然会有温暖的阳光照在身上，在这里他总是忘却寒冷而漫步在明朗的山野之中，长期以来一直遭受打击的身心得到了从未有过的舒展，精神也分外清新爽朗，这时的梵高像复活了一样。在这个小镇子上，他有三个朋友，其中一位是镇上的妓女，这个女人给梵高的生活增添了很多愉悦。这段时间是梵高创造力最旺盛、作品数量最多的时期。他这时的作品多以明亮、华丽、富贵的黄色、红色、橙色为主调，充分体现了对生命的赞美，对美好生活的向往。梵高

在这里完成了著名的《阿尔附近的吊桥》、《盛开的桃花》、《向日葵》和最具代表性的《戴麦杆帽的自画像》。《社会的自杀者》一书的作者安东尼·亚尔特通过这幅画给予梵高极高的评价。他说：“梵高的眼睛是伟大的天才之眼，从画布里发出的炯炯目光，好像在对我们进行解剖。在那一瞬间，我觉得这幅画所表现的主人早已经不是画家的梵高，简直就是永恒不朽的天才哲学家。连苏格拉底也没有这种眸子，大概在梵高以前的伟大人物中只有悲剧性人物

尼采表现过这种灵魂之窗，这是从精神的出口赤裸裸地来表现人间肉体的眼神。”我认为这段话与其说是对画的评价，不如说是对人的评价，是对梵高真正意义上的评价。 亚里士多德曾说过：“没有一个天才不带一点疯狂。”约翰·德莱顿还说：“天才与疯子比邻，其间只有一纸屏风。”我认为这话似乎就是说给梵高的。如果把成功的画家分为两类的话，一类如吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿、傅抱石、李可染、陆俨少等，他们都有“不以物喜，不以己悲”大彻大悟的人生境界。另一类如张旭、怀素、米芾、徐渭及当代的石鲁等，他们都时而大喜大悲，时而痴癫疯狂，时而喜怒无度。这两类画家在艺术上的成就可以放在一个平面上类比，但人格完善上则无法相比，梵高应属于后者。 对梵高的评价与其说是“向日葵”因为一位画家的挚爱而在绘画史上享有无与伦比的地位，不如说一位画家因为一种花而被无数普通人认识、理解和怀念。因为这种花是梵高创造的伟大艺术。“若天之自高、地之自厚、日月之自明”，梵高的艺术创造就是天然本真的生命，当世俗形骸消亡之日，就是他的艺术走向永恒之时。

梵高艺术特色：

采用点彩画法。画面色彩强烈，色调明亮。后来受到革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，大胆的探索、自由地反悔内心感情的风格，追求线条和色彩自身的表现力，追求画面的平面感、装饰性和寓意性。梵高的作品中包含着深刻的悲剧意识，强烈的个性和形式上的独特追求，一切形式都在激烈的精神支配下跳跃和扭动。

梵高艺术影响：

当时他的作品虽很难被人接受，却对西方20世纪的绘画艺术有深远的影响。法国的野兽主义、德国的表现主义以及20世纪初出现的抒情抽象主义等，都从他的主体在创作过程中的作用、自由抒发内心感情、意识和把握形式的相对独立价值、在油画创作中吸收和撷取东方绘画因素等方面，得到启发，形成了各自不同的绘画流派。 梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。

凡高的嘲笑篇七
《梵高画作欣赏与思考》

梵高画作欣赏与思考

姓 名：

学 号：

学 院： 材料科学与工程学院

专业班级： 矿物加工工程

授课教师：时 间： 2012年5月31日

摘要：梵高，著名荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深

影响了二十世纪艺术。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《麦田上的乌鸦群》等，充满了激情与灿烂的色彩，也向我们展示了他复杂的内心世界。

关键词：梵高 艺术 画作 欣赏

欣赏完电影《梵高》，自己内心对这位充满了艺术天分的画家有着太多的话要说，梵高一生生活在落魄与诗意之中，但是他却在这样灰色的生活中，用自己的画笔将激情与灿烂完美无瑕地诠释出来。梵高一生在孤独、贫困、流落异乡中度过，生活像玩笑一样，梵高一生可怕的命运终究抵挡不了那异样的荣耀。别人轻视他，嘲笑他，更没有人去欣赏他的画作，然而他注定与绘画一生相伴，梵高借着绘画对抗了所有人，也对抗了自己，绘画在他那里化作理想的世界，也是疯狂的世界。他用眼睛观看世界，而他却看到了事物的真正面貌。 艺术源于生活这是艺术创作永恒的真理，梵高的每一幅作品都 离不开他对生活的细致观察。首先梵高对自己的观察超越了自我， 像是客观的离开自己的身体，用灵魂去观察自我。梵高40多幅的 自画像反映了梵高的绘画风格、身体状况以及思想情绪的变化。色 彩、轮廓、线条和结构的变化表现了他的情感从积极自信到焦虑悲 伤的转变。梵高能够从一个客观的角度将自己的这种感情毫不掩饰 地画出来，这不仅仅是对外貌的简单描绘，更是画家灵魂的表达述 说。梵高在圣• 米雷精神疗养院疗养期间，创作了一幅最大的自画 像，其面部表情和背景流露出了作者内心的情感。

 《梵高的自画像》

在简陋的画板上，梵高用廉价的颜料，鲜明的色彩勾勒出一幅展露出自己生命张力的自画像。蓝色的背景像天空，褐色的外套像大地，他的面部及胡须组成了一棵竭力伸展的生命力暴烈的树，笔触跃过笔直坚挺的鼻梁奔向那双绿眸与眉宇的中心，在这处忧郁和热情的焦点四散开去，爬过绿色的眼睛，爬过横亘额头的帽子，爬过金红色的胡须，干净利落地嵌进“蓝天”和“泥土”里。

在整幅画中，你无法找到一条明确的线条，无论是面部、衣服，还是那顶灰色的毡帽。它们粗糙、不完整，却是完全按照梵高的个性整理过的。在马奈之前，从来不曾有人像梵高这样画画。他并没有将基本色逐步过度地排列在一起，对许多细节干脆不去描绘，也不把色彩、线条、光和影处理得边缘明确，而是颤动的，仿佛是相互渗透的。这就是所谓的印象派。

这幅自画像是梵高1887年在巴黎创作的。在巴黎，梵高结识了保尔·高更、毕沙罗、图鲁兹·劳特雷克等一批印象派画家。巴黎的艺术气息和印象派的画家们让梵高领悟到了使绘画发生彻底改革的一种简单方法：印象派的画家们使他们的画上面充满了空气！他们发现了光和呼吸、空气和太阳，他们是透过存在于这震颤的流体中的各种数不清的力来看事物的。

 《向日葵》

文森特·梵高共画了11幅向日葵。现存于伦敦国家艺廊45号展厅中的一幅是第8幅，并且也是最重要的具有转折意义的一幅。每个去国家艺廊中的人或许都会驻足在这幅向日葵前，会对这不一般的花

卉物创作产生强烈的好奇心。他们会说，它是明亮愉快的，经常被挂在房间里，照亮整个屋子；它是充满感情的，让人回忆起夏日的时光；它不只是一幅花卉静物图，有些花已经垂下头来，奄奄一息，看它们垂头丧气的样子，你会想再加点水到花瓶里；它比其他的静物图，更具有侵略性„„

那激烈的笔触，有着强烈对比的绚烂色彩，充分展现了梵高放荡不羁的个性，几乎可以说是他的自画像，也是一幅最不安、躁动的静物画。对其看得越久，越觉得它奇怪，它似乎散发着一股超自然的光芒，没有一丝阴影，但仍然神秘，几乎同时吸收及散发出光线。这不过是一瓶平凡无奇的花，为什么会显得如此超凡脱俗？再说说花朵本身：它们的风格强烈而又超现实，但同时也是自然生命周期的被害者。

画中的花没有一朵是完美的，全部都是凌乱而死气沉沉，但画作的整体却流露出令人震撼的对称感。这幅作品近看，会觉得像一尊雕像，某些地方的颜料，厚重到呈现立体状态；有些地方又稀薄，露出下方的画布。但从来没有人觉得，这幅画的完成度不够。连画家的签名都非常神秘，主要是因为它穿越画布，而非藏在角落中。如此鲜明的署名，已成为画作的特色之一，简直像花瓶瓶身上的装饰。画家为何把名字签在这么抢眼的地方？这幅画并不是绝无仅有。梵高共画了11幅类似的画作，前7幅是练习作，后三幅是对这一幅的复制，因此说这幅画是最重要的一幅。这11幅向日葵从未同时展出过，但若放在一起研究，它们就开始吐露它们的秘密。对梵高来说，向日葵是生命周期的呈现，他笔下的向日葵有的只是花苞，有的即将绽放，有

的刚刚怒放过，有的则开始凋零。向日葵记录了梵高这名画家从学徒到大师的崛起之路。

 《星月夜》

梵高艺术创作上的激情还体现在梵高在画作中的大胆创新，在 这一点上可以说梵高确实是个“疯子”，在构图上梵高大胆地突破 了传统的界限。梵高的经典名作《星月夜》就是这样一幅作品，原本自然的线条却无缘无故地扭曲，整个星空像是在回旋，给人一种晕眩的感觉。就连星空下的景物也被这旋转给扭曲了线条。这幅作品其实也在一定程度上表达了梵高深埋在灵魂深处、对世界的真实感受。作 品的创新之处在于这种大胆的构图和线条色彩运用，近处的柏树像 是一股巨型火焰正由大地的深处向天空腾腾而起。山腰上的哥特式 教堂，细长的尖顶伸向天空，给人心神不宁的感觉。整个画面呈现 出来的一切不停地回旋和转动着，甚至夜空中艳丽的色也如喷射而 出。

 《麦田上的乌鸦群》

梵高的遗作《麦田上的乌鸦群》，通过无数的条块描绘出这样 子的风景：不安的天空下延伸着大片的麦田，一群乌鸦受惊而飞。 梵高没有可以去细致描绘出麦田和乌鸦的具体，而是采用这种色彩 来表述。梵高自己曾经说过这幅画蕴含着无法用语言表达的话，千 言万语表达不出来的，一幅画面却诉说出了生机勃勃的这种景象。 呈现在面前的的是极不平静。

油画的色彩愈是斑斓明亮，梵高的人生便愈失落幽暗。对于命运

凡高的嘲笑篇八
《梵高》

麦田中的金色灵魂

“这个荷兰人只是一个灵魂。”莫奈如斯评价梵高。在我心中，梵高确实就是一个孤僻的，固执的，癫狂的，纯粹的，金色的灵魂。

——代为题记

艺术到了极至便是相通的。

黑泽明的电影《梦》中有一个章节，提到了梵高。文森特．梵．高，那个亲手将自己的耳朵割下送给妓女的疯狂画家。

象征黑泽明本人的年轻画师在梵高的画前驻足，他想在画中寻找这位画家。于是他进入了梵高画中的世界，穿梭在浓烈斑斓的油画笔触中。最后，在他的眼前出现了一片金色的麦田。在麦田的至远端，梵高背着画板的身影渐行渐远，慢慢消失在小路的尽头。取而代之的是无数死兆的乌鸦跃出地平线——画面变成了梵高最后的遗作：《麦田群鸦》。

画面的瞬间切换流畅至极，却硬生生地虏获了我全部的气息。搜索脑海中的所有词汇，反射性地闪现出两个字。

“惊艳”。

惊于那满目刺眼的金黄，惊为天人；艳于那醇醪似的金黄，艳不可方物。

《麦田群鸦》，又名《危险天空下的麦田》，梵高生前的最后一幅作品。也正在是这片麦田的深处，对生活绝望的梵高将致命的子弹射进了自己的身体。

无须过多扭曲观者的视线，《麦田群鸦》中几乎不存在视觉焦点，却也正因如此，使干涸的每一笔都清晰地成为一个中心，一个渴望，一个生命，给人以感动的震颤。这种感染力通过画面，彻骨地穿透人们的心底深处，并震荡开去，宛如亲临这块黄金般的墓地。

梵高预感到了死亡，所以他将自己的灵魂和生命倾注在这最后的画布上。

炫目的金黄色麦田被渐渐下沉的黑暗阴影笼罩，夹杂在明暗间的大块靛蓝更给人以浓重的窒息感。麦田上群飞的乌鸦似在宣告不吉的预兆，这中世纪以来便被视为不详的黑色巫物像无穷的梦魇般肆意渲染着画面。麦田中生命似苍绿的小径向黑暗的方向延展，消失了，磨灭在画的未尽头。

数日后，创作者的生命也走到了尽头。

这是梵高结束自己短暂却苦难的一生的地方。这不被世俗理解的“伏热”选择了以最极端的方式来证明自己生存的价值——用死亡。当他仰面倒在那片金色的麦田中，仰望上空的时候，

没有看见极乐的祥瑞。靛蓝的天，已呈深墨。

这一次梵高没有用过多的色彩，但他的笔触仍一如往昔的刚硬而热烈。厚重的油彩层层堆积在画布上，每一笔都鲜活如生，每一笔的呼吸都恍然可闻。那是一种对弥留生命最原始的呼唤与挚爱，使人不禁为之动容，妄图投入这片耀眼的金黄中去对生命顶礼膜拜。

艺术家大多有些偏执与古怪。达利曾言：“我和疯子的唯一区别是我还没有疯”；而毕加索惯用的抽象色块也被定义为疯狂的象征。但与他们不同的是，梵高在“疯狂”的道路上走得太远，成为了一个真真正正、不折不扣、彻头彻尾的疯子，并且无法回头。贫穷、疾病和内心对于爱情的空虚及渴望反复扼杀着这个年轻画家的信心和自尊。他下笔越来越沉重，用色越来越夸张，这同时也令他的画作越来越散发出令人窒息的压迫感。

艺术总是在那个年代承载着过重的孤独和痛苦，惟有在下个时代才能伴随满溢的赞美与惊叹，于是艺术家们大多和贫困潦倒以及不被理解的寂寞共度一生。梵高三十七年的生命便是在如此的孤独与痛苦中煎熬殆尽。他生活在最底层，却将灵魂搁置于顶点。也许因为人性对凄美的偏好，今生的无数人停留在他的画前审视、思考。后世的鉴赏家将他奉为天才或圣人，但这个有着一双渴望、忧郁、孤寂的眼眸的天才、圣人却在他的年代被无数人嘲笑着排挤着，被扣上“伏热”的名号。

是的，梵高的画在他生前甚至未曾售出过一幅，却在百年之后屡创天价，这未尝不是艺术的悲哀。

丧失倾诉对象的创作激情令梵高选择曝晒于阳光下，让这金黄色的火球驱散他内心的寒冷，让他的每一笔都似火烧般浓烈炽热，在画布上焚烧出一片明亮的灰烬。

终于，梵高被他最爱的金色阳光灼伤了头脑，只因那高高在上的火热是他一生都遥不可及的顶端——于是他愈加喜爱那种接近阳光的金黄，就像图腾崇拜似地用一层又一层的金黄堆砌起他理想中的乌托邦。无论是《向日葵》上那高贵炫目的流光异彩，还是《星月夜》中那变形旋涡的驿动，金黄色俨然已经成为他创作中不可或缺的部分。他深爱这金黄，这天真却又深沉，辉煌而又钝重的金色。

那是他灵魂的颜色。

而在最后的画作上，他同样没有吝啬。

用激情诠释痛苦，这几乎是《麦田群鸦》展示的另一层意味。金黄、靛蓝、苍绿、墨黑之间的强烈对比与反差，毋需过度，突兀地被画笔调成一种诡异的契合。画中浸润着无法控制的亢奋，这是梵高对“痛苦便是人生”的最后理解。

金黄色以一种凝固的姿态绽放在画布上，无法被稀释与调和，宛如子弹穿过腹部肌肤时喷溅而出的粘稠血液般妖娆。这是一个饱受社会折磨的灵魂最后的挣扎。原本分明是三分式稳定的构图因为色彩的侵占反而令人深感不安，混乱的情绪纠缠在明亮或压抑的色块中，仿佛是暴风雨前的混沌。

梵高短暂的一生都在竭尽所能去描摹自然的美好，再把一切希望用绝望的色彩和笔触涂抹在画布上，像是在刻下一个个惊叹号。他是一个孤独的人，他奋斗，他努力，却无人认同，亦没有得到任何他所期冀的东西，就连与生俱来的天赋都被轻而易举地否定。他只能越发疯狂地投入到绘画中，疯狂地涂抹他的不甘他的不愿。他没有妻子，没有儿女，没有朋友，没有财富，甚至，没有健康。他总是一个人偊偊前行，离群而脆弱。这个男人可怜且落魄，和王尔德有些许相似，总是在自己固守的坚持中幻想着现实里不可逾越的天堑与鸿沟，有关道德，有关爱情。他作画的原因不仅是热爱，更是因为别无它法令燃烧的灵魂找到宣泄的出口。他依靠创作来填补内心的缺失与渴望，用油画笔和饱和的色彩来医治灵肉的双重创伤。

梵高的画很暴力。

因为那是这个画家在用生命呐喊。

综观《麦田群鸦》，他用色极端，笔法极端，连扭曲的构图都趋向极端。失衡的金黄侵占了大半画面，扑面而来的却是画面上方回旋的黑色气息。骚动不安的黑云与鸦群，风中摇摆的金黄麦穗，蜿蜒而上的油绿小道，那简约的景致在看似随性的硬朗涂抹下，沉淀着尖锐的疼痛——这是梵高最后一次的疯狂。这种肆意的张扬在生命原始的终点，到达了颠峰。

凌乱的线条使麦田喘息着，流动着，几乎可以想象出梵高当时是用怎样一双充血的眼张望，又用怎样一双粗糙的手，在画布上猛烈而狂乱地舞动。沉重的黑，窒息的蓝，还有他最爱的、那遍地绽放的金黄。郁闷而扭曲的画面和色彩正象征着精神的崩溃，那挣脱理智枷锁后的狷狂毫不留情地给人抨击与震撼的颤栗。

写至此，不得不承认，笔拙的文字是如此苍白无力，无论如何都无法去替代那一块块鲜明色彩所表现出的，最直观的张力和生命力。粗犷的笔法，豪放的节奏，不羁的色彩，构成厚重却艳丽的画面，残酷的死亡预兆分明是一个挣脱俗世的艺术家最后的狂舞，动人心魄的狂舞。

活着的梵高终究是个失败者，他败给了对于失败的恐惧。这种深刻的惧怕甚至使他宁愿面对死亡。他一生有过许多自画像，他是自恋的。可自恋说到底不过是自卑的衍生。到达颠峰后无法再进一步超越的孤独，和追求进一步探索后的愈加孤独彻底击溃了这个游走现实边缘的画家。对生活绝望的梵高唯一还留恋的，就是站在那片金色的麦田中不停地不停地不停地画。他画笔下最后的麦田是那样没有逻辑地循环交织着，在脱离了约束的双手下，开始，和结束。

一如他的生命。

极端的悲怆和寂寞，替代了将要自我终结的生命与灵魂被永远留在了画中，隐约弥散着浓郁的孤独和狂嚣的绝望。抽空了灵魂的躯壳早已被病痛和潦倒充斥，于是，就在完成《麦田群鸦》的数日后，就在这片他最爱的金色麦田中，梵高扣响了死亡的扳机。

“我的作品就是我的肉体和我的灵魂，为了它，我甘冒失去生命和理智的危险。”理智早早地归去了，而今，连仅剩的生命也被上帝收回。梵高实现了他自己的承诺。

清亮的枪声惊起了停歇的乌鸦，它们群魔乱舞，将并不明亮的蓝空染成黑色。不安和危险的气息填满空气的缝隙，令人无法呼吸——这样的景象是如此似曾相识。诚然，《麦田群鸦》

的画面并不复杂，也许有着油画功底的人可以轻松地仿照临摹下这幅看似简单的遗作——但没有人可以复制出这画中的灵魂。因为这个世界上唯一一个梵高已经亲手结束了自己的生命，他的灵魂已经永远埋葬在那片阳光普照的丰收麦田中，与灿烂的阳光，翻腾的麦浪一起长眠，或许，有时，还会在地平线的那端跃出群飞的乌鸦替他咏唱挽歌。

世人无法解读梵高这个孤高艺术家的灵魂，只能在他身后扼腕叹息。这或许是赐予他创作冲动与感动，却最终将他抛弃的世界能够补偿他的一切所有。

直至今日，我始终相信，奥维尔那片金子般美丽的麦田中，安息着一个画家金色的灵魂。

Vincent Van Gogh

“他生下来。

他画画。

他死去。

麦田里一片金黄，

一群乌鸦惊叫着飞过天空。”

——法国．波得莱尔

试析高更与凡高艺术观念异同

时间:2010-10-30 14:02 作者: 本站编辑 来源: 华南期刊网 查看: 9次

【论文关键词】后印象派；高曼；凡高；艺术观念

【论文摘要】高更与凡高同是后印象派的大家，本文通过简要的回顾当时西方整个社会环境，分析后印象派产生的原因和存在的意义。并结合高曼和凡高的艺术生平，艺术观念确立的过程，来进一步探讨他们在艺术观念上的相同点和不同点。他们的艺术观念有同有异，同中有异，异中有同。基于这些文中还对其后受他们影响的画家、画派浅要的进行了阐析。

19世纪末，西方的整个社会都处于一种动荡的不安中，不管是生存环境，生产方式或是意识形态。这是一个充满艺术碰撞气味的时代，继印象派之后产生了新印象派和后印象派。新印象派却因为过度追求光与色的科学性分割，用纯色点的精确组成画面而使它渐渐的背离了艺术的本质，从而慢慢地脱离了社会；后印象派却能够真正的摒弃传统的绘画法则，敢于与传统决裂，把艺术从关注客观主体转向了关注内心、内在精神的主体。后印象派画家注重内心的感受，注重绘画形式的表现，运用变形、夸张、寓意、象征等手法给色彩、线条和构图以强烈的感情色彩，达到表现自我，表现主观，表现内

在感受作为追求的目标。其中高更与凡高就是作为后印象派代表的身份出现的。

一

高更与凡高在成长的过程中都有不同的境遇，同时他们在早期的绘画上又都追随过某派某家，从中也受到他们的影响，并又各自朝着自己的方向前进。他们在成名前都面临过穷困潦倒，可是都没有因此而放弃，而是为了自己深爱的艺术坚持的走了下来。

高更，1848年生于巴黎，当过6年的海员，有过l2年股票经纪人的经历。高更后来由其监护人介绍并加入了当时巴黎画坛一个十分活跃的“礼拜日画会”，当了l2年的“星期天画家”。凭借l2年的“星期天画家”，在1880年由毕沙罗推荐他的作品《****习作》参加了第五届印象派的画展，当时受到艺术评论家居斯芒斯的高度评价。他称这幅作品“显示着一个当代画家无可争辩的气质”；称赞高更：“创作了一幅大胆的、独具一格的油画!”，“我敢肯定，在当代所有画过****的画家中，还没有一个能够如此有力的表现生活的”。1881年又有八件作品入选第六届印象派画展；1882年有十二件作品入选第七届印象派画展。1883年，他辞去了银行职务全身心地投入绘画，穷困与家庭的冲突接着而来。1886年高更几乎和家庭断绝了关系，过着孤独的生活。高更早期风景画里带有较明显的模仿毕沙罗的痕迹，在人物画室内情景的作品比较多是学习德加的构图法则，可以看出高更的绘画一开始是从学习印象派起步的。高更这时候的艺术观念里已经开始有一种幻想的成分。他曾经这样说过：“自由自在而又热情地去画画，你就会取得进步，而且你迟早会发现它们将被赏识的价值。重要的是只要不在画幅前焦躁不安，一股强烈的感情就能很快传达出来，要善于幻想，并为这种感情寻求一种最简单的形式”。 1853出生比高更小五岁的凡高，出生在荷兰南部一个牧师家庭。凡高l6岁进入巴黎古比尔公司(当时欧洲最大的画廊)的海牙分店工作，在那儿当店员，并在店里出售绘画作品和复制名画，后转到伦敦分店工作。凡高在这段日子里通过工作，学习了大量的艺术知识，也读了大量的文学作品。这使他在很年轻的时候就有了很高的艺术鉴赏力，这也为他日后成为一位杰出的艺术家打下了基础。他这时候最喜欢的画家是米勒，伦勃朗，布雷顿等人。直到1885年去安特卫普前其绘画属于其早期绘画。这个时期凡高的作品受现实主义画风的影响，画面黝黑，富于乡土气息，大部分都是表现农民的题材，这时候的凡高向往成为“农民”画家。凡高的信里曾这样写到：“我以为，把一幅农民画画成老一套光洁的样子，同样是错误的。如果能在农民画上闻到熏腊肉的烟味、煮土豆的蒸汽味，那就好了，这不是不正常；只要闻到马棚里的粪味，很好，那正是一个马棚；如果田野上有一种成熟了的庄稼或土豆味，鱼肥或是人造肥料的气味，那就是正常的，对城里人来说更是这样。”凡高所追求的是用自己真挚的情感来描绘淳朴的农民，来表现他们的美。“自纽南时期起，凡高渐渐意识到色彩的神秘微妙。他接触到德拉克洛瓦的色彩理论，但在荷兰的自然环境中，尚不能脱离以固有色为优先的动态表现形式。”

二

布列塔尼时期的高更与法国巴黎时期的凡高他们同时都在形成自己的一种绘画的意图，这种东西的出现就是一种绘画观念的雏形。

1886年高更只身前往布列塔尼，那里的风景人物都带有浓厚的原始韵味，加上淳朴的地域色彩更是令他激动不已，当地人崇尚自由的天性更深深的吸引了他，仿佛让他觉得那是一种永恒。于是他表示“我在此拼命的工作，不断求取进步，盼望成为彭塔汶的一流画家。我的画虽然不值钱，但对于未来必有所帮助的”。这也正与他内心幻想产生了共鸣，并开始怀疑印象派。而这也恰恰是他那极富色

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