教师水墨画培训心得

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教师水墨画培训心得篇一：中国画学习心得体会

中国画作品欣赏学习心得

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我正是带着一种对中国画的好奇与探求心选择了“中国画作品欣赏与基本技法”这门课。在老师的指导下，我们赏析了许多优秀的中国画作品，还学会了画工笔画，水墨画，写意牡丹等。虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识、体会。我明白了赏析一幅中国画，要赏析它的意境与境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。古人说“人品不高，落笔无法”。这个说法我也很赞同。比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果一个人特别注重自己的气质修养，那么他的笔墨之间一定会少几分浮华，多了几分真美。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

总之，学了这门课，我受益匪浅，既陶冶了情操，又学习了新知识。

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教师水墨画培训心得篇二：《中国画欣赏》学习心得

《中国画欣赏》学习心得

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我也正是带着一种对中国画的好奇与探求心走进于老师的“中国画赏析”这门课。在颜老师的指导和鼓励下，我们赏析了许多优秀的中国画作品虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识，体会。首先就是我学会赏析一幅中国画，要赏析它的意境境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的意味儿。这就是于老师常和我们讲的“画外”吧。还有于老师给我们讲从一幅画仿若能看出一个人的所思所想，我受此启发，觉得看一幅画仿佛更能看出一个人的性格品行。古人说“人品不高，落笔无法”。这个说法我也很赞同。比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果一个人特别注重自己的气质修养，那么他的笔墨之间一定会少几分浮华，多了几分真美。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观

念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

中国画之说以冠以中国2个字，就说明了其“中国特色”的独特性。绘画是二维空间艺术最典型的样式, 其基本特征就是自身的平面性然而, 由于绘画的空间表现形式, 从总体上讲有具象、抽象和意象之分, 所以在平面的处理上又各有区别。中国画是以表现“ 意象” 为主要特征的, 因此, 中国画欣赏, 实为对二维空间意象美的欣赏, 它是直观性的具体化, 是中国画欣赏的独特性所在中国画的意象美, 离不开平面形式要素的组合,中国画家用一定的笔法所呈现的线条, 是自然节奏冬去春来、花开花落的自然物运动时空规律与心灵节奏对自然的感悟而于心中产生的韵律的融合形一艺术的节奏韵律因此, 线条在中国画中不仅具有描绘物象之功能, 同时还蕴涵着相对独立的审美价值, 可以看出, 不同的造型, 具有不同的空间意识具象性绘画强调物理空间客观的再现抽象性绘画主张心理空间意识主观的表现而中国画既不杜撰非目所知的“ 抽象” , 也不甘写极目所知的“ 具象” , 只是倾心于以意为之的“ 意象” , 是主、客观融为一体的意象空间意识的呈现它构成了中国画欣赏的独特性。

中国画欣赏有着一定的层次性, 它包含着以下三方面逐步递进的内容：一是表层，表层是官能欣赏的层次, 主要是对画面形式技法所构成的形象的观赏中国画的技法有着十分丰富的内容, 包括笔法、墨法、色法、章法以及各种特技方法等等。二是作品在一定时代背景中表现的个性, 即把作品放到作者的经历、思想发展的纵向上从而进一步领会表层, 与作品发生共鸣。而里层继续体会作者的意境时候，便不知不觉得进入了深层：深层是里层的继续, 是把作品置于中国画发展的历史长河中来省视, 通过对中国画艺术来龙去脉的领悟, 而作出理智性的判断欣赏进人深层次。中国画欣赏过程中相互联系、相互作用的一个整体构没有对作品的技法所构成的形象的了解, 就无后者可言反之, 如果不进人第二、三层, 欣赏只能停留在表面上, 对技法形象的理解就会是空洞的三者处在由表及里、由里至深、由深复表的循环往复的螺旋式上升之中这里面包含了感性与理性的双向作用, 也就是前文所说的中国画欣赏的直观性这一基本的特征。

总之，上了于老师的“中国画赏析”这门课我最大的收获是我真正的看到了

中国画的魅力所在，并爱上了中国画。我相信在中国画的吸引下，我以后还会继续去了解和探究中国画，中国传统文化等我们先辈给我们留下的中华民族的瑰宝。

教师水墨画培训心得篇三：《中国画欣赏》学习心得[1]

学院：机械工程学院

班级：测控0901

学号：3090302026

姓名：蔡志鹏

《中国画欣赏》学习心得

中国画是植根中华民族土壤中的艺术，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。我也正是带着一种对中国画的好奇与探求心走进颜老师的“中国画赏析”这门课。在颜老师的指导和鼓励下，我们赏析了许多优秀的中国画作品虽谈不上对中国传统文化精髓有了了解，但也在老师的熏陶下对中国画有了一些粗浅的认识，体会。首先就是我学会赏析一幅中国画，要赏析它的意境境界，只有为观者营造出一种意境的作品才是一幅好画。如“行到水穷处，坐看云起时”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是意境境界。好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的意味儿。这就是颜老师常和我们讲的“画外”吧。还有颜老师给我们讲从一幅画仿若能看出一个人的所思所想，我受此启发，觉得看一幅画仿佛更能看出一个人的性格品行。古人说“人品不高，落笔无法”。这个说法我也很赞同。比如说一个人如果没有什么气度，画就谈不上有什么意境气韵，如果一个人特别注重自己的气质修养，那么他的笔墨之间一定会少几分浮华，多了几分真美。

中国画按其使用材料和表现方法，可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画画幅形式较为多样，横向展开的有长卷、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。

国画在古代一般称之为丹青，主要指的是画在绢、纸上并加以装裱的卷轴画。中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，绘画形成以宗教绘画为主的局面，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但

其末流则走向因袭模仿。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念19世纪以后，在政治、经济中心城市，汇聚了一大批画家，以上海为张大千等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石，以广州为中心的岭南画家群，如黄君璧等人。

中国画之说以冠以中国2个字，就说明了其“中国特色”的独特性。绘画是二维空间艺术最典型的样式, 其基本特征就是自身的平面性然而, 由于绘画的空间表现形式, 从总体上讲有具象、抽象和意象之分, 所以在平面的处理上又各有区别。中国画是以表现“ 意象” 为主要特征的, 因此, 中国画欣赏, 实为对二维空间意象美的欣赏, 它是直观性的具体化, 是中国画欣赏的独特性所在中国画的意象美, 离不开平面形式要素的组合,中国画家用一定的笔法所呈现的线条, 是自然节奏冬去春来、花开花落的自然物运动时空规律与心灵节奏对自然的感悟而于心中产生的韵律的融合形一艺术的节奏韵律因此, 线条在中国画中不仅具有描绘物象之功能, 同时还蕴涵着相对独立的审美价值, 可以看出, 不同的造型, 具有不同的空间意识具象性绘画强调物理空间客观的再现抽象性绘画主张心理空间意识主观的表现而中国画既不杜撰非目所知的“ 抽象” , 也不甘写极目所知的“ 具象” , 只是倾心于以意为之的“ 意象” , 是主、客观融为一体的意象空间意识的呈现它构成了中国画欣赏的独特性。

中国画欣赏有着一定的层次性, 它包含着以下三方面逐步递进的内容：一是表层，表层是官能欣赏的层次, 主要是对画面形式技法所构成的形象的观赏中国画的技法有着十分丰富的内容, 包括笔法、墨法、色法、章法以及各种特技方法等等。二是作品在一定时代背景中表现的个性, 即把作品放到作者的经历、思想发展的纵向上从而进一步领会表层, 与作品发生共鸣。而里层继续体会作者的意境时候，便不知不觉得进入了深层：深层是里层的继续, 是把作品置于中国画发展的历史长河中来省视, 通过对中国画艺术来龙去脉的领悟, 而作出理智性的判断欣赏进人深层次。中国画欣赏过程中相互联系、相互作用的一个整体构没有对作品的技法所构成的形象的了解, 就无后者可言反之, 如果不进人第二、三层, 欣赏只能停留在表面上, 对技法形象的理解就会是空洞的三者处在由表及里、由里至深、由深复表的循环往复的螺旋式上升之中这里面包含了感性与理性的双向作用, 也就是前文所说的中国画欣赏的直观性这一基本的特征。

总之，上了颜老师的“中国画赏析”这门课我最大的收获是我真正的看到了中国画的魅力所在，并爱上了中国画。我相信在中国画的吸引下，我以后还会继续去了解和探究中国画，中国传统文化等我们先辈给我们留下的中华民族的瑰宝。

教师水墨画培训心得篇四：学习国画的心得体会

学习《国画》的心得体会

有幸参加了为期三天的国画学习，我很感谢为举办这次《长安区中小学教师国画培训班》付出辛苦的老师，特别是杨主任、张主任、李曼老师，还有学识渊博的刘岚老师。我现谈点心得体会。

我琐碎的说三点：

一、近大远小：同样的物像近处的大远处的小，比如人物、树木、房屋、山峰。国画虽然是散点透视，但是国画也是讲究合情、合理。

二、虚实：近实远虚，近处清晰色重、线多、点多，远处清淡、模糊线少、虚，一般远处色淡，但是如果不是分两个层次，而是多个层次，如近、中、远景，有时可以近处色重、清晰，中景色淡，远景色较重但是一定要虚，点和线都要虚要少。学画在基本技法掌握后，一定学布局，学整体，要学会虚实、避让，即是一个局部也要有虚实避让，也就是要有变化，在一些美的笔墨的基础上，要有虚实，多少，避让和变化。局部实大部分虚，画有画眼有重点，重点要实，次要点次之，其它要虚。不能对称要有虚实比对，上下、左右、前后的变化。也就是说首先从整个画面上要有大的虚实，不可零散，不可杂乱的虚实，要气韵贯通。

三、勾、皱、擦、点、染是成熟起来的技法，因此初学者一定从此基础开始学习，这是国画成熟的程式，用笔勾、皱、擦、点用硬笔，且用笔适中，染用软笔，且用笔要大，为了画面连贯不留渍痕，而且有时为了统一灰度，把淡墨一次调好。忌板、刻、结，用笔不活，手腕不灵，或不清楚笔意或所画的对象，拿不定主意。．不能生硬，荒、率，不好好多练，要沉实，要认真沉静的多练。只有当你把法技法学成熟了以后，在此基础上才能开始创造自已的作品。

2014年4月25日

教师水墨画培训心得篇五：学习国画写意后的体会

学习国画写意后的体会

在没学国画之前，我就对国画充满着浓厚的兴趣，中国画它有着独特的风格和审美情趣。

我们先学的课程是国画写意，首先当然是要准备国画材料，有国画颜料、墨汁、毛毡、生宣、毛笔和碟子等。材料准备就绪后，老师让我们去图书馆借了几本关于国画写意花鸟的书。老师说我们要从梅兰竹菊开始画。我还记得第一天老师给我们示范了竹子的画法，还给我们复印了几张有关画竹节、竹枝、竹叶的画。老师详细的讲解和细心的示范很快把我们带入了状态，虽然以前从未接触过中国画，但在老师悉心的教导下，我们画的越来越有感觉。尤其是老师给我们示范的牡丹让我印象深刻。老师分别给我们讲解了牡丹花头、花蕊、牡丹叶片、枝干的画法。这些让我学到了很多，比如笔墨的控制，如何去勾和染，还有画不同种类的牡丹的技法等等。

三周后，我们进入了国画写意山水的阶段。中国山水画从古至今流传几千年，有着悠久的历史。中国山水画至今流芳百世，山水画的技法千奇百怪，变化多端。这时我们要做的第一件事还是去图书馆借书，但这次借的是有关山水画的书。学习国画必须追溯古人之法，因此少不了临摹古代大师的作品。学习中国山水画，必须懂得古人之理法。临摹是掌握古人理法的重要途径。在山水画的学习中，临摹可以使我们对历代优秀作品留下极深的印象，可以培养我们的审美眼光。因此老师要我们多向古人学习，多临摹，从临摹中去掌握画山水不同的技法。山水画要有笔有墨，要见笔。笔是指用笔的方法及这种方法产生的线条、墨晕；墨是指墨的层次、晕味变化。李可染、黄宾虹、吴昌硕都是用笔高手，他们的笔墨都是醇厚悠长、韵味无穷。中国画造型不同于西方绘画，主要是线造型，从某个角度可以这样说：中国画就是“线的艺术”。而老师总是强调这句话“书画同源于书法是相通的”。所以说书法是山水画的基础，想学好国画必须练好书法。山水画的笔墨技法总的概括就是十六个字：“勾、皴、染、点、转、折、顿、挫、轻、重、疾、徐、浓、淡、干、湿”。这十六个字读起来容易，但真正的理解且做到恰到好处，谈何容易，因此只有下苦功，反复锤炼，达到废纸三千才能得到回报。 我们学习国画写意一共九周，最后三周我们学习的是国画写意人物。写意人物作为中国画的重要组成部分，完美传达了中国美术的精神实质。画写意人物要

注重笔墨的运用。写意人物画一般运用的笔法是勾勒和皴擦。这要在实践中寻找经验。所以要多画，多临摹大师的作品。

画画是需要恒心和毅力的，画国画需要有修养。因此要提高自己的修养，多看书，拓展自己的知识面，对他人有关爱之心，具备真、善、美的要求。我会坚持不懈，追求自己的艺术之梦。

教师水墨画培训心得篇六：国画班培训心得

国画班培训心得

2015年10月19日至23日，我有幸参加了通榆县进修学校美术培训，第一天看到培训安排，我就感觉这次培训非常具有实效性，非常注重我们美术教师的专业技能成长，边学习边实践感受，感受它的真实性，这对没有接触过中国写意山水画的我来说好像没有想象中的那么难，总之，能有这样一次学习的机会，内心感到无比的幸福。

在几天的学习时间里，有幸聆听了杨老师的耐心讲解，以及国画写意画专业上的示范指导，受益匪浅，开阔了眼界，也结识了很多良师益友。 其实我在国画方面的学习是很薄弱的，在大学时只画过一张工笔便匆忙的分了专业，至于写意方面的知识真的是一窍不通，什么勾皴点染不知道如何运用，平时拿笔的时间也比较少，对笔墨的运用是很生疏的。刚开始画时我真的是头疼不知如何下笔，对毛笔与墨还有水之间运用掌握不好。要么下笔很小心，要么太过不小心纸就阴了一大片，看到杨老师娴熟的绘画技巧，水墨的情趣跃然纸上，真是让人赞叹不已，也让我对国画更加增添了几分喜爱。自己也便想能够画出好的作品来，与此同时，从其他老师身上也学到了很多，山水画线条流畅有力、构图优美、笔墨富有情趣。 培训即将结束，但对我来说也许更是一个新的起点，虽然在专业上的提升十分有限，但通过培训，让我在写意认识上有了较大的提高，五天时间很短，但我在这五天里对中国写意画产生了浓厚的兴趣，在专业里我唯一没有亲手实践的中国写意画，也让我深深的感受到，传统艺术的博大精深，八面学校——徐海凤

专业成长对教师成长的重要意义，学习中的遇到的良师益友更是人生最宝贵的财富。今后，将以此为勉励，不断地钻研，苦苦地探索，争取更大的进步。

教师水墨画培训心得篇七：培训心得体会Microsoft Word 文档

美术教师教学技能培训心得体会

吉林市龙潭区金珠学校：顾文波

我有幸参加了吉林省中小学美术教师教学技能培训。作为一名美术教师，如果缺乏教学实践经验，这次培训可以说是一个机遇，也是一个挑战。在这几天的培训过程中，专家和名师的堂课，我不仅发现自身的专业知识的不足，还汲取了老师们的一些前沿思想和讯息，自身有了一个很大的提高。

每日六问教师: 一问：上课前还有哪些方面我没有准备好？体现的是一名教师精益求精、精致求教的工作态度。二问：课堂上我组织教学的情况怎么样？体现的是一名教师组织教学、驾驭课堂的基本能力。三问：课堂上我调动学生主动参与积极性了吗？体现的是一名教师的现代学生观.四问：课堂上我恪尽职守、投入激情了吗？体现的是一名教师的职业使命感和事业忠诚感。五问：作为教师，我的“得”与“失”在哪里？这个问题回答的是；教学的课后反思，必须要对比教学的实际过程与事前的设计，教学目标是否实现，教学任务是否完成；课堂中出现了新的情况，又是如何应对的；要找出差距，并分析原因，要总结经验，吸取教训，以便采取补救措施。六问：做一名教师，我快乐吗？体现一个教师的人生观、价值观和对职业的追求！

永吉教师进修学校何兰老师的《中国画教学》，让我明白因为传统的中国画体现了中国人对自然、社会以及相关的政治、哲学、宗教、道德等方面的认识。国画大师潘天寿在中国画教学中以恪守民族传统

为宗旨，尊崇在传承民族文化精神的基础上有所发展创新。他倡导学习中国画就要学习古诗词等等，因此，加强文史哲的教育是传承和发展中国画重要的一环。美术欣赏会在在潜移默化中影响学生的艺术观和审美观。在美术欣赏中要注意提高学生的综合素质。特别是对中国传统的文学、历史、哲学知识的学习，这些内容需要结合学生中学阶段的学习水平适当进行“联通”。

龚玲老师的《教师专业发展有效性的价值期待》，让我进一步了解职业与专业的区别，同时也让我了解了“教师专业性”

刘晓峰教授的《提升中小教师的信息素养》，让我知道了对教师而言，其信息素养主要是指对信息、信息社会、教育信息化的认识和态度，这是作为教育工作者所应该具备的基本素养，还包括教师在实际操作层面上的素养，即教师应具备对信息的获取、理解、分析、加工、处理、创造、发布、评价的能力。也学会了一些常用的技巧：1、将图片上的文字转换为可编辑的文本；2、使用GoldWave软件处理音频；3、用美图秀秀进行图像处理。

这几位老师给我们留下了难忘而精彩的一课。短短的这几天，不能不说是一次洗礼，从精神乃至心灵。这是我在执教期间的宝贵经历，观念的更新应该是最具价值的，希望能够受用终生。

教师水墨画培训心得篇八：美术教师培训活动心得

美术教师培训活动心得

美术教师>培训活动心得

-------- 张伟

在知识在飞速更新换代的今天，我有幸参加于2013年4月29日至5月1日，在古月美术活动基地举办的为期三天的全国美术教师培训活动，在这短暂的三天时间里，我不仅认识到来自各地的美术教育界同行，更感受到各位专家老师的大师风范，回顾这三天的学习生活，感触很多，收获颇丰！

首先，本次教师培训使我从根本上改变了对于美术教育这一行业的定位，我们现在给予美术教育太多的期待，总认为学习美术是可以这样进步，那样进步的，但正如龙念南老师所讲的，美术老师并不能包治百病，有些问题用美术是根本解决不了的，比如我一直理解的“画画可以培养学生专注力”这一问题上，这次在专家这里得到了颠覆性的答案，原来之前自己也和很多家长一样有些想当然，没有从教育本身去考虑问题，而只是从学生在美术课堂上这一片面表现上去理解，犯了原则性的错误，美术教育并不是让学生真正的静下来，又或者是从心里面就不能静下来，因为美术教育正确的方式是要求学生动起来，大胆的去思考，大胆的去尝试。龙老师使我从业十多年来一直都很尊敬的一位老师，不光是他在美术教育这一行业中的地位高度，更是和他接触以后感受到他的平易近人，他愿意所有人分享他这几十年教学过程中丰富的教学经验，这在我看来是非常难得的。这次在龙老师身边最大的收获，就是他跟学生沟通过程中使用的种种方法，怎么样让学生通过浅显的道理来解决绘画技术难题。

再有就是闫华老师，之前我对怎么教儿童水墨画一窍不通，总认为应该教会学生水墨画的各种技法，总在纠结于水墨画的形式问题，直到听了闫华老师的课后才理解到，原来水墨是这样“玩”的，称其为玩是因为我们首先需要让学生喜欢上水墨这一绘画语言，只有在好玩的前提下才能让学生认真的工作下去，然后才是怎么样才能玩的有质量，怎样理解水墨的语言，怎么样掌控水和墨的关系，在实际操作中感受到了“慢”的魅力，很多情况下孩子和我们大人一样，做快容易，慢就太困难了，只有真正的慢下来，静下来以后才能用心去体会水与墨在宣纸上的各种变化，感谢闫华老师给我们大家上了一堂生动的水墨课。

总之，此次培训不仅对我在今后教学的技能上有很大的帮助，也使我在思想上的到升华，虽然时间很短，但却能够成为我今后的人生中很重要的一个节点。与其说，此次学习使我个人成长的加油站，不如说使我作为教师职业生涯规划的一个新起点！

2013年5月7日 《>美术教师培训活动心得》

教师水墨画培训心得篇九：国画培训心得

感谢我的这次丹青礼遇

时间过得可真快，我们开心惬意的国画培训已经结束了。在这里我有不舍和些许愧意。产假刚结束回到学校，就接到教务的通知，要参加区教研室组织的国画培训集体活动。当然我只是一个个例，我们美术教学工作量大，课节多，还要忙学校的特色课、公开课、文化校园等更为紧张的任务。可想而知，第一次来到实验小学的国画教室，可以说是身心疲惫。刚站在那里一阵阵的头晕腿软。但是，奇怪的是我在这里竟慢慢的静下心来…

随风潜入夜，润物细无声。做为知识女性，结婚生子后，工作家务繁重，迫于生存的压力，我的画笔已经扔下很长时间了。可我们竟然在这里拾起了画笔，和同事们亦师亦友的学习交流，一同沁润于墨味丹青之中。虽然我们的专业不同，并不都会国画，但我们都在不断地进步。也是在这次活动中，我结识了好几位同事和画友，使我们同事之间的心更近了。在这里，我最要感谢的就是刘金萍老师，在我们的集体活动与专业提高过程中，为我们疏通障碍，做我们的向导。看到她的热爱生活、热爱艺术的姿态与踏实纯粹的工作态度、灵动的思维方式，我很感动，这不就是可爱的独立自强的知识女性么？

在这段时间，我把刘老师讲给我们的教学一线知识与绘画技法尽可能的融入我的课堂教学中，氛围是会传染的。阳光友爱的教学让学生能够既开心又踏实的接受新知识，悄然的影响着孩子们的性格。

走进实验小学的画室里，我看到了绘画专业技能，艺术素养非常高超的艺术同行画室里满满的作品。那是什么样的艺术情怀与创作热情啊。利用业余时间进行艺术创作是非常不容易的，像我们这样有家有孩子女性教师拾起画笔进行创作更是难上加难。我们的时间都相夫教子，教书育人把时间给我们抢走了…我想刘老师就是这样的初衷啊————想尽一切办法让我们拾起画笔，找回生活的快乐。

教师水墨画培训心得篇十：关于山水画的学习体会

关于学习传统山水画技法的一点看法

中国画，起源古，象形字，奠基础；文与画，在当初，无歧异，本一途。.我国素有“书画同源”之说。两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。在中国画中，有一种长盛不衰的绘画题材，那就是山水画。什么是山水画呢？顾名思义，山水画是描写山川自然景色为主体的绘画。山水画拥有历史悠久。魏晋时期，山水画主要是作为人物画的陪衬、背景，如（（女史箴图）），一直到南北朝，山水才从人物画中独立出来，逐渐发展成独立的画科。隋代展子虔的《游春图》是现存最早的山水画。从画面看，山水画结束了“人大于山，水不容泛”的稚拙阶段，进入了“青绿金彩，工细巧整”的阶段；展子虔的技法完整，讲究用笔。一点想为主的表现形式。

到了盛唐，以李思训、李昭道父子的金碧山水和以王维为代表水墨山水。五代时，北方的荆浩、关仝和南方的董源、巨然成就最为突出。荆浩开创了雄伟峻厚、风骨峭拔、大气磅礴的北方画派。董源擅长表现草木葱郁的江南山水，苍茫浑厚，自然华滋。他们是山水画发展的承上启下者。

北宋的山水画在五代的基础上有了更为深广的发展，是山水画发展的第一个巅峰期。其山水画大多为全景山水，各种流派竞相争艳，风格纷呈，成绩卓著。李成“气韵潇洒，烟林清旷，笔势颖脱，墨法精纯”。范宽自立宗法，峰峦浑厚，气势逼人。郭熙“其山耸拔盘回，水源高远，多鬼面石，乱云皴，鹰爪树，松叶拈针，杂叶夹笔”。米芾父子另辟蹊径，创米家山水，用落茄点，专以表现江南烟雨山水。另外尚有王诜、许道宁、高克明等一大批画家，都各具面目。他们对北宋的山水画发展做出了巨大贡献。

南宋的山水画从北宋山水中脱出，另创水墨苍劲画风，代表人物有李唐、刘松年、马远、夏圭。李唐山石多做斧劈，积墨深厚，线条刚猛，是水墨苍劲一路的开路者。马远、夏圭打破传统的“全景山水”，创“边角山水”，虽寥寥一角半边，仍意境完整，犹觉意味深长。有“马一角，夏半边”之说。

到了元代，山水画发展的特点是文人画勃起，注重个性和人格的表现，强调率真，提倡以书入画。 元代初期，赵孟頫颇有影响，他主张作画要有古意，主张继承五代晋唐及北宋的传统，倡导“书画同源”，强调书法趣味。从而告别南宋以来的院体画风，开创了元代新画风。黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇是元代中后期的代表画家。他们受赵孟頫影响，各承师法，各有精能，直破古人。开创了“文人画”新风。黄公望的山水皴少意远，平中见奇，且笔意逸迈。王蒙用细笔短皴作山石，为牛毛皴，解索皴，运笔运墨富于变化，格调苍秀、繁郁。倪瓒作品多以水墨渴笔为之，简练平淡，意境萧疏，常“逸笔草草，不求形似”。吴镇笔法凝练坚实，水墨圆浑苍润，浑然天成。

明代，是一个山水画普及的时代，画家之多，门派之多，前所未有。其中以明前期的浙派，中期的吴门派，后期的华亭派影响最大，另外尚有松江、苏松、武林、新安、江夏、嘉兴、姑熟等等派别。浙派以戴进为代表，崇尚南宋院体画风，风格挺拔豪放。吴门派以吴门四家，沈同、文征明、唐寅、仇英为代表，属文人画体系，远接北宋传统，近随“元四家”画风。华亭派以董其昌为代表，竭力推崇文人画，以模仿古人为尚，作品以古雅秀润著称。董其昌还提出了山水分南北宗，且尊南贬北的主张，对后世画坛产生深远影响。

清代的山水基本沿袭元明传统，文人画占据画坛主要地位。清代山水画的主流是“四王”，即王时敏、王翚、王石谷、王原祁。主张“以元人笔墨，运宋人丘壑，而泽以唐人气韵”，他们刻意师古而缺乏创造能力，画面缺乏生机。但笔墨技巧功力深厚，得到清皇室推崇，成为最有势力的“正统”画派。而四僧弘仁、髡残、朱耷、石涛则代表着反“正统”的画家，反对一味摹古仿古，认为画画必须“借古开今”，“陶咏乎我”。弘仁以画黄山著称，以干笔渴墨作折带皴写山，笔墨苍劲整洁，画风清新秀逸。髡残喜用秃笔干皴，粗放简率，有“奥境奇辟，引人入胜”之誉。朱耷，勾皴点擦恣意纵横，章法奇特，所画山水苍健、浑朴。石涛画法常别具一格，立意新奇，笔法灵动恣纵，墨色淋漓多变，画面生机勃然。清代后期，由于泥古不拔，唯古是尊的积习日隆，山水画日趋衰落。

山水画主要有以下四种。1、青绿山水，山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重

色，后来才有淡彩。2、浅绛山水 山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。3、金碧山水。中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。唐代的李思训、李昭道父子最善此法。4、水墨画 ，中国山水画的最重要的一种。创始于唐代的王维，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。

皴法是历代山水画家在“外师造化”、“中得心源”的实践中提炼出来的艺术语言形式，并在不断发展中形成了一套完整的体系，从而具有了独特的价值地位。随着时代的发展，皴法也体现出各自不同的审美特征。皴法从理论到实践上的不断丰富为中国山水画的发展完善奠定了基础。 从隋唐以前山水画中所表现的“空勾无皴”到五代时期山水画的“皴染俱备”，皴法经过一个漫长的历史演进，成为与中国山水画同步发展的重要标志。五代、两宋是山水画发展的高峰时期，也是皴法定型和发展的顶峰时期。中国山水画传统的皴法繁多，山水画创作依靠各类皴法支撑,而各类皴法具体又有各自的笔墨要求,披麻皴表现土质松软的山峦,斧劈皴表现石质坚硬和凌嶒的山峰,米点皴则表现烟雨迷濛的江南景色。三大类皴法又演变生发出多种皴法,从而形成中国山水画皴法的完整体系。五代董源、巨然开创的披麻类皴法，势缓意绵，结体圆浑大方，浑厚内秀之美。北宋的米芾、米友仁父子开创的米点皴，富于变化，他们的烟云吞吐、千变万化的山水画也被后世称为“米氏云山”。南宋马远开创斧劈类皴法，用笔果断、爽利，画风豪放。

关于笔墨，南朝谢赫的六法是最好的阐述。这六法是：一曰，气韵生动，二曰骨法用笔，三曰，应物象形，四曰，随类赋彩，五曰，经营位置，六曰，传移模写。

学习中国山水画,必须在懂得古人之理法的同时,懂得自然之理法。临摹是掌握古人理法的重要途径。在山水画学习中，临摹可以使我们对历代优秀作品留下极深的印象，可以培养我们的审美眼光。在具体的学习中，对那些优秀作品的意境营造、构图经营，以及皴、擦、点、染等技法的掌握，必须通过有计划地临摹研究，才能懂得何谓传统，传统涵盖了哪些因素，才能科学地把握传统，才能将自然观察所得的深刻领悟重现于笔下。同时必须学会“鉴赏”历代名画，了解其历史概况、艺术特点和艺术成就。读画、临画、摹画，先会“古人之心”，与古人对话、交心，从而揣摩优秀作品的意境、气韵与笔法、墨法。体会其用笔的抑扬、顿挫、徐疾、轻重、虚实和墨的焦、浓、淡等感觉，从而临出范画的精神内涵。在读画、临画、摹画的同时，还要注意深入生活，观察自然，这就需要写生。在外出写生的时候，不仅要注意自然的的生长规律，还要注意对复杂的自然现象要有所取舍，如注意树在四季的各种状态、，树木枝叶美的穿插组合规律。 同时重视用色用墨的观察、体会和写生。

总之，身为学习国画的一员，必须追溯古人之法，体悟自然之法，探索创新之法。不仅要训练自己的勾、皴、擦、点、染的笔头功夫，更要通过欣赏、临摹、写生等提高自己的鉴赏能力。这样，才能学好山水画。

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