《艺术判断》读书笔记

导读：　博格斯特认为，这么多年来，画商、艺术评论家等艺术圈相关人士靠着一种“君子协定”在决定哪些是艺术品、哪些不是艺术品，这个过程不断反复，有一些作品和艺术家渐渐...

《艺术判断》读书笔记

　　博格斯特认为，这么多年来，画商、艺术评论家等艺术圈相关人士靠着一种“君子协定”在决定哪些是艺术品、哪些不是艺术品，这个过程不断反复，有一些作品和艺术家渐渐脱颖而出，总是被划归到优秀艺术品、知名艺术家之列。作者列举了一个包括达芬奇、米开朗基罗在内的名单。名单中也有几个人我不熟，比如普拉克西特列斯，于是查阅了一些资料并在上一篇和大家进行了分享。

　　名单中还有一个人名叫基希讷(Ernst Ludwig Kirchner，1880～1938)，现在更多被翻译为“柯克纳”或“基希纳”,是一位德国新表现主义画家。浏览基希纳的作品，虽然题材不同，但给人一个共同的感受：仿佛他在营造一个冷漠的世界。在这个世界中，建筑是模糊的、人物是高冷的，这一切源于画家内心脆弱、痛苦的特质。实际上，画家最后死于自杀。如同梵高一样，这又是一则艺术之火吞噬肉体的剧本。

　　基希纳作品《柏林街景》。有艺术评论认为基希纳的作品线条与色彩来源于马蒂斯，但痛苦的内核却像极了蒙克。

　　基希纳的作品让我们有机会认识这个名为“新表现主义”的艺术流派。了解新表现主义，首先要看看德国表现主义的简况。表现主义(Expressionismus)发源于二十世纪初的德国，多集中在电影等范畴，当时与绘画应该没有太多的联系。从字面上看，表现主义含有“表达”之意，即艺术的主旨不再是对自然的反映，而是艺术家通过线条、色彩等手段来直抒胸臆。到了二十世纪七十年代才有新表现主义这个说法，这与绘画的联系就很密切了，其背景主要是与美国纽约抽象主义画派(还记得波洛克吧)相抗衡，体现出德国人特有的一种韧劲儿，不会轻易认输，同时还要积极的从德国传统文化中汲取营养，这比美国人搞的那一套要厚重得多。究其原因，在二战之前，德国表现主义艺术风潮放到欧洲、放到全世界也是很牛的东西，二战之后这个艺术中心跑到了纽约，德国人当然不高兴，这也是新表现主义出现的一个重要基因。

　　包括普拉克西特列斯、基希纳在内的这个名单是博格斯特所认为的一些有代表性的、长期以来总是被大家划分到优秀艺术家级别的人物。除此之外，作者认为还有一些艺术家或者艺术作品要相形见绌一些，但仍然可以被划分在艺术的圈子之中。同时，还有一些无法进入这个圈子，比如“儿童画、商业广告、照片、交通指示牌、手工业同业公会的标记、示意图、裱糊纸上的图案”等等。但这么说也不绝对，因为安迪•沃霍尔就用“裱糊纸上的图案”进行创作，而有些照片也是珍贵的艺术存留，等等。于是，我们可以想象，有些展览不免要有一些失误，将本不应该进入艺术圈子的东西摆上展台。之所以说是失误，因为艺术人士对于艺术和非艺术还是有着一定的区分自信的，一般情况下是不会犯大错误的。用作者的话讲：

　　艺术作品之所以是艺术作品，是因为它作为艺术作品与其它作品不同。

　　换句话说，人们认为规则一定是有的，虽然暂时还没有能力说清楚这个规则。我们或许可以把这个规则叫做潜规则，因为说不清这个规则并不能阻止一个又一个艺术展览的举办，这种约定俗成的艺术品区分、筛选、评判与展示在没有一个明确纲领的情况下依然有条不紊的进行，不能不说是一个奇迹。为什么这么说，因为这里面存在着一个矛盾：

　　如果真的存在着具有一个绝对的、超时间和与观察家的判断无关的自我价值的艺术作品，而这个自我价值——即便不是对于每个人来讲——又是通过区分才得到认识的，那么，这些设想就肯定错了。

　　作者显然对这种艺术的划分方式表示怀疑。在这个子论题的最后，作者一针见血的指出：

　　一部作品之所以是艺术作品，并不是因为它在博物馆得到展览，而是相反：一部作品之所以进入博物馆，是因为它被视作艺术作品。

　　从这句话中可以解读出这样一层含义：如今，在博物馆中进行展览的艺术品并不是经过准确、客观的艺术划分界定出的绝对真品，不过是根据专家们的一种约定而获得了展览的许可证。“艺术品”与“展览”之间，本来是“因为艺术品，所以展览”这样一个关系，却在现实中成了“因为展览，所以是艺术品”这样一个局面。

　　日本福冈美术馆举办的一个老年人艺术品展一角。

　　讲到这里，第一个论题就结束了。回顾一下这个论题，思路还是非常清晰的：艺术要么存在，要么不存在。如果不存在，那么所有关于艺术的东西都是主观的、虚无的;如果存在，那么艺术必须要能够区别于非艺术。对于艺术是否切实存在的论述，这本书才刚刚开始，我们可以随着阅读的深入与博格斯特一起思考。

　　这一篇中涉及到了设计作品与艺术的关系问题。恰好我在前几天有幸听了大连理工大学熊伟老师的一节艺术史论课，并问到了这样一个问题：艺术与设计的关系到底是怎样的。熊伟老师进行了解答，让我受益匪浅，在这里我转述一下，也可能有领会错误的地方，大家共同交流吧。艺术是老的，设计相对年轻。艺术与审美紧密联系，但这个审美的“美”涉及到悲、美和丑三个层面的内容。达芬奇和米开朗基罗的时代，艺术还是要紧紧围绕这个狭义的美展开，绘画和雕塑都以这个狭义的美为标杆，作品也有着美化城市、美化生活的重要作用。随着社会化大生产的开展，艺术将这个狭义的美化任务移交给了设计。于是，今天我们遇见的艺术，有美的，也有丑的;而作为设计师，却要无时无刻不在为老百姓设计美(狭义的美)的东西而努力，当然这个美又包括了视觉与功能等多项内容。换句话说，如果你遇见一个非常丑陋的艺术作品，那是正常的;如果你遇见一个非常丑陋的设计物件，大可直接把它扔到垃圾堆里了!

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