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描写失落的调侃语句,诗词

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描写失落的调侃语句,诗词(一)
《情绪的高涨与诗美的失落_郭沫若诗歌创作得失谈》

第5卷第2期          五邑大学学报(社会科学版)          Vol.5 No.22003年5月        JournalofWuyiUniversity(SocialSciences)        May,2003

情绪的高涨与诗美的失落

———郭沫若诗歌创作得失谈

李征宙

(浙江丽水师范专科学校,浙江 丽水 323400)

  摘要:以郭沫若为代表的浪漫主义自由体诗歌的出现,一举结束了早期新诗文白参半的稚拙局面。在具体的创作

中,郭沫若主张“形式的绝端自由”、“感情绝端的流露”,其结果是在获得一种“狂暴的技巧”的同时也失去了诗歌现代性的深层表现的朦胧美。探寻郭沫若诗歌创作的得与失,对当今日益衰微的新诗的发展有着深远的历史意义和现实意义。

关键词:郭沫若;诗歌;主情说;得失

中图分类号:I226.2       文献标识码:A      文章编号:1009-1513(2003)02-0043-04

  郭沫若在中国现代新诗创作史上所作的贡献尤

其是在新诗形式解放方面的贡献是人所共知的。朱自清曾明确指出,五四新诗革命与近代“诗界革命”的一个重要区别,就在于“新诗从诗体解放下

[1][P2]

手。”而导致诗体空前大解放的第一人,郭沫若。

众所周知,从放的历史胜利。容与旧的诗词的传统形式之间的矛盾。胡适、刘半农、刘大白等人首先冲破了文言和旧诗词格律的束缚,尝试着用白话写作自由体诗。胡适在《谈新诗》一文里,明确指出“形式上的束缚,使精神不能自由发展,使良好的内容不能充分表现。若想有一种新内容和新精神,不能不先打破那些束缚精神的枷锁镣铐。”又说“新文学的语言是白话的,新

[2][P183]

文学的文体是自由的,是不拘格律的”,早期白话诗人的写作实践,证明了白话可以写诗,他们是勇敢的旧形式的破坏者。但遗憾的是,那时胡适对诗的性质和特征的认识有着其片面的地方。例如,他把新诗的革命仅仅看成是语言形式的革命,以为只要明白如话就是新诗,而不大注意诗的美学特征和创作规律。因此,他把散文分行甚至是“罗罗唆唆的讲学语录”,也当成了新诗。有人曾做过这么一项统计,在20世纪20年代的头两年,报刊上发表了新诗近一万首,其中绝大多数都是艺术粗糙的散文分行之作,缺乏诗味甚至根本没有诗味。

①收稿日期:2003-02-19

暂尝试之后,,,主张

[1][P4]

,不过在诗论和创作实,郭沫若又远远超过了胡适等人。郭沫若认为“诗是我们心中的诗意诗境之纯真的表现,生命源泉中流出来的Strain(诗歌),心琴上弹出来的Melody(曲调)”,无论是新体的或旧体的,今人的或古人的,我国的或外国的诗作,“凡是生之颤动,灵的喊叫,那便是真诗,好诗;便是我们人类欢的

[3][P233]

源泉,陶醉的美酿,慰安的天国”。郭沫若强调诗意的纯真,感情的美化,的确是揭示了诗的真谛。他的自由体诗充满了火山爆发般的反抗精神,集中体现了狂飙突进的“五四”时代精神。闻一多先生为此称赞郭沫若“若讲新诗,郭沫若君的诗才配称新呢,不独艺术上他的作品与旧诗歌相去最远,最要紧的是他的精神完全是时代精神———二十世纪的时代精神。有人讲文艺作品是时代底产儿,

[4][P351]

《女神》真不愧为时代的一个肖子。”

公平而论,郭沫若在“五四”时期的诗体大解放中,冲破了一切旧体诗词格律的束缚,并身体力行地创作出了被称为时代号角和中国现代文学史上的第一本新诗集《女神》,它所体现的浪漫主义精神、美学原则及其独特的审美价值,达到五四时期中国新诗主潮的顶峰,为中国新诗的开拓和发展作出了划时代的贡献,其成就是前无古人的。然而,

),男,浙江松阳人,硕士,主要从事中国现当代文学研究。作者简介:李征宙(1965—

・44・五邑大学学报(社会科学版)               2003年

一个历史事实又为研究者们所公认:郭沫若自《女

神》开始,诗歌在先天上就缺乏一种诗美的质素,以后的诗歌在艺术上更是呈现了一种倒退的走向。到了《星空》则已经没有当年的“浪漫的、蓬勃

[5]

的、汹涌的、雄浑的热情”,缺乏撼人的艺术光彩。以后的几本诗集,从艺术上看更是每况愈下。甚至郭沫若本人也认为《前茅》可以值得提起的“就只在有左倾的意识一点”,《恢复》“不免有浓厚

[6][P42]

的感伤情绪”,艺术上也“没有多大价值”。那本由四十二首爱情诗组成的诗集《瓶》,不过是诗人“过去的恋情的痕迹”的一点“纪念”,[7][P271]艺术上没有新的突破,至于写在留居日本十年和归国投身抗战时期的《战声集》、《蜩螗集》,概念式的呼喊淹没了诗美的特质,一直到解放后真正好的诗也是屈指可数。因此,连诗人自己也不得不带着自嘲的口吻承认:郭老郭老,诗多好的少。要探究造成郭沫若诗歌创作步入疲乏与困顿的根本原因我认为仍要从郭沫若本身的诗歌创作理论为切入口。

郭沫若诗歌理论的核心是“主情说”。他曾在《革命与文学》中提出[8][P33]

终于感情的”在抒情。,自由诗、的束缚,破除一切已成的形式,而专挹诗的神髓以

立言”的封建诗歌和文艺,对那些空虚颓废、无病呻吟的苍白之作,都是有力的批判和否定。但在另一方面,由于诗人热情奔放,对感情的倾泻不加节制,任它天马行空,一气呵行,使得其许多诗作流于粗率,雄浑有余,意境不远,一览无余,显得单调乏味。周扬曾经评论郭沫若的诗歌说“你不用惋惜你在他诗中不免要遇到的粗率和单调,他在掌握内在的旋律、内在音节上所显示出来的天才将会弥

[13][P42]

补你一切。”要是这种粗率和单调只是指情绪的旋律和音节,那诗人的天才的确弥补了这个缺陷;但在此地我指的却是诗的内容、诗的意境。由于诗人有时兴之所至,感情迸发,求其痛快,不加调节,不少诗作缺少深远的意境,这不仅是诗人才华过于显露的结果,主要原因还在于没有饱满的生活血肉,感情像流星似的飞驰,譬如《晨安》一诗,;一口气呼出28个“,,,在《海外归鸿》一诗中郭沫若是这样呼喊着:“我和你别离了百日有奇,又来在你的门前来往;我禁不着我的泪浪滔滔,我禁不着我的情涛激涨。”这里的“泪浪滔滔”显然是形容过度,夸张失实,徐志摩在胡适创办的《努力周报》第51期上发表了《杂记・坏诗,假诗,形似诗》一文对此提出了严肃的批评:“我记得有一首新诗,题目好像是重访他数月前的故居,那位诗人摩按他从前的卧榻书桌,看看窗外的云光水色,不觉大大的动了伤感,他就禁不住……泪浪滔滔。固然做诗的人,多少不免感情作用,诗人的眼泪比女人的眼泪更不值钱,但每次流泪至少总得有个相当的缘由。踹死了一个蚂蚁,也不失为一个伤心的理由。现在我们这位诗人回到他三月前的故寓,这三月内也并不曾经过重大变迁,他就使感情强烈,就使眼泪‘富余’,也何至于像海浪一样的滔滔而来!……总之形容哭泪的字类尽有,比之泉涌比之雨骤,都还在情理之中,但谁能想像个泪浪滔滔呢?”这真是一语中的,击中肯綮。遗憾的是,郭沫若在当时不仅没有对自身的缺点加以认真审视,反而认为是徐志摩在有意抬杠,从此绝断了彼此的友谊。郭沫若的“主情说”还使得他过分注重情感的热力在诗歌创造中精神传达的作用,从而忽视了美感的传达作用。譬如《女神》一诗所体现的便是郭沫若崇尚的美学原则:“以情感人”的绝妙代表。

便于其自然流露的一种表示”。又说“情绪的律吕,情绪的色彩便是诗。诗的文字便是情绪自身的表

)我看要到这体相现。(不是用人力去表示情绪的。

[3][P243]

一如的境地时,才有真诗、好诗出现。”在谈到创作实践时说:“我作起诗来,也任一己的冲动在那里跳跃,我在一有冲动的时期,就好象一匹奔马。”“……每每有诗的发作袭来,就好象生了热病一样,使我作寒冷,使我提走笔来战栗着有时候写

[9][P203]

不成字。”而且郭沫若是这样说明诗的创作心理的:“诗不是‘做’出来的,只是‘写’出来的,我想诗人底心境譬如一湾清澄的海水,没有风的时候,便静止着如像一张明镜,宇宙万汇底印象都涵映在里面;一有风的时候,便要翻波涌浪起来,宇宙万汇的印象都活动着在里面。这风便是所谓直觉、灵感,这起了的波浪便是高涨的情调。这活动

[12][P238]

着的印象便是徂徕着的想象。”基于这种“感情的自然流露”的“唯情”主张,一方面,使得郭沫若诗歌创作在“五四”狂飙突进时代,对于那些虚伪欺骗、矫揉造作,所谓“文以载道”、“代圣贤

第5卷第2期            李征宙:情绪的高涨与诗美的失落・45・

他首先注意的是情感的真而不是传达感情手段的美。诚然如沈从文批评的:“他沈默的努力,永不放弃那英雄主义者的雄强自信”,“他那同情的线是

[11][P311]

为思想而牵,不是为艺术而牵的。”郭沫若在《女神》序诗中表白的是整个作品产生之后与读者艺术创造的“自我失控”。诗人通过屈原之口说,他尊奉的是自由的表现自己的原则:“我有血总要流,有火总要喷,不论在任何方面,我都想驰聘。”(《湘累》)他又形象地描述自己创作激情到来时是怎样的发热发冷,战栗得不能自己。《凤凰涅般、木》

寻求的衔接点是脉搏“振动数”的相同与心灵“燃《天狗》、《站在地球边上放号》、《晨安》、《匪徒颂》

烧点”的一致,诗人渴望最大的审美效应就是拨动等充满“男性的粗暴”的诗篇,就是这种情感战栗青年的心弦,点燃青年的智光。属于艺术审美的更时的产物。一种美的创造的原则当然与诗人自身气多追求则是没有的了,这就使得《女神》的美变得质、性格有关。郭沫若自认为是一个偏于主观而又残缺不齐,或者说只有躯壳而没有灵魂。《湘累》富于冲动性的人,“我便作起诗来,也任我一己的一诗中诗人更是集中笔力表白了他的这种诗歌美学的价值观。听到娥皇女英在水中传来的悲切的歌声,三个人有一段对话很值得我们玩味。

屈原 哦,好悲切的歌词!唱得我也流起泪来了。流吧!流吧!我生命底泉水呀!你一流了

出来,好象把我全身的热火都浇息了的一样。我感觉着我少年时分,炎天热日之中,在长江里面游泳着一样快活。你这不可思议的内在的灵泉,你又把我复活转来了。哦,我的姐姐!你也在哭吗?吗?女须 呢!屈原 不然,不然,我不相信人们底歌声有那样泪晶一样地莹澈。

老翁 这便是娥皇、女英底哀歌了,这歌儿似乎还长,我在湖中生活了这么一辈子,听了不知道有多少次。我虽不知道是些什么意思,但是我听了总也不知不觉地要流下泪来。屈原 能够流泪的人,总是好人。能够使人流泪的诗,总是好诗。诗之感人有这么深切,我如今才知道诗歌底真价了。……郭沫若这段“夫子自道”,清楚地说明他诗歌审美价值的核心是以情动人,和他的诗论的核心“主情说”是完全相吻合的。这情的确是来自郭沫若生命的泉底,它以自身的热火使泉水沸腾,然后再去点燃别人的热血。这即是歌德讲的“灵魂热”的原则。按照这一原则,“浪漫主义诗人的光荣就在于他内心燃烧着最热烈、最激昂的感情,用烈焰烧光

[12][P179-180]

了一切坚固的形式,形象和思想”,诗歌的真正价值就在于感人的“深切”。显而易见,诗人在这里是非常重视诗歌创造主体的作用。但是郭沫若重视感情的热超过了关注传达的美,感情喷发的随意性超过了表现方式的选择性,造成了一种

冲动在那里跳跃。我在一有冲动的时候,就好像一匹野马,我在冲动窒息了的时候,又好像只死了的

[13][P128]

河豚。”但是一个富于创造性的诗人是应该懂得怎样控制和调节自己的性格和气质在创作中的作用的。郭沫若在崇尚一种艺术原则时表现了失控的状态,缺乏艺术的节制和选,沈从文为此,而不

[4][P312]

。闻一多也说他不曾选择”,而“选择是创造艺术底程序

[14][P363]中最紧要的一层手续”,得到的便是情感传达的自然,丧失的却是情感传达中的美感作用。

此外,这种“自我失控”后产生的诗篇就表现了一种情感宣泄与艺术表现的不平衡性。《凤凰涅般木》就是在战栗中奋笔疾书,结果就出现了连作者

后来都感到是空洞而泛滥的歌唱。《晨安》一口气道出了28个“晨安”,虽然增强了诗歌的浪漫主义气势,其中一些诗句也经过想象锤炼而得到了升华,如“情热一样燃烧着的海山呀”,“梳人灵魂的晨风呀”,“我冻结的北方的黄河呀!黄河呀!我望你胸中的冰块早早融化呀!”等等,但是由于感情的过分放纵,读起来总有一种单调感,诗中许多句式也如散文式的直呼,没有诗的提炼,诗句缺少诗美的质素。《浴海》、《笔立山头展望》、《立在地球边上放号》、《匪徒颂》等诗篇均有这个毛病。朱湘为此曾经批评郭沫若的诗歌“对于艺术是很忽略

[15][P365]

的”,传达感情具有“单调的结构的倾向”。譬如《天狗》全诗分29行,出现了29个“我”,表述结构基本是“我是什么”、“我做什么”、“我怎样了”,古板单一,毫无变化,整篇诗文呈现了创造主体与被创造的艺术完全等同的命题。试看“我便是我呀!我的我要爆了!”一类的诗句,这里创造主体的我和被创造的客体的我———即艺术中的自我形象之间的距离几乎等于零。生活原型语言与艺

・46・五邑大学学报(社会科学版)               2003年

上海:上海文艺出版,1980.

[3]郭沫若.论诗三札-郭沫若论创作[M].上海:上海

术创造的语言之间的差异或空白被忽略到了乌有的

程度。难怪宗白华说郭沫若的诗歌“简单固定了

[16][P26]

些,欠流动曲折”,后人则干脆用“空虚”或“空洞”来批评郭沫若,附以解释就是他的作品

[11][P312]

“缺乏内含的力”。郭沫若的诗歌完全是激情的产物,也即感情的自然流露,也正因他具有着奔腾的想象和澎湃的激情,进而才形成了他诗歌构思的峻伟、夸张的奇特和色彩的瑰丽。毋庸讳言,郭沫若在诗歌创作强调“形式的绝端自由”和“感情的绝端流露”使其作品出现了散文化、平板化的倾向,在获得一种“狂暴的技巧”美的同时,失去了对诗歌现代性的深层表现的朦胧美的追求;在完成了打破旧镣铐建立新生的自由诗的任务同时,却没有肩负起诗歌表达方式走向更美的变革的责任。诗人的美学意识还未能进入一个新的大门就徘徊止步了。为此,我认为探寻郭沫若诗歌创作的得与失,对当今日益衰微的新诗的发展有着深远的历史意义和现实意义。参考文献:

[1]朱自清.[:上

文艺出版社,1983.

[4]闻一多.闻一多全集・女神之时代精神(卷三)

[M].

北京:三联书店,1982.

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艺出版社,1983.

[9]郭沫若.郭沫若论创作・创造十年[M].上海:上海文

艺出版社,1983.

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.闻一多全集・女神之地方色彩(卷三)[M].

北京:三联书店,1982.

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书店,1934.

[16]宗白华等.三叶集[C].上海:亚东书局,1920.

TheRiseofEmotionsandtheLossofPoeticBeauty

———AnexplorationintothesuccessesandfailuresinGuoMoruo’spoeticcreation

LI Zheng-zhou

(ZhejiangLishuiNormalCollege,Lishui323400,China)

Abstract:TheappearanceofromanticfreestylepoetryrepresentedbyGuoMoruoputanendtotheimmatureandclumsysituationoftheearlynew-stylepoetry’shalfliteraryandhalfvernaculardiction.Inhisownpoeticcreation,GuoMoruoadvocatedex2tremefreedomofformandcompleterevelationofone’sfeelings.Asaresult,helostthehazybeautyofpoetry’smodernisticin-depthexpressionwhileachievingaviolentskill.AnexplorationoftheadvantagesanddisadvantagesofGuoMoruo’spoeticcre2ationhasfar-reachinghistoricalandrealisticsignificanceforthedevelopmentofnew-stylepoetrywhichisonthedecline.Keywords:GuoMoruo;new-stylepoetry;theviewthatthefunctionofpoetryistorevealone’sfeelings;advantagesanddis2advantage

[责任编辑 李 明]

描写失落的调侃语句,诗词(二)
《第六讲:唐宋悼亡诗词》

第六讲:唐宋悼亡诗词

一、古代悼亡诗的产生和发展

“悼亡”,就是对已亡人的悼念。悼亡诗一般特指丈夫悼念亡妻之诗,这是历史过程中文人约定俗成的界定,中国悼亡诗传达的是一种悲情,也即面对亲人的离世那份无可奈何的伤怀之情。当然,完整意义上的“悼亡诗”应该包括悼妻诗与悼夫诗,但因为古代社会以男权为核心,这种情况并不多见。西晋文学家潘岳最早以“悼亡”为名来写诗,他的妻子杨氏死后,他曾做悼亡诗三首,其情之深,令人动容,因为写得好,后来人们就以“悼亡”作为专名来表示悼念逝去的妻子。在我们所亲近的人离开后有所思,这是一种美好的感情,曾经的亲人之间之间的牵挂与联系,某一刻在诗中定格成瞬间的哀愁与美丽。悼亡诗,作为抚存悼亡,感今怀昔的诗,其内涵原本是极为丰富的,是伴随着人类情感和民俗文化发展而产生的,它是一种人伦情感独特的宣泄方式。

中国最早的一首悼亡诗是《诗经》中的《绿衣》,叙写的是丈夫 抚亡妻遗物,悲戚不已,感念妻子旧时情义,感叹世上再无如此贤德之人了解自己的心。后世的悼亡诗都明显受其影响。如潘岳的悼亡诗三首中就有这样的句子:“帏屏无仿佛,翰墨有余迹。”是一种心灵相知的留言,也是睹物思人。元稹的诗里也有这样的句子:“衣裳已施行看尽,针线犹存未忍开。”大致都由《绿衣》化出。早在先秦时期的《诗经》当中就有相关作品的记载。如《诗经·邺风·绿衣》中就写到一男子思念去世的妻子;《诗经﹒唐风﹒葛生》则写出了一名女子对亡夫的思念。尽管这一时期悼亡诗的数量较少,且并未形成统一的固定的形制,但就其内容、题材及表现手法方面已颇见后世悼亡诗的影像。如《绿衣》中“绿兮衣兮,绿衣黄里;心之忧兮,曷为其已。”《葛生》中“角枕粲兮,锦衾烂兮。予美亡此,永与独旦?”其蕴含的内容及睹物思人、见景生情等写作手法的运用已是比较娴熟的。然而,由于生产力水平所限,诗歌作者的情感表达及表现手法的运用一般较为古朴单纯,语句大多坦率质朴,以真挚强烈的情感表达见长,因而《诗经》中《绿衣》、《葛生》二诗并不被大多数读者认定为严格意义上的悼亡诗。

真正意义上的悼亡诗,应始于魏晋南北朝时期王粲的《伤夭赋》、曹丕的《悼夭赋》、曹植的《慰子赋》、《行女哀辞》等作品。这些赋作真挚感人,优美自然,为魏晋悼亡诗的兴起积累了丰富的材料和经验。而西晋大文学家潘岳的悼亡之作,不仅首开悼亡诗

之滥觞,其代表作品对更是对后世悼亡诗的创作,尤其是唐代悼亡诗的兴盛起到了不可磨灭的作用。

潘岳是太康诗歌缘情绮靡诗风的集大成者之一,在西晋文坛上极负盛名,在当时即享有“清绮绝世”的美誉。后世学者常将其视为太康文学之巨擘。潘岳天才早慧,才华横溢,既有对仕途坎坷的深切体验,更有丰富、细腻的个人情感世界,因而其诗作以言情见长,可以说是太康诗风“缘情”说真正的成功的实践者。尽管其诗形制多样、主题芜杂,但最见功力,最为后人所称道的仍是他的哀诔之作。刘勰在《文心·指瑕》中曾云道:“潘岳为才,善于哀文。”他将个人的遭际与对生死的感受关注于一篇哀文里,遂成“情往会悲,文来引泣”、“情洞悲苦”之作。最能体现这一特点并深为后人所推崇的是他为悼念亡妻杨氏而作的《悼亡诗》三首。

这组诗的第一首叙写亡妻葬毕,行将赴任时的情景,睹物怀人,情深意切。前八句写时光流逝,生死永隔,淹留无益,只得返回原官任所去。中间八句写欲离未离之际,虚室流连,睹物思人,最为情切。最后八句写其孤独之状及忧伤之盈积。全诗层次分明,笔触细腻,委婉深曲,缠绵悱恻,感染力极强。其二写秋凉之际对亡妻的思念,其三写别坟登车的满腔悲情,也都极为感人,堪称魏晋悼亡诗的压卷之作。

在艺术表现手法上,潘岳的悼亡诗善于运用睹物思人、即景生情的方法,选择切当的环境和物象作气氛渲染,进而抒发自己强烈的情感,在诗中营造情景交融的艺术境界。如上文所举《悼亡诗》第一首开篇即言:“荏苒冬春谢,寒暑忽流易”,写出时光流逝的苍茫宏远之感,在滚滚流淌的岁月中恍惚之间作者已是与妻子“重壤永幽隔”了。故而面对室内之帷屏、翰墨、流芳、遗挂,强烈的物是人非之感让作者“怅恍如或存,周遑忡惊惕”,感到人就像曾经双栖双飞的翰林鸟和双游双嬉的比目鱼一样,如今只剩下孤零零的一半,怎能不哀伤难止?而“春风缘隙来,晨霤承檐滴”的景象更反衬出作者的悲苦,故“沉忧日盈积”也是在所难免。从整体看,诗中环境和物象的运用信手拈来,看似随意,实则极为精当,他们和作者的感情浑融一体,造成极具美感和感染力的诗境。

总的来说,潘岳诗的结构和总体语言都具有和畅、锋发而韵流之美。但是,由于他的诗内涵较为单纯,下笔就往往率易不拘,言情求深求尽,文辞流畅有余而洗炼不足。正如陈祚明所言:“安仁情深之子,每一涉笔,淋漓倾注,宛转侧析,旁写曲诉,剌剌不能自休。夫诗以道情,未有情深而语不佳者;所嫌笔端繁冗,

不能裁节,有逊乐府古诗含蓄不尽之妙耳。”一针见血的指出潘诗在言情真切的同时,存在下笔沉漫,无“含蓄不尽之妙”的缺点。 尽管如此,潘岳的创作对后世悼亡诗的进一步发展仍可说是功不可没。自潘岳以下,如唐代的韦应物、孟郊、元稹、李商隐,宋代的梅尧臣、苏轼、贺铸、黄庭坚、陆游、史达祖,元代的傅若金,明代的于谦、王桐乡、李贽一直到清代的吴嘉纪,纳兰容若,王渔洋、王夫之、郭麟、周之琦、厉鹗和近现代的陈曾寿,乔大壮、唐圭璋等等,莫不接受潘岳悼亡诗作的影响,为我们留下了大量情深意切感人肺腑的悼亡诗。

当然,由于不同的文化背景及时代环境,并不是每一位诗人都能复制潘岳悼亡诗的创作模式,都能沿溯潘岳的创作轨迹。而唐代,随着社会政治经济、文化的不断进步发展,尤其是盛唐时期大繁荣局面的到来,无论是从数量上还是从质量上看,其悼亡诗的艺术成就都远远超过了以前的历朝历代,并对唐以后的悼亡诗创作产生了深远的影响。

元稹的《谴悲怀》没有华丽的辞藻,内容也都取自日常生活,但是却句句发自内心,情深意长“顾我无衣搜荩箧,泥他沽酒拔金钗。”所思之人的生前的点滴关怀一直长记心中,于娓娓叙述中表达款款深情。“贫贱夫妻百事哀”是如此的现实,但在这悲慨中却有真情所在,又是莫大的幸福。”唯将终夜长开眼,报答平生未展眉。”该是多么耿切哀伤,又怅惘无奈。

二、古代悼亡诗的核心意象:日常生活场景

儒道思想在悼亡诗中有两个核心主题:生死观和情爱观。这两个方面都对悼亡诗都具有深远的影响.。所以中国的悼亡诗的意象选择往往带有一种极普遍的特征,即多用日常生活中的现实性意象;在思想内容上侧重突现一个“善”字,即歌颂妻子美好的品德;悼亡诗中传递的夫妻恩爱深情多是举案齐眉,相敬如宾,呈现出浓厚的人伦情味.本来因袭会使文学短命,而悼亡诗得以不衰,主要是因为失妻之痛的陈情不竭,无论富贵还是贫贱,与妻的相濡以沫是失妻后的伤痛之源,也是悼亡诗不竭于诗史的深层原因。中国古代的“悼亡诗”作为一种独特的写作范型,虽然已经走过两千多年的发展历程,却因种种原因,长期以来并没有引起世人太多的关注。其起源与发展从一开始就受社会文化、民族心理、地理环境等因素的影响和制约。悼亡作品中创作主体的情感通常表现为一定的模式 ,这些情感模式展示了传统的爱情观 ,特别是对失落的爱情的态度。而悼亡作品的价值取向又表现了传统的爱

情价值观和自我价值观的统一。

祭悼文学起源于原始人类对死亡的认识。悼亡作品中独特的情感表达模式和价值取向共同构建起了悼亡文学有别于其它文学的个性特征。祭悼文学是伴随人类情感和民俗文化发展而产生的 ,其体裁包括 :诔辞、哀吊、哀辞、祭文、吊文、诔、悼亡诗等 ,可见悼亡诗只是祭悼文学的一个分支。

从中西文化的对比来分析,中国古代表达爱情诗作的方式不一样,西方诗作多数是正面描写恋爱的欢乐、婚姻的幸福,其诗作多写夫妻二人在一起的情形。但是,除了西晋时有个别这样的诗作外,中国古代的诗人写爱情,一般是通过离别、相思和悼亡追念来表达的。也就是说,中国人表达夫妻二人的感情,一定要选择两人不在一起的时候来表达,这样才显得深沉。胡大雷认为这样的写法显示了中国古代封建礼教对人们的束缚,显示了中国人含蓄而不张扬的性格,因此探析“悼亡”诗的种种写法,也是在探讨我们先人的性格和他们的情感表达方式。

爱情是文学作品永恒的主题,是“情”的最深者。死亡是江淹在《恨赋》中所说的“人生到这一步,天道也不用谈了”,是“情”的最哀者,而“悼亡”是这两者的结合,又是最私人化的。因此,这就是人们把“悼亡”之作称为最能体现“情”与文”关系的原因。 自从潘岳在诗中述说自我的孤独与悲伤,成为“悼亡”诗作的价值取向。此后的“悼亡”诗作在保持这一价值取向的同时,又展示出不同的叙写方式和抒情方式。以江淹的《悼室人诗十首》为例,10首诗虽然主题都是伤悼妻子,但抒情的角度不同,写春夏秋冬,写绝望与希望,核心都没有变,就是妻子离世给自己造成的痛苦。后来,诗人写作技巧越来越多样化,越来越丰富,辞采越来越华丽,单独地分析一首诗,可以看出艺术手法的进步与发展,但抒情的趋向没有变,就是妻子的离世给自己造成的孤独与世界的“空”,悲哀是自然而然的。

恩格斯曾经说过:“痛苦中最高尚的、最强烈的和最个人的——乃是爱情的痛苦。”爱情的痛苦是多方面的,从“窈窕淑女,君子好逑”到“所谓依人,在水一方”,爱情的力量体现于一切真实情感的碰撞,美的毁灭与再造。然而在我看来,爱情之中最痛苦、往往也是最令人刻骨铭心的,莫过于相亲相爱的双方的生死离别。“天长地久有时尽,此恨绵绵无绝期。”逝者长已矣,而生者却不得不继续孤独的踯躅而行,这是怎样的一种人生痛苦啊!多情自古伤离别,更何况那些灵心惠质,敏感多思的文人骚客呢?罗洛梅说过:“死亡让人体验到友谊、奉献、忠诚的可贵后,才懂得什么是真挚的爱。死亡不仅丰富了爱,而且建构了爱。”死亡在

让生者感到痛苦、绝望的同时,亦让他们感到爱情化作了永恒,让爱得到了永生。正是在这种人生感悟的驱使之下,在他们幽咽黯然,泣血神伤的同时,令人无法不为之动容的一首首悼亡诗一点一滴演绎而成,为中国古典文学留下了一笔宝贵的精神财富。

三、唐宋经典悼亡诗词分析:

(一)、元稹《谴悲怀》三首

(其一)谢公最小偏怜女,自家黔娄百事乖。顾我无衣搜荩箧,泥他沽酒拔金钗。野蔬充膳甘长藿,落叶添薪仰古槐。今日俸钱过十万,与君营奠复营斋。

(其二)昔日戏言身后意,今朝都到眼前来。衣裳已施行看尽,针线尤存未忍开。尚想旧情怜婢仆,也曾因梦送钱财。诚知此恨人人有,贫贱夫妻百事哀。

(其三)闲坐悲君亦自悲,百年都是几多时!邓攸无子寻知命,潘岳悼亡犹费词。同穴杳冥何所望?他生缘会更难期!唯将终夜长开眼,报答平生未展眉。

元稹的曾经沧海难为水,除却巫山不是云固然令人为之动容,但是还是应了那句老话,失去了才痛感珍贵,所以珍惜眼前的活着的人才是当务之急,所有的甜言蜜语爱的表白在他们活着的时候能够听到感受到,这才是最重要的。稹爱妻的名字叫韦丛,比元稹小四岁,二十岁和元稹结婚,二十七岁时就不幸死去了。元稹写给她的诗篇除了这最著名的《谴悲怀三首》,还有《离思五首》、《六年春遣怀八首》、《杂忆五首》等等,可以说篇篇都感人至深。我们从这些诗篇里可以想象韦丛是一个贤淑美丽的女人,还可以知道元稹是一个痴情感恩的男人。由于元稹写给爱妻的诗太多,而且都很感人。我就不在这里一一注解再多发感慨了,但《离思五首》其中的第四首“曾经沧海难为水,除却巫山不是云。取次花丛懒回顾,半缘修道半缘君。”可以说这首是元稹写出的最著名的名句之一。

这首诗的是实在难得的好诗。这是对爱人的最高赞美与最深的深情思念怀念。这首诗的魅力所在就在于它给予人无限的想象力。经历过大海的波澜壮阔,就不会再被别处的水所吸引。陶醉过巫山的云雨的梦幻,别处的风景就不称之为云雨了。虽常在花丛里穿行,我却没有心思欣赏花朵,一半是因为自己已经修道,一半是因为心里只有你……这首再延伸一些近一步的解释是说。痴迷在你爱的大海里,陶醉在你的梦幻里,我就不会再对其它女人感兴趣。爱你没有人比得上你,你是最好的。你走之后也没有


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