在音乐方面

导读：　在音乐方面篇一《音乐方面论文》 音乐 ...

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在音乐方面篇一
《音乐方面论文》

音乐是情感的语言

——浅谈音乐与情感

摘要：音乐是以声音来表达内心情感的艺术，是人类表现性艺术最早的形式之一。音乐能够唤起感情的力量，在人们的心灵中产生深刻的影响，在欣赏音乐时，转瞬之间，我们心中就会产生连续复杂的情感，这是我们对音乐的微妙的感应，这是我们的情感对音乐的最美妙的响应。

关键词：音乐 情感 欣赏

音乐，是艺术的一个品种，它带给人们的是美感和幸福。音乐，是表达或寄托人们感情的 “艺术语言”， 它比一般的语言更直接地传达情感，并且，它始终与美感结合在一起。音乐，是用声音作原料的，一听即逝，因此，它又是时间性的表演艺术。并不从属于某一政治或宗教，只是在人们心灵上、感情上，会对它们有一定的影响作用。音乐，是通过人的感官刺激，才使人感知到美。并产生了生活联想及艺术想象，从而又发展了美感。音乐不以说理方式来传播，而是更多地通过熏陶及感染的途径，潜移默化地来影响人的心灵，使更多地得到美的滋润。音乐与人的生活情趣、审美情趣、言语、行为、人际关系等等，有一定的关联。故高洁的音乐与低俗的音乐其对人们的影响是大不相同的。音乐是人们抒发感情、表现感情、寄托感情的艺术，不论是唱或奏或听，都内涵着及关联着人们千丝万缕的情感因素。即使以叙事为主的歌唱，音乐也并不全依靠语义来传达内容，而必定会用赋有感情的“音乐语言”和赋予美的因素，来表达或烘托或寄托感情，即使是附有歌词的声乐曲，其表达感情主要的仍是音乐本身。

情感，是人对现实的对象与现象是否适合人的需要和社会需求而产生的体验。情感属于意识范畴，但是又以自己特殊的质同一般的意思区别开来，当你浸沉在音乐中所表现出的喜、怒、哀、乐等情感中，去尝试酸甜苦辣的各种味道，将让你随着它的欢乐而欢乐，悲伤而悲伤，那就说明音乐所表达的内涵已经深深地吸引了你，使你受到感染而产生一种思想冲动，你会认为它是你内心情感的一种音乐表现。所以说，在一定程度上有什么样的感情就有什么样的音乐，有什么样的音乐也就能激起什么样的感情。有了丰富的情感，音乐才有魅力。

音乐是一种善于表现和激发感情的艺术，可以说，音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是欣赏者对音乐的感情内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的专门家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一种心理要素。对于音乐的专门家来说，假如在欣赏音乐时只注意技巧、技术手法、结构形式等方面，而在感情上却无动于衷，那么他对音乐的欣赏也只“见其文而未见其心，见其表而未见其里”，并不能完整地感受与领会音乐的美。一位有经验的英国音乐教育家曾告诫说：“不要允许你的批评性的敏捷聪明窒息你的情绪反应。那些专家们经常把他们的注意力局限在技巧上。”他还说：“除非你也重新抓住了激动过贝多芬写的作品的同样感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏他。”音乐是一种善于抒情的艺术，音乐中有着丰富而深刻的感情内涵，只有当音乐欣赏者的感情活动与音乐作品蕴涵的感情基本相吻合的时候，才能称之为正确的音乐欣赏。因此，准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，是音乐欣赏中感情体验的基本要求。对音乐作品感情内涵的体验，首先表现为感性上的直接体验。比如，我们在听到一首乐曲的时候，对这首乐曲所表达的感情（它或是快乐的，或是悲哀的，或是慷慨激昂的„„），凭借自己的感性经验，自然地产生出一种体验。这种伴随着音乐感知而自然产生的感情体验，就是我们所说的感性上的直接体验。

但是，对感情体验的这种进一步的要求，却并不是每一个音乐欣赏者都能够作到的。对音乐家和音乐作品创作情况的了解也不是每一个音乐欣赏者都有条件进行的。而且，有许多无标题的器乐作品，作者在创作他们时往往没有留下什么有关记述，作品本身也并没有表现

什么深刻的社会内容，而只是某种情绪的表现。在这样的情况下，就很难对乐曲做出进一步的解释，而只能凭借音响感知和对作者总的创作个性和风格的把握来体验乐曲的感情。因此，我们必须正视这样一个现实，那就是对于绝大多数音乐欣赏者来说。音乐欣赏中的感情体验更多地还是以感受性的直观形式进行的。像通常所说，欣赏者是处于“只可意会，不可言传”的心理状态之中，更何况音乐中所表达的感情，在很多情况下的确是“只可意会，不可言传”的呢！这样判断一个欣赏者是否能够借助于某种概念把体验到的感情表达出来，而是要看欣赏者是否对音乐中表现的感情真正从内心里有所体验，欣赏者的感情是否能够在欣赏的过程中随着音乐的进行而起伏、变化，如果做到了这一点，那就可以说是对音乐中所表现的感受情有所体验了。当然，我们这样说也并不是否认理解认识对音乐欣赏中感情体验的重要作用，而是要说明，这种理解认识只有融注于感受性的体验之中，才能真正有助于音乐欣赏。当我们欣赏音乐，不是故作清高地去听音乐会，而是把自己融入音乐——如果是电影插曲，就顺着故事情节；如果是歌曲就，就顺着旋律与歌词。

俄罗斯作曲家、音乐评论家谢洛夫说：“如果人心灵中所发生的一切都可以用语言来表达，世界上就不会有音乐。”可以说音乐是一种特殊的语言，是人内心深处思想的自述，是一种情感的独白，它虽然看不见摸不着，却能将人们在社会生活中所体验的各种情感淋漓尽致地表达出来，并在我们内心引起强烈的共鸣。

音乐是情感的语言，情感是音乐的灵魂。

参考文献：

[1]刘健.论音乐与情感[J].《艺海》，2007年第二期

[2]张进.音乐与情感——通读《论音乐的美》后的感想[J].《科技信息》，2007年第11期

[3]王国良.浅谈音乐与情感的表达[J].《许昌学院学报》，2007年第26卷第4期

[4]王双杰.音乐与情感的关系[J].《沧州师范专科学校学报》，2010年9月第26卷第3期

在音乐方面篇二
《音乐方面工作总结》

2012-2013学年度第一学期

工作总结

光阴似箭，日月如梭，时间过得真快，转眼间，2013年来临，在过去的一年当中忙碌、充实并快乐着，同时也收获了很多。旧的学期已将结束，新的学期即将开始，在制定新学年的教学计划之前，我先来回顾参加工作一年多以来的酸甜苦辣，并以此来激励和鞭策自己取得更大的进步。下面我把本学年的工作简要汇报如下。

一 、坚持以正确的思想为指导

在这一学年里，我积极参加各类政治业务学习，努力提高自己的政治水平和业务水平。服从学校的工作安排，配合领导和老师们做好校内外的各项工作。关心集体，以校为家。响应学校号召，积极参加学校组织的各项活动，注重政治理论的学习，以积极的态度参加教育活动，认真记读书笔记。配合组里搞好教研活动，抓住每一个学习的机会提高自己的业务水平。服从学校安排，人际关系融洽。

二、修师德、练师功、铸师魂

在德育工作方面，我认为，你做了什么样的教育，就会出什么样的人才。在教育改革的潮流中，“教书育人”首先是育人，然后才是教书。作为“音乐教师”首先是教师，然后才是音乐。而“音乐教育”是通过音乐的手段去塑照人、培养人、造就人。所以音乐是手段，育人才是目的。关心学生、热爱学生，做学生们的好朋友。记得有一位老教师曾经对我说过：“虽然你面对的学生，他们的能力水平高低不等，但在家长的眼中他们却是唯一的，是完美的，我们不要在心里就给划分出等级，那样做对他们是不公平的。说我们教师这个职业神圣是因为我们的工作完全是良心活，没有办法去准确地衡量！”。我始终以这位老师的话为旗帜，在日常工作中对所有学生都一视同仁，课堂上严格要求，课下每一个孩子都是我的朋友，一年的努力换来的是孩子们开心的笑脸，

三、抓好课堂教学，向四十五分钟要质量

抓好课堂教学，提高课堂效益.音乐课的内容是丰富多彩的，它的最大特点就是通过艺术活动来调动人的兴趣，打动人的情感，让人愉快地受到教育。鉴于这一特征，“新标准”把“情感态度与价值观”放在课程目标的首位。可是在现实音乐教学中，也有对它兴趣索然。艺术教育对于提高的全面素质有着其她教学不可替代的特殊作用，音乐教

育属于艺术教育的范畴，是学校进行艺术教育的重要途径之一。因此，如何使音乐教育在素质教育中发挥积极主动的作用，作为一名音乐教师，我觉得如何抓好课堂教学，提高教学效益这是重中之重。为此本学期来，我进一步贯彻落实新的课程改革标准，深入钻研教育教学大纲，订阅大量与自己教育教学相关的报刊杂志，认真细致地备好每一堂课。本学期我所承担的是10单音、11单音的音乐教学课程，根据不同年级的不同特点进行教学。对于高二年级，新课程教材内容灵活、涉及面广，如果教师不进行有效筛选的话，本学期教学时间又短，肯定不能完成。于是我先让他们选出自己喜欢的课程，然后进行讨论，最后由教师根据教材特点，重点定下来本学期所需学习的内容，删去一些不太喜欢和相对离生活实际有一定距离的内容。在备课时，我尽可能的设计出符合他们特点的方案。比如在新授歌曲时，本届高二年级灵性较好，音乐水平不错，一首新歌用不了几分钟就能学会。为了更好的让他们理解歌词，感受歌曲情绪，我便通过表演、比赛、配打击乐器等多种形式巩固歌曲。这样不仅掌握了该掌握的知识，而且兴趣倍增，课堂气氛灵活多样，学的非常轻松。同时在让动脑筋，编动作、节奏的过程中，还充分发挥了他们的想象力，极大的激发了们创新思维的火花。对于高三年级，仍然形象思维活动为主，但抽象思维随着年龄的增长而逐步增强。音乐兴趣不仅要保持还须使乐于参与音乐活动，其音乐学习领域有必要拓宽接触的音乐曲目需要更加丰富，音乐体裁、音乐表演形式，音乐知识也需要增加内容。在教学中我尽量采取新颖的教学手段来培养其音乐兴趣，每堂课安排5分钟的时间进行节奏问好及练习，这个项目非常喜欢。我总在出示节奏类型后，请尝试拍打节奏，亲身感受节奏带来的美感，再由互相启发评价，最后由教师讲解，授以正确的做法。这个看似简单的节奏练习一旦融入思维的过程，就变得其乐无穷了。介绍乐理小常识。在歌曲教学中，常会遇到一些标记，如：反复记号、升降记号、上滑音、下滑音、休止符、倚音等，它们的作用对于小来说比较深，我常用漂亮的小卡片写上符号与同学交朋友，以形象的富有童趣的语言来表达符号的用法，学起来就不会如食鸡肋一般索然无味。在教学中融入其它学科的教学方法。在教学中我首先让整体感知乐曲，说说听后的感受，你最喜欢哪一个乐句？找出相同的乐句。在此基础上进行试唱、视唱、哼唱，以及歌曲的教学，在教学时有针对性，学习的难度降低了，效率提高了，兴趣更浓厚了。在教学过程中，既要通过音乐达到教人的目的，又要通过教人来更好地学习音乐。

四 、问渠那得清如许，为有源头活水来，积极教科研继续教育

我经常利用休息时间去自费收集各种音乐文化资料，以便让能多听、多看、多接触优秀的作品，从而增长见识，并获得更多美的感悟。要是条件允许的话，还可以让适当地接触一下电脑音乐。此外，我还很注意自身的学习。如：参加市里的音乐教研活动；练习专业技能；阅读一些音乐、教育、文化等方面的报刊、杂志；上英特网里上的教育工作站与各地的高中教师进行交流。

我是一个对集体充满了热情的人，勤勤恳恳、脚踏实地是我的工作作风，助人为乐是我的快乐之本，只要是对学校对大家有好处的事情我都会不计较个人得失，把他完成好。走过的这一年是幸福的，因为在这一年当中我付出着、收获着、快乐着、进步着，在即将到来的新学年,我同样会用心去面对，用我的全部热情来浇灌我深爱着的事业。

在音乐方面篇三
《音乐课程价值主要体现在哪些方面》

音乐课程价值主要体现在哪些方面？

１． 审美价值：音乐教育的审美价值是将音乐列入中小学课程的一个重要的理由。长期以来我们以科学实践的方式和方法来教授音乐、学习音乐，使音乐偏离了人类的生活实践和情感世界，由于受某种思潮的影响我们过分强调了音乐的德育价值，将音乐教育视为促进德育的一种工具。应该说，音乐有德育的功能和作用，但音乐教育的长处在于给人的道德观念以情感上的支持。所以，音乐教育的重要价值应该是审美教育，我们的课程改革将确立以审美为核心的教育理念，丰富学生的审美情感体验，使其具有一定的审美能力，让生活变得丰富多彩，人类变得文雅和充满爱心，这才是我们音乐教育的理想目标。因此无论是课程标准还是教材，乃至教学的全部过程都必须体现这种理念。我们应该尽一切可能给学生提供各种类型、风格多样的音乐体验，尽力开阔学生的音乐视野，培养具有音乐审美鉴别能力的音乐听众。为了达到这样的目的，我们必须调整音乐教育的内容和方法，坚持下列音乐审美教育的基本原则：教学中，应充分揭示音乐要素（节奏、旋律、音色、和声、力度、速度等）在音乐中的表现作用，让学生亲身感受到音乐中最激动人心和极具表现力的部分，而不是进行枯燥的、单纯的技巧训练和灌输死记硬背的知识；应以整体的方式来体验音乐，理解“整体大于元素的总和”这一心理学原理，使学生感受到音乐的魅力，产生情绪的反映和情感的体验，而不是将音乐的各种构成元素支离破碎地讲授。注重艺术实践的本质，摈弃科学实践的做法，这正是音乐教育区别其他学科的一项重要的原则，也是我们当前音乐教育中存在的较为严重的问题；强调音乐概念应和音响尽量统一，只有这样我们学到的才能称其为是音乐，因为音乐是声音的艺术、时间的艺术、听觉的艺术、情感的艺术，单纯的记忆概念对于普通学校的音乐教育来讲是毫无意义的。还需要指出的是，学生的技能技巧的学习过程应始终贯穿着学生的情感参与，只有这样，中小学的音乐教育才能真正实现审美价值，成为审美教育。

２． 创造性发展价值：创造能力的培养是时代发展的要求，是国际竞争的要求。许多国家都把创新人才的培养作为教育发展和改革的主攻方向，例如美国在六十年代为了研究音乐对人在创造能力发展方向的作用，在哈佛大学设立了“零点项目”研究部门，并取得了可喜的成果，为美国政府将音乐列为核心课程提供了重要的理论依据。我国也曾经对音乐在开发人的智力给予了较多的关注，许多家长十分重视孩子的音乐启蒙教育，但我们在教育的目的、内容和方法等方面都存在着诸多问题，因此收效并不显著，尤其是受某种功利性的影响，使得音乐教育对人的智力开发和创造能力的培养没有得到很好的发挥。因此我们有必要重申音乐教育的创造价值。创造能力的培养虽然被所有学科青睐，但音乐教育在发展学生创造能力方面的特殊功能尤为突出。首先，音乐的产生过程就是全部的创作过程，我们称其为三度创作：作曲、表演和欣赏。无论学生的表演或欣赏都必然伴随着创造性的表现和产生丰富的联想和想像。其次，音乐具有“不确定性”特点，即同一首作品，有多少听众就会有多少种不同的感受，这一特征对于培养学生的创造能力具有比其他学科较大的优势，使他们的想像力和创造性思维得到充分的发挥，因此，我们提出音乐不谋求统一答案，音乐课尽量不结束真理。其三，音乐的情感特征可以极大地激发学生的表现欲望和创造热情，在主动参与中展现它们的个性和创造才能，我们相信，每个人的表演都是个性化的体现，每个人的听赏都是独特的理解。因此，音乐教育在培养学生创造能力方面的作用是不应该被忽视的。

在音乐方面篇四
《浅谈中国音乐的特点》

谈中国音乐的特点问题

杨荫浏

问：香港张世彬在《中国古代音乐史论述稿>)-",书里认为:中国音乐落后的原因，是由于几千年来儒家息想对音乐统治的结采。这种思想只重音乐的教育性，不重艺术性、娱乐性，而“般地说;, 'f}家的观点是以孔子为代表的，您对此看法如何?

杨:这个问题难用几句话谈清。百家争鸣嘛.张的观点可以研究和讨论守就我个人讲。不能同意这种说法，但也不准备去友对、因}7他对于中国音乐史.并没有真正总结出什么东西来。 孔子的音乐思想是杆}7儒家的音乐观点是什么?

以及濡家音乐思想在中国音乐史中所占的地位究竟是什么?对这些问题，应该用历史唯物主义观点去具体分析。

孔子的-'k..T}.}`t}}I}的扩唯心的“窗:，也}'pt}}}'}一面。不能只从一个方面去看待。他在音乐方面只有一些对个别问题的见解，都是些不成系统的片断话语.但从一个方面云荀子}C}`Fi兑、犷夫乐者_C音乐之乐?::t，乐.〔快 乐之乐)也，人情之所必不免也。一故r不能无乐-明确地提出了音乐的娱东作用。'tLt子正是看到了娱乐f用及3}-

不能无乐，才提出乐是很好的教育工具i}所以丛孔珊和以孔子思思为蛋体的濡家.}:想裁;虽然其中有许多宣扬封建等级观念的。}}L:东西、~担在音乐方面也并不缝只片

’面强I}一面、杏定阴、面。我记得周扬同志过去碧多次谈过《乐记万里的这段话“乐者为伺，#L为异·同则扣亲，异则相敬„„合情饰貌者.礼乐之事也。’1能在感情上使人团结起来.而礼能装饰外貌。使人遵守纪律、这是儒家思想的精辟所在二我似到今天也还是要讲团结， i井纪f ,'、讲礼貌的屯‘’厂 但是在其后几千年昨历史发展中、封建统治阶级为 了自己的阶级利益、一歪曲了、利用了孔子的思想、特别z家那}'%}:}}t家、一‘而那个Y .F.l}}}F家思思在音乐方面并不起什么大作用的、到了宋朝这个矛盾就更加突出

了。统治阶级的雅乐}r''}'庭里一年才演兀次?统位者企图通过音乐艺术(士要是雅乐)来宣传池们本阶级的意识，维护其统治地位，但足他们一不t,}音乐一二又轻视从事音乐演奏的乐工们.视之为犷九流之辈G统治者和乐工的这个距离、也就使他们和音乐艺术之1a7存在着距 离，其结果就是大大限制了池们在音乐方面的控制力t_;Eg这在历史上连统治阶级自己也不得不承认的忘他ii 1-}l:为“郑声乱雅”了，但却无能为力。在推乐上尚且如此.更不用说在其他音乐形式中统治阶级的控制力了在这样的环境中，中国民间音乐，在受到政治土的阻碍和统治阶级思思洁/L的同'1r. }ttl:比之别k}的k'乐ti较多的引山发展机会。一这一历史特点，一可能与我国民问音乐特别丰富及其影响特别巨大有一定关系(民间音乐渗入到甚至宫庭雅乐和寺庙宗教音乐之中)。张的看法说明他对中国音乐发展的实际情况和特点还缺乏了妹一对濡家男想缺乏研允这也准怪、“五·四，、寸的.}}?}}l}味}s:,7}有它的片面性廷当时反对封建保守，结果把T-场,'保'"i'' }货推到孔子身么拿封建主叉和孔子}}l等号二Ci.V1不是公1牛的实际组孔子是强调时代变了思想应发展的.?1},-i},}说过:“孔子，圣之时者也”(圣人中徐合时;代的大)。’毛仁席讲的政治标准第二，艺术标准第?r'":fr.还顾到两方面:}1‘四人帮!)}剩下音乐为政抬运动服务多}Hi否认音乐的娱乐r}}},思想越搞越窄，烤搞j' f"}}}一应} G:}}}h训。---一~万一二厂一’育万平“匀下 关干张世彬这位年青人.有人认}}f的清琅更论迷稿是抄我的卜没有什么价值、、但我认为他众乏界仇}.此我们许多人研究得更扎实。他是钾个下专题来研究的。这个方法好。我也是一个个专题搞过来的挤并不是一卜子就搞出来的。那时我是边教学边研究，是一个一个问题研究，慢慢积累。主要是对f}T I_}音乐的认识的积累，张 世彬正是从个别的专题研究入手，是不差的。我们的青

年，正应该学他。

问:您认为中国音乐的特点和传统是什么?

杨:过去在学习中国音乐的同时我也学过西洋音 乐.主要是乐理，作曲技巧(和声、对位、曲式)，在搞 (基督教)宗教音乐时，我曾接触和研究过大量西洋古 典音乐大师们的宗教音乐作品(从简单的赞美歌到大型 的圣咏、弥撒曲)，也曾收集过从古希腊到二十世纪在 欧洲的英、法、德等国以至日本的民间音乐，我越来越 感到中国音乐与西洋音乐不同。

任何一种音乐它都与那个国家和地区的语言有着最密切的关系。音乐是语言在情感、音调和节奏方面的延伸和深化。《乐记》“言诗，言其志也:歌.咏其声也;一舞，动其容也。三者皆本于心，然后乐器从之。”讲的是它们的关系。西洋音乐的特点是植根于它的语言规津的。西洋的语言他们是轻重律:每个词的音节有轻重的要求。本身就包含有节奏因素。它的诗就是两种。诗体从重拍起的为扬抑格，弱拍起的为抑扬格，两种诗体同音乐有密切的关系。诗的轻重就成了音乐中的节拍，所以西洋音乐中节奏因素。节奏规津非常重要但是中国文字只有高低升降符号.即四声，它本身含有旋律因素而不是节奏因素。由于语言两样.与之有关的音乐也就不一样了。

中国是一个多民族大国，在汉族居住的几十个省区中，各地方语言在音调上的差异，那就是千差万别，音的高低走向、发音的位置、方法都不太一样。这就带来了各个地方音乐风格的丰富多彩。这只从横的方面说。从历史上看，中国音乐的发展是以民间音乐为主而发展的，它在结构上更加自由得多。西洋音乐的发展在早期是从宗教音乐开始的。到后来是受到创造性的音乐家(主要是作曲家)的影响而发展。作曲家在音乐发展史上的地位要重要得多。因此，有许多东西原来还比较自由，后来就不那么自由了。比如调式在中世纪时还有各种调式，到后来只剩下大小调和声调式了。但是中国的音乐发展就不一样，比较自由，各地的音乐风格多样，形式丰富。比如江苏的“十番鼓”是一种形式；而“十番锣鼓”又是一个样子；昆曲更不用说了，各自都有独特的形式特点。当然它们之间有相互吸收、相互影响的地方，但这是自发的，框框很少。现在常有些人拿西洋音乐的什么动机、主题、曲式、调式等等框框去硬套中国的曲调，怎么能分析得出来呢？许多人对中国音乐不熟悉，没有好好学习研究，那么多明摆着的好东西他们都看不见，路子越走越窄。比如有人写专著论述中国音乐的调式问题，认为懂得了调式就是懂中国音乐了，把调式分析在音乐作品中的地位摆的极高；这个观点可靠吗？实际上中国的调式在音乐作品中起的作用，只相当于中国诗的韵脚。是诗要押韵，用什么韵并不能代表诗的感情，影响乐曲感情内容的因素是非常复杂的比如民间音乐“十番锣鼓“中的《下西风》的第一段原是西厢记中的一首悲哀的调子，但即使把节奏加快，音调提高了，即使调式并没有变，但音乐情绪就一变而为快乐。调式在这里不过是起保持作品的统一完整性的作用。

你要问中国音乐的特点就是多样的特点，而不是一个或几个特点，中国音乐的传统也是多方面的传统。

比如昆曲，只是中国音乐中的一个品种，而它又包含有南、北曲两大类，各自风格相异，南主柔婉，北主刚劲。但即使同是南曲，本身也是多姿多彩，这从它形成的背景就可以看清楚了。南曲在千把年的历史中，不断从南方各地民间音乐中吸取养料而形成日更加上表演 家.填词家们的加工创造，它的传统就很难讲是从那一个根子来的了应该说传统是很丰富的，背景是很复杂的 再比如京剧，它在初期时，许多演员都是属曲出身的京剧又有两大声腔源流，二簧是南方的徽剧、徽调的一部分吸收而来，西皮则是西北的择子经过四川到湖 北二两样东西几乎走遍了大半个中国，逐渐Woe-16合才形成了京剧。又经历千千万万渝唱家们的畔性劳动，才成今天的京剧音乐。它里面既有梆子，又有南方的徽调.还有昆曲的传统，你说它的特吗?改、传奴一个 南方的民歌长期以来被一些人认为叻黄色”。“软绵

绵代过去我们家乡无锡有个文工团领导，他是从北方去的.说无锡的民歌太软，是靡靡之音，硬要当地群众去唱山西、陕北的民歌。这是一种错误的无知的作法。为什么他们会有这样的认识呢?说明他们对我们音乐风格的丰富性、多样性缺乏常识。实际上，南方有许多东西 在历史上是从北方传过去，后来又继续发展，甚至超过了北方的。

南北方风格不但声乐有别，器乐也同样。比如吹笛子，陆春龄是南方的，吹得优雅、含蓄:而北方的冯子存则调子明快、刚键、热烈。内蒙则又是一个风格，它的有些笛曲与放牧生活有关，一吹起来给人以海阔天空感觉。

各个地方的独特风格和相互关系，形成了中国音乐的总体。不能因对某一个地方音乐的偏爱而贬低其池地方的音乐风格。有些人反对李谷一的唱法。其实她也是一种风格.一种民间风格。为什么不允许存在呢。持此意见的人就是对中国音乐风格的丰富性缺乏认识。

所以对风格、传统都要扎扎实实地去研究，不要老讲空话，追求表面的东西，以个人的好恶代替科学的研究工作。自己不下功夫，企图简单地一两句话就想概括了，那是懒汉思想。 今天是想到那儿就随便说说。这个问题要从理论上真正说清楚，不是三言两语办到的，也不是现在就完全能说明白的。对中国音乐中的许多问题，我们现在还没有研究出个所以然来，怎么能下得了结论呢?

在音乐方面篇五
《音乐发展史》

第一章 音乐的起源和上古时期的音乐 人类社会从什么时候开始有了音乐，已无法查考。但从古至今在音乐中却没有国界之分和种族之别，所谓乐器，就是奏出音乐的工具。如前所述，音乐的起源是以声带为乐器的“歌唱”，但人类伴随着智慧的发展，开始了使用工具。不仅利用声音唱歌，而且在管上凿孔或者张弦抚弄以奏出音乐作为游戏，这就产生了乐器。 　　一、弦乐器的起源传说 　　墨丘利（Mercury）是希腊神话中诸神的使神。据说他在尼罗河畔散步时，脚触一物发出美妙的声音，他拾起一看，发现原是一个空龟壳内侧附有一条干枯的筋所发出的声响。墨丘利从此得到启发，而发明了弦乐器。虽说后人考证在墨丘利以前就已经有了弦乐器，但也可能是由此得到了启发。 　　二、管乐器的起源传说 　　中国古代历史记述了距今五千年前的黄帝时代，有一位名叫做伶伦的音乐家，他进入西方昆化山内采竹为笛。当时恰有五只凤凰在空中飞鸣，他便合其音而定律。虽然这一故事也不能完全相信，但是，可将其看做是有关管乐器起源的带有神秘色彩的传说。 　　三、中国古代音乐 　　中国最初的帝王——黄帝，是五千年前创造了历法和文字的名君。当时，除了前述的伶伦之外，还有一位名叫“伏羲”的音乐家。据说伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他弹奏了张有五十弦的琴，由于音调过于悲伤，黄帝将其琴断去一半，改为二十五弦。 　　此外，在黄帝时代的传说中，还有一位名为神农的音乐家，他教人耕作，并发现了医药，据说是牛首人身。他创造了五弦琴，如果设想当时的音乐是使用五声音阶，那么这是理所当然的。 　　论及古代中国音乐的书籍，据说为数不下三百种之多。孔子是距今大约二千五百年前的人，本人是音乐家，关于论述音乐的随笔很多。他曾正式习琴，在悲哀与欢乐的时候都抚琴以慰，并传授弟子。据说他有三千弟子，其中通六艺者达七十二人。孔子之所教，可称为“诗、书、礼、乐”。“礼”是谓理天地阴阳的秩序，“乐”是取得谐调。也就是说，在他的哲学中，道德与音乐居于同等地位，力图以音乐来提高品德。孔子非常爱好古琴，并能自行作曲，关于音乐的评论也可见于论语中。 　　另一方面，古代中国的宫廷音乐多为舞乐，即诗、舞和音乐融为一体，和今天的舞蹈是完全不同的。 　　四、埃及、阿拉伯的古代音乐 　　埃及文明是世界上最古老的文明之一。从作为帝王古墓的金字塔内石壁的雕刻上，可以看出演奏音乐的盛况以及音乐演奏者的行列，雕刻

中有以手指弹奏的竖琴状的弦乐器，以及各种笛类乐器。 　　阿拉伯等地区的器乐也相当发达，自古以来就使用在一个八度之间分为十七个音名的特殊音阶。 　　五、希腊古代音乐 　　希腊音乐的起源也笼罩着一层神话的面纱。阿波罗神主掌音乐，其下有九位缪斯（Muse）女神，将音乐称为Music或Musik，希腊乐器中，有叫做阿乌洛斯的V字型双管笛，有叫做里拉（Lyra）的手琴，还有叫做齐特尔（Kithara）的类似吉它的弦乐器，这些乐器都是从埃及或阿拉伯传入的。 　　六、纯律的产生 　　公元前六世纪，古希腊大哲学家和数学家毕达哥拉斯（Pythagoras）用一种称为弦琴（Monochord）的单弦乐器，首先解释出纯律理论。这就是根据弦的长度，以一比二作为完全八度，以二比三作为完全五度的方法，把当时所使用的一切音程都计算出来了。 第二章 中世纪音乐 一、基督教与中世纪的音乐 　　中世纪时代的欧洲，教会比国家或其它社会集团，都有更强大的统治权力。在那个时代，包括哲学的各种学问和艺术都为教会服务，中世纪的音乐由于基督教而取得了不寻常的发展。在教会音乐中，开创了复调音乐的形式并完成了对位法。最初印刷乐谱，是教会为了作弥撒而用的。键盘乐器的兴起以至其教授法，没有一件事能够离开教会而产生。从音乐的全部理论到记谱法，以至合唱、合奏，多半都是中世纪教会的遗产。今天的交响乐和歌剧的内容虽然绝大部分是描写世俗的，也不能说与中世纪的教会无关。 　　教会音乐，最初大概是原封不动地采用了从犹太王国传来的形式，即歌唱圣诗、朗诵圣经，可以想象是纯粹的声乐。宗教音乐历来以声乐为主，这是因为声乐有歌词。与此相反，器乐主要是作为世俗音乐而得以发展起来的。 　　二、罗马式音乐 　　“罗马风格”一词主要来自那个时代的建筑用语。罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的纪念碑式遗物之一。这种音乐既无和声也无伴奏，其特征是以齐唱形式为主，通过教堂天井的回音产生庄严的和声感，其纯朴、清丽的宗教感情与罗马风格的教堂建筑是完全一致的。 　　罗马式音乐是中世纪这一时期的重要音乐形式之一，其代表当首推格雷戈里圣咏（Gregorian Chant），这是典型的天主教音乐。在漫长的中世纪里，音乐方面起了最重要作用的正是格雷戈里圣咏，它是纯粹的单旋律的歌唱。在格雷戈里圣咏中，已经有多利亚调式、弗利几亚调式、里第亚调式、混合里第亚调式等四种教会调式及其变格调式。到了十六世纪，出现了伊奥尼亚调式及爱利亚调式，进而形成

今日的大、小调音阶。在格雷戈里一世时代，已经在罗马设立了称为“歌唱班”的教授圣咏的学校，这可看作是世界上最早的音乐学校之一。 　　安普罗修斯（Ambrosius，340－397）圣咏则收集了在教会中所唱的歌曲，为教会音乐制定了由七音组成的四种教会调式音阶，还创造了对唱的形式等。在圣咏中，歌词与语言的语势、声调的高低和节奏的关系以极为理想的形式得到解决，它们非常自然而完善地表现了宗教感情，可以看作是到这一时代为止的音乐艺术的总结。 第三章 文艺复兴时期的音乐 一、哥特风格和文艺复兴 　　从十三世纪中后期到十四世纪，欧洲社会进入文艺复兴时期，北欧兴起了哥特风格的艺术，哥特风格表现得最明显的是在建筑方面。在音乐中，哥特风格从未明确地形成为代表一个时代的形式，但起始于奥干努姆（Organum）的复调形式，相当明确地表现出哥特风格的特征。在十二世纪时期的许多经文歌中，除了庄严的格雷戈里圣咏的固定旋律之外，还有采用舞蹈旋律和爱情歌曲的旋律，配以不同的歌词和拍子共同歌唱的形式。 　　二、文艺复兴与音乐 　　音乐上的文艺复兴，略晚于其他文艺形式如文学、美术等。有代表性的作曲家，首先可以举出弗朗切斯·兰迪诺（Francescl Landino，1325(?)－1397），他采用了同时歌唱三种不同歌词的这一大胆手法，留下了许多牧歌和叙事曲。杜法伊（Guillaume Dufay，1400－1474）则完成了四声部手法。奥干努姆（Organum）的复调手法，更导致了以巴赫为顶峰的对位法理论的完成。 　　从十一世纪末叶到十三世纪末叶，欧洲发生了十字军东征事件。这一历史事件对于东西方文化交流起了巨大的影响，在音乐上的显著表现是出现了游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手等人物，所唱的诗歌内容有情歌、叙事诗式的故事、自然的赞美诗以及宗教或道德方面的内容等等。作为乐器则使用类似竖琴那样的小型手琴或古提琴族内的乐器。 第四章 巴罗克时代的音乐 　　一、巴罗克（Baroque）风格 　　从年代上说，大体上从十六世纪末到1750年间的音乐，称为巴罗克音乐。十六世纪末叶，音乐史上第一部歌剧在意大利的佛罗伦萨上演，也是以乔万尼·加布里埃利（Giovanni Gabrieli，1557(?)－1612）为中心的“威尼斯乐派”的全盛时期。而1750年则是对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫去世之年，代表巴罗克巅峰的对位法音乐可以认为以巴赫去世而告结束。 　　巴罗克（Baroque）一词，原来的意思是形状不整的珍珠，最初是在建筑方面来表明一种艺术形式。文艺复兴时期的艺术是以希腊、罗

马的形式美为第一性的，对之而言，巴罗克风格是一种全新的表现形式，也是后来兴起的洛可可（Rococo）艺术的前提。 　　巴罗克时代的欧洲音乐以德国、意大利和法国等几个国家为代表，音乐艺术在这一时期达到了前所未有的迅猛发展。 　　二、巴罗克时代的德国音乐 　　巴罗克时代的德意志音乐，可以说以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，则他们的音乐就是塔顶，他们吸收了文艺复兴以来的意大利的新音乐，并开拓了一条新的道路。 　　许茨（Heinrich Schutz，1585－1672年）比巴赫和亨德尔恰恰早生一百年，二十四岁时赴意大利留学，就读于威尼斯乐派的大师加布里埃利（Giovanni Gabrieli，1557－1612）。他回德国后，发表了第一部德文歌剧《达夫内》，此外还创作了许多受难曲。许茨的风格对后来的两位巴罗克音乐大师巴赫、亨德尔的创作有着重要的影响。 　　亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在集成传统音乐方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放着射着异彩。亨德尔的作品，多为歌剧和清唱剧音乐，在器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；而巴赫的音乐，在声乐作品中也含有强烈的器乐因素，这预示了以后的古典主义时代的到来。 　　三、巴罗克时代的意大利音乐 　　歌剧这一伟大的艺术形式，就诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。古老的城市佛罗伦萨，有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，他们开始给古老的希腊故事谱曲，并且穿上戏装演出，而整个故事是由一个合唱队唱出来的，这无疑就是歌剧的雏形了。后来经过发展，故事里的每个角色由一个歌唱者演唱，而在合唱节目之间，由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词将半唱半说。这种歌唱差不多象一首赞美诗：被叫做宣叙调。而强烈的感情则是用叫做咏叹调的真旋律来表现。不久，咏叹调开始用来炫耀歌手的美好声音。那时，无论一部歌剧是在意大利还是在英国或德国上演，它的咏叹调总是用意大利语演唱的，而它的宣叙调部分则用那个国家的语言演唱。 　　意大利的巴罗克音乐中，弦乐可与早期的歌剧相提并论。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。在巴罗克时代的意大利，弦乐与歌剧相结合，做为古序曲而得以发展。歌剧的序曲必须是以快速开始，中间部缓慢，最后再以快速终结这样的三部分构成

，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。而当时的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe Torelli，1650－1708）、科莱里（Arcagello Corelli，1653－1713）、维塔利（T.Antonio Vitali，1665－1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675－1743）、塔蒂尼（Giuseppe Tartini，1692－1770）等，都是早于巴赫的音乐家，他们全都是小提琴名手，而且都是小提琴音乐的作曲家。另外，意大利的小提琴制作家辈出，如阿玛蒂、瓜尔奈里和斯特拉迪瓦利等都是意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人，他们精心制作的小提琴，一直到今天还活跃在舞台上，显示出空前绝后的艺术魅力。 　　四、巴罗克时代的法国音乐 　　在这一时期的法国，以巴黎为中心，以各地王侯贵族的府邸为背景，歌剧和古钢琴音乐极为盛行。当时的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独自成长，可说是接近于舞剧的形式。 　　巴罗克时代，法国最有代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律动听，同时具有很强的舞蹈特点，内容也较为深刻，并大量运用了辛辣、幽默的手法。 　　与歌剧同时盛行的是古钢琴音乐。古钢琴这种乐器，常常附以代表巴罗克文化的装饰，它与羽管键琴等都是今日钢琴的前身。在这方面最著名的大师，是库泊兰（Francois Couperin，1668－1733年）和拉摩（J.P.Jean Philippe Rameau，1683－1764年），他们的作品中有许多是为古钢琴谱写的组曲，其中有许多曲目至今仍用现代钢琴广为演奏。拉莫于1722年出版的和声学概论，是音乐史上最早的和声学理论著作。 第五章 古典主义音乐 一、音乐中的古典主义 　　古典主义的萌芽，发生在巴罗克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。 　　二、初期古典乐派 　　文艺复兴以后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来，其初期有三个主要乐派：第一派，是以音乐大师巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫为中心的柏林乐派；第二派，是以约翰·施塔密茨（Johann Stamitz，1717－1757年）为中心的曼海姆乐派。第三派，是以瓦根扎尔及蒙恩为中心的早期维也纳乐派。 　　在古典派音乐中，虽然歌剧也是一个重

在音乐方面篇六
《关于音乐的常识》

关于音乐的常识，看完敢说懂音乐了 2013-11-02 时尚钢琴

关于音乐的常识

1. 三大安魂曲是指哪三首呢

三大安魂曲是指莫札特的Ｄ小调安魂曲、威尔第的安魂曲和佛瑞的安魂曲

2. 三大神剧是指哪三首呢

三大神剧是指韩德尔的弥赛亚、海顿的天地创造和孟德尔颂的伊利亚

3. 中国乐器有哪几类呢

中国乐器依八音分类法分为金、石、丝、竹、匏、土、革、木八种

4. 中国传统音乐如何分类呢

国传统音乐分为器乐、民歌、曲艺及戏曲四类

5. 西方乐器如何分类呢

西方乐器总括分为擦弦、木管、铜管及敲击四大类

6. 五大纲琴协奏曲是指哪几首呢

贝多芬的第五号降Ｅ大调钢琴协奏曲“皇帝”、柴可夫斯基的第一号降Ｂ大调钢琴协奏曲、拉赫曼尼诺夫的第二号Ｃ小调

钢琴协奏曲、舒曼的Ａ小调钢琴协奏曲和李斯特的降Ｅ大调钢琴协奏曲合称为“五大纲琴协奏曲”

7. 六大交响曲是指哪几首呢

六大交响曲包含了贝多芬的田园交响曲、命运交响曲、舒伯特的未完成交响曲、德佛札克的新世界交响曲、柴可夫斯基的

悲怆交响曲和白辽士的幻想交响曲

8. 四大小提琴协奏曲是哪几首呢

贝多芬的Ｄ大调小提琴协奏曲、孟德尔颂的Ｅ小调小提琴协奏曲、柴可夫斯基的Ｄ大调小提琴协奏曲和布拉姆斯的Ｄ大调

小提琴协奏曲并称为四大小提琴协奏曲

9. 什么是自然音呢

指的是自然音阶上的音，包括(自然)大调和自然小调上的音!

10. 什么是声音的基本要素呢

声音的基本要素包括了音高、音量、音长与音色

11. 音乐史上的3B（4B）是指哪些人呢

布拉姆斯（Brahms, Johannes）、巴哈（Bach, Johann Sebastian）与贝多芬（Beethoven, Ludwig van）三人并称为音

乐史上的3B，若是4B就要另加巴尔托克（Bartok, Bela）

12. 音乐的要素有哪些呢

音乐的精髓透过音乐的要素来传达与表现，而音乐的要素包含了节奏、旋律与合声

13. 音乐的新旧约是指什么呢

在音乐史上，通常我们会把巴哈的十二平均律比喻为旧约圣经，且把贝多芬的三十二首钢琴奏鸣曲比喻为新约圣经

14. 绝对音感与相对音感是指什么呢

能瞬间听出某个音音高的能力称为绝对音感；相对于绝对音感而言，在某音的比较下才能听出音高的能力称为相对音感

15. 圆舞曲之父是谁呢

圆舞曲之父指的是大约翰史特劳斯

（Strauss,Johann(Vater)）

16. 圆舞曲之王是谁呢

圆舞曲之王指的是小约翰史特劳斯

（Strauss,Johann(Sohn)）

17. 谁是歌曲之王呢

奥地利的舒伯特（Schubert, Franz (Peter)）因为留有超过六百首的歌曲而被称为歌曲之王

18. 什么是标准音高呢

伦敦国际会议（１９３９）决定“标准Ａ”音高为４４０，现今国际上普遍使用此规则

19. 音乐理论中的“乐音”与“噪音”如何定义呢

有人定义音乐作品中所使用的音称为乐音（musical tone）其余皆称为噪音（noise）；也有人定义钢琴键盘上一个周期所包含的十二个键为“乐音”，其余为“噪音”；也有不少书籍定义“乐音”为震动有规则的音响，“噪音”为震动无规则的音响

20. 什么是乐谱呢

凡是使用符号或文字来记载音的高低、音的长短、音的强弱、速度、表情、演奏法….即可称为乐谱

21.谁是“交响曲之父”呢？

“交响曲之父”指的是海顿（Haydn, Franz Joseph）。由于当时的人们总把音乐会当作打瞌睡的场所，海顿创作了在漫长的宁静之后突然钟鼓齐鸣的“惊愕”交响曲

22.谁是“协奏曲之父”呢？

“协奏曲之父”就是因一头红发而被称为“红发教士”的韦瓦第（Vivaldi, Antonio）

23.谁是“音乐之父”呢？

“音乐之父”就是出身于音乐世家的巴哈（Bach, Johann Sebastian）

24.谁是“音乐神童”呢？

“音乐神童”就是从小就到处旅行演奏并创作的莫札特（Mozart, Wolfgang Amadeus）

25.谁是“神剧之父”呢？

“神剧之父”指的是神剧“弥赛亚”的作者韩德尔（Handel, George Frideric）

26.谁是音乐史上的“乐圣”呢？

“乐圣”是指丧失听力的贝多芬（Beethoven, Ludwig van）

27.谁是“钢琴诗人”呢？

波兰作曲家萧邦（Chopin, Fryderyk Franciszek）被视为钢琴音乐最伟大的作曲家，通常被誉为“钢琴诗人”

在音乐方面篇七
《怎么学音乐》

怎么学音乐

一、学习声乐的条件

要学好声乐，必须具备一定的条件，即具有良好的音乐素质、掌握相应的音乐基础知识和技能，有良好的嗓音条件。

1、音乐素质

音乐素质就是人在音乐方面 敏锐听觉、鲜明的节奏感和良好的音乐感觉，就是我们常说的音准、节奏、乐感。一个人的音乐素质有先天的因素，也有后天的培养，而后天的因素是主要的。在音准、节奏和乐感方面有敏锐感觉的人，就具备了学习音乐的素质条件。

2、音乐的基本知识和技能

具有音乐素质的人要进一步学习音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识，音乐基本技能包括：视唱练耳、乐理知识、键盘乐器基础。

视唱练耳是学习音乐的基础，要准确的听辨和视唱出音阶、音程、节奏、旋律必须学习视唱练耳。

乐理也是学音乐的基础，学好相应的乐理知识，才能唱准、唱好歌曲。

键盘乐器基础：键盘乐器和乐理知识的学习是相辅相成的，有了一定的键盘基础才能进行听觉训练和视唱练习。而发声练习等都离不开键盘乐器。

3、嗓音条件：

一般人认为，学习歌唱必须要具有天然的好嗓子，这说法既有正确的一面，又有它的片面性、天然优美动听的嗓子是学习歌唱的有利条件，但有好嗓子不一定就能学好声乐，而许多成功的歌唱家在训练前并未显示天然优美的声音。

歌唱同说话的生理条件是完全相同的，但若完全用说话的状态来进行歌唱就不能体现歌唱的艺术特征。因为语音发音是下意识的“自然”发音，而歌唱发声是有意识的“非自然”发声，运用科学的发声方法有意识的锻炼发声器官，是可以从下意识地说话达到有意识的控制自如的歌唱发声状态的。因此，凡会说话的人，只要具备了一定的音乐素质，就可以学习歌唱。

二、如何学习声乐

学习应该包含两方面的内容：歌唱技能技巧的学习和声乐基础理论知识的学习。

1、声乐基础理论的学习

要具备一定的演唱能力，首先要懂得发声的生理机制，如了解歌唱器官的构造，歌唱发声的简单原理，声音的共鸣原理、共鸣腔的划分、共鸣腔的运用和声区的关系，运用共鸣的方法等。

另外，在进行歌唱技能技巧的训练时，必须掌握歌唱的呼吸方法、呼吸的运用、了解呼吸的支点，常用的呼吸练习方法。学习识别声音的性质、声部的划分，了解美声、民族、通俗唱法特点及嗓音的保健等。

学习了解声乐理论基础，可使自己练习时不盲目，目标明确。另外，再看看别人的声乐论著、声乐方面的录像、电视、录音等，都会给自己带来极大启发，对歌唱练习时大有好处，使自己少走弯路。

2、跟声乐教师学习

歌唱是一门技术性和实践性很强的学科，仅凭声乐理论和教学方面的文字资料去进行歌唱发声方面的学习和训练是非常困难的。因为文字很难准确表达歌唱技能技巧的内涵，加之个人生理条件、理解和领悟能力的差异，更增加了凭文字资料学习的困难。按书上说的方法练习发声、歌唱，练习者本人无法判断方法的准确性和声音效果正确与否，这样的练习不仅没有效果，而且很可能导致错误的歌唱发音。因此，学习歌唱时，特别是初学阶段，必须找经验

丰富的声乐老师指导，按照老师的方法练习，并把自己练习中的体会、困难、收获、感觉等如实地告诉老师，以便于老师根据你的个人特点，教给学生准确度高、收效快的练习方法。学习时应注意多用脑子，少用嗓子。

三、歌唱训练内容

声乐训练有完整、科学、系统的训练方法。它包括：

1、呼吸的训练

歌唱呼吸是发声的动力，是歌唱的基础。没有良好的呼吸方法来控制和运用气息，就不可有优美悦耳的歌声。一切声音表演技巧都与呼吸有着不可分离的关系。克拉克在《论呼吸》中主张：歌唱者第一件事就是学习适当的呼吸。普利斯曼在他的《喉头生理学》中认为：呼吸是声音的生命力。我国传统声乐论著中说：“气者，音之师也。气弱则音薄，气浊则音滞，气散则音竭。”也说明了中外古今的歌唱者都十分重视呼吸在歌唱中的重要作用。

学习呼吸，首先要了解呼吸的方法。呼吸的方法有三种：

（1）上胸式呼吸。这种呼吸是一种用上胸控制呼吸的方法。它吸气量少而浅，仅及肺上部，易造成喉头与颈部周围肌肉的紧张，发出逼紧、干瘪、缺乏弹性的直声。这类现象在初学者特别是业余歌唱者身上较为多见。这是一种需要纠正的、不好的呼吸方法。

（2）腹式呼吸。这种呼吸是一种依靠软肋扩张、小腹鼓起和收缩的呼吸方法。它吸气比上胸式要深，但也有其局限性。由于吸气过深，气息往往不流畅，影响发声的部位，中、低声区音色沉闷，声音缺乏灵活性，并出现音偏低的现象。

（3）胸腹式联合呼吸。这种呼吸是一种运用胸腔、横膈膜与两肋、腹部肌肉共同控制气息的呼吸法。这种呼吸法是近代中外声乐界公认而普遍采用的科学的、合乎生理机制规律的呼吸方法，这种呼吸方法有许多优点。它控制气息的能力强，呼气均匀、有节制，能储存较多的气，有明显的呼吸支点，使音域扩大，并使高、中、低三个声区协调统一。

懂得了呼吸方法还不行，还需要长期坚持不懈的练习才能达到歌唱时运用自如。现在常用的有两种练习方法。

快吸慢呼：这种呼吸法，是歌唱时最常用的一种。应该经常练习。具体作法是：急速吸气，略停顿后，缓缓呼出。可以这样体会：想像一位久别的很要好的朋友，突然出现在你面前，你惊奇地倒抽一口气，几乎喊叫出来，就停止在这种状态上。几秒后，仿佛有一股外部的力量将小腹向后推压，感到小腹在与这股外来力量的对抗中，气息缓缓呼出。这时横膈膜有力地起着支持作用。

慢吸慢呼：缓缓将气吸入，略停顿后再缓缓呼出。可以这样体会：当你收到一束你喜爱的鲜花，你高兴地在闻花的芳香，这时你会发觉你的胸廓自然地而不是人为地向前、向上抬起，而肋肌、包括腰部，同时向四周扩张，保持这样状态，仅将腹部横膈膜以下的肌肉群放松、送气。送气时想到吹蜡烛，将燃着的烛光吹倒，但不吹灭，就这样，保持烛光不升起来也不灭掉，保持时间长一点，然后再换气。要达到这个要求，吸气一定要闻花时一样自然、平静、柔和。呼气时一定要均匀，有节制。同样，如果要练慢吸快呼，那你就缓缓吸一口气后，一下子把蜡烛吹灭。

2、发声练习

发声练习是用于训练声乐技能技巧最基本最简单的练习。实际上是把构成歌曲旋律最基本最简单的动机或乐句提练出来配以单纯的母音或音节，在适当的音域内作半音上行或下行移动反复练唱。进行发声练习的方法和步骤各式各样，派别颇多。但是，无论采用什么样的方法和步骤，都是达到以下目的：

（1）有意识地运用气息发声，逐步做到横膈膜控制呼吸。

（2）形成正确的喉头位置，解放喉头，稳定喉部器官，使声带运动与呼吸密切配合，调整

适度，在唱高、中、低、强弱不同的音符时，都有较为理想的声音效果。

（3）训练调节共鸣腔体的方法，适当扩张可调节形状的共鸣器官--咽腔、口腔、喉腔。运用不能调整形状的共鸣器官--头腔和胸腔，通过共鸣腔体的调节与运用，增大音量，美化音色。

（4）呼吸、喉头（声带）、共鸣器官密切配合，协调运动地发声，做到声区统一，富于力度和音色变化。

另外，发声练习时应选择适当的母音。开始进行发声练习时在a e i o u u六个母音中，并不是每个人都能全部均衡的唱好，这就要在老师的帮助下从发音最自然、动听的母音开始练习，这样，就较容易调整母音着力部位和协调音波在共鸣器中的作用。练好最方便自然的母音后，逐步调整，带动其它母音，发声练习的进展就会快得多。

发声练习最初以自然声区为基础，逐步拓宽到中声区的音域。在练好中声区的基础上，进一步扩展音域，达到声部应有的声音特色和音域。

3、歌唱语言

歌唱语言是声乐训练中的重要部分。

歌唱，就是将音乐化的人声与语言相结合，进一步表情达意的一种音乐表现形式，歌唱语言能直接揭示歌曲的文学内容和思想内容，能突出作品风格，能直接按展示歌曲图像和意境。 歌唱语言总的要求是：声母准确又灵巧，韵母形态保持好，自然适时来归韵，阴阳上去要记牢。轻重缓急须分清，语气语势处理好。

字头必须咬准，但又不能咬死。当字头咬住后，应当自然及时地过渡到字腹。字腹吐清后，应当适时地收声归韵，一定要注意三者衔接，过渡自然、顺畅，成为一个整体。另外，拼音要唱准，如“l”和“n”，“平舌”和“翘舌”，“f”和“h”,“前鼻韵”和“后鼻韵”要区别开，声调准确。 歌唱语言必须同歌唱的呼吸、发声、共鸣紧密结合融为一体。歌唱语言必须同灵活多变的呼吸、通畅的声音贯通的共鸣协调起来，才能收到声情并茂、感人至深的效果。

四、勤学、苦练、多动脑是学好声乐的关键

学习声乐时要在老师面授时认真学习、思考、体会，并作好笔记。声乐学习笔记是反映学习声乐进程的一面镜子，应记叙每个阶段采用的发声练习、歌曲教材、教师要求、练习效果、主要问题及纠正方法等。回家后，要坚持每天按老师的要求练习，这是能否学好声乐的关键。成功是不会亲睐懒虫的，只靠在面授时练习一下的人是不会有长进的。

以上是我对几年来学习声乐的一点体会，与大家共勉。

怎样使你的声乐学习进步快

2005-10-18 点击: 268

怎样使你的声乐学习进步快

应试声乐学习和平常的声乐学习有一些明显的不同，通常表现在以下几点：1、学生的年龄小；2、基

础差；3、起点低；4学习进度急等。源于这些特点，为了在考试中取得好的成绩，必须要求考生在为准备考试而学习的过程中，从怎样选好老师到怎样科学学习，全盘科学地处理 好以下几层关系，只有处理好这些关系，才能让考生在短暂的备考应试学习时间里，有效提高学习进步的速度：

一、正确选择老师 声乐是一门自学可能很小的学科，特别是相对于初学者，自学成才的可能更小。因此，声乐学习需要辅导老师。

（一）声乐老师在声乐学习中的重要性

声乐老师在科学声乐教学中处于较重要的地位，尽管老师不能代替学生用嘴唱歌，但声乐老

师存在的价值的确比嘴的作用还重要，那就是：

1、声乐老师是学生的向导

通常来说，声乐初学者的一些学习行为在进入学习阶段后的好长一段时间（一般1、2年时 间）都还属于自发的、盲目的模仿行为。这个时期，声乐方面专家习惯称之为声乐学习的 “盲点”时期。就是说，学习者进入学习阶段后，接触了一个新的学科，就好像一个旅游者来到一个完全陌生的城市，没有方向感，不懂路牌指示，也不知道目的地。开始的一些

简单的学习行为暂时还是自发的、盲目的。 所以，声乐学习者，要快速地达到学习的目的，一定要找到一位好的向导。有了好的向导，学习者才不会走弯路和迷路。

2、声乐老师是学生的眼睛和耳朵

声乐是一门视听感觉艺术，它的传播实现方式包含两方面内容：歌唱主体（歌唱者）和接受客体（观、听众）。在声乐学习的过程中，学生要从建立正确的声音概念和形象审美观念的需要出发，同时充当歌唱者和观、听众，以便科学地认知、整合和塑造自己的声音形象。然而，声乐学习的困难常常出现在学习者这些“歌唱者充当观、听众”角色兼顾和互换中。比如为了分辨自己的音色的好坏，歌唱者要科学地区分主观的声音和客观存在的声音，要以客观存在的声音（通常指听众听到的声音）来引导自己的感觉，尽量避免主观听到声音对歌唱感觉的误导。要做到这一点，学习者必须在声乐老师的指导下，循序渐进地进行练习（这个过程叫声音概念的建立）。老师在这个过程中充当学生的观众和听众，为学生的歌唱练习，及时提出建议和看法参考，帮助学生了解和认知自己的声音，所以可以说，老师是学生的第二双眼睛和耳朵。

3、声乐老师是学生的乐器模型

我国著名的声乐大师沈湘先生讲过，声乐学习就是制造乐器。如果是这样的话，声乐老师教学生唱歌就是指导学生如何去把自己制造成乐器的过程。

声乐学习者要在自己的身上制造乐器，它向雕刻和生产的一个过程，必须有一个模型和一套工序，在这个过程中，声乐老师通过正确的歌唱示范和表演指导，为学生展示了声音和表演的形象和原理，因此可以说，声乐老师是学生的乐器模型。

态度是行动的先决动机基础，它影响行动方向和结果，因此有人说，成功和失败只是一种态度的差别。学习的态度是影响学习进步速度的心理因素。因此，要学习进步快，一定要先端正学习声乐的态度：

(1)跟老师学习不是为了沾点儿“仙气”，镀点儿“金”，拉拉关系，走后门，而是为了学到知识，提高和充实自己。有很多人通常四处奔走跟老师学习不是因为某老师有渊博的知识，也不是为了学到知识，而是因为此老师与某某比赛、某某考试的评分有关，或者这位老师是名人，拜他为师，可以提高自己的知名度。这些态度都是错误的，是投机倒把、耍小聪明的表现。因为学习态度不端正，动机不明确，所以此类人学习根本不会用功在学术上面，而恰好把所有心思放在投机取巧，最后，偷鸡不成蚀把米——仙气沾不上，金镀不成，后门关系拉不上，学费交完了，时间耗掉了，学习仍进步不了，聪明反被聪明误。所以跟老师学习，态度一定要端正，一定要为了学知识而学之。

(2)学习的最终的目的不是为了考试，而是为了提高自己的修养和学问水平。尽管有时候考试是学习声乐的目的之一，学习进步是为了达到和满足考试的要求。但是，如果学生仅仅把考试作为学习的目标，学习就通常变得短见和势利，这种急功近利就会使学习变得一种交易似的短期行为，最终影响学习的成效。培根说过“接受教育的目的不是为了战胜别人，而是为了把握和控制自己”，意思就是说，学习的最终目的就是为了提高自己的修养和学问水平。

所以，只有把声乐作为一种终生要钻研的学问来学，才会卓有成效。

(3)勤学好问,谦虚谨慎是学习进步的保证。

(4)学习要逐序渐进，切忌好高骛远，心猿意马。

四、合理安排学习时间和生活起居

有话说：“二十一世纪的文盲不是没有文化的人，而是不懂得怎样学习的人”。这句话虽然有点牵强和夸张，但倒阐明了一个事实，那就是懂得学习的人才是真正有学问的人，要在最短的时间里学到最多的知识，就是善于学习的结果。学习要快速进步一定要学会合理安排学习时间和生活起居。对于学习声乐，这方面显得更为重要。因为声乐歌唱的发声器官直接长在人体上，人体的状况随着学习时间和生活起居习惯的变化而变化，同时直接影响歌唱发声，因此，要学习好声乐一定要懂得善待自己的身体，保养自己的喉器等，这就要求我们在科学把自己的身体状态进行调节的基础上，根据自己的学习诉求，合理安排学习时间和生活起居。以利于更好的学习。

声乐训练中最重要的一点

来源： 发布时间：2005-08-11 11:42:10

经常有朋友问我：为什么你在唱歌时，听起来不象是在嘴发出的声音，象是整个身体都在响？我告诉他：可能是我和自己、和自然的关系更和谐吧。我不想用专业的术语来使他们觉得我多有学问，假如让我按现行的声乐教学方式介绍声乐演唱的方法，我还真的说不出来，因为我从来就没有把声乐演唱当方法去学。

声乐的方法究竟是什么？如果大家留心我介绍的现代声乐演唱法就会有一些疑问，在演唱法中什么方法都没提，仅仅是提到两项训练，一是咬字训练，二是音乐表现，至于通常提到的共鸣、位置、呼吸等等一字都没提。这是为什么？因为从我看来声乐就没有演唱方法，按传统的教学方法我们可以解决的共鸣、音高等问题，用其它的方式我们也可以解决，而且是更彻底的解决。

学什么都有一个自然到不自然再到自然的过程，这个观念在我们的思维里已经是根深蒂固的了。正因为如此我们才不会对学习过程中比较别扭、难受的方式产生疑问，我们都是默默的接受下来。可是实际上不自然的过程太漫长了，许许多多的人在这个过程中失败。难道我们非要经历漫长的不自然的状态吗？其实不然，只要是教学方法正确，就可以避免不自然的过程，而学习的过程就可以因此大大的缩短时间。

许多朋友来信问我共鸣的问题，觉得共鸣是比较难练的，如果问我教的学生共鸣问题时，他们大多不以为然，因为他们几乎没费什么力气就得到了共鸣，有的学生几节课之后就练出共鸣，可自己还不知道，于是上课时告诉我：我这几天一练声就头晕。为什么可以在短时间内取得共鸣？这来源于一种思想，就是和谐自然的思想。共鸣实际上是很好得到的，就是情绪和咬字，自然放松的咬字可以使声带、腔体处在自然、放松的状态，共鸣自然就能出来，在加以情绪上的控制，情绪提的越高，共鸣的位置越高。就这么简单，不信你可以试试。 对于声音位置不稳定的问题，如果通过方法来训练可是费事，我在上课时经常采用的音乐感调整的方式，可以当时就解决位置稳定的问题，方法就是不管位置如何，只管音乐的距离感、情绪的高低方面的变化，这是即快又好的办法。

呼吸的问题也是一样，自然的演唱状态是不存在呼吸问题的，就像是我们平时说话，是从来不会感到呼吸有问题的，所以只要抓住自然的状态，声乐的学习就会大大缩短。 介绍一下练习过程中的注意事项：

1. 多练咬字练习。练习正常、自然、平和、冷静的咬字状态，用较机械的状态练习咬字的目的是为了解决由于情绪变化使声带、腔体紧张的问题，注意的是咬字是情绪即不能急躁又

在音乐方面篇八
《浅谈上好音乐欣赏课应注意哪些方面》

浅谈上好音乐欣赏课应注意哪些方面

河北省廊坊市香河县渠口镇渠口中心小学 刘春红

音乐是听觉艺术，音乐教育的全部内容都离不开音乐听觉的感知与体验、分析与理解。要培养学生的审美能力，首要条件就是让他们接受美的熏陶，让他们大量接触古今中外优秀的音乐作品，扩大音乐视野，感知广阔的音乐天地。在聆听音乐的同时，音乐的美会感染学生并激发他们的兴趣 ,从而培养学生对音乐的感知能力、注意力和记忆力，提高他们的鉴赏水平。笔者经过多年的小学音乐教学认为音乐欣赏课应注意以下几个问题：

一、小学生音乐审美心理的发展

音乐教师是审美教育的实施者，不仅仅单纯向学生传授音乐基本技能和基础知识，更重要的是培养学生审美的音乐能力。听过无数堂的音乐课，精彩的课，教师教得轻松，学生学得愉悦，关键是学生学到了有用的音乐知识，音乐审美能力得到了提高；反之，或热闹或乏味，关键是学生没有学到知识，能力还在原地踏步。本文试从音乐基本技能出发

例如二年级的《龟兔赛跑》，教师制作了有声有色的课件，在音乐的伴奏下根据解说有步骤地点击出示“树林”、小鸟、小猴、骄傲的小白兔和勤恳的乌龟等进行演示，解说中生动而富有情感的语言和老师的情境演示都随着音乐的展开而同步进行，听赏过程中，教师不能要求学生安静聆听，而是要启发学生和音乐同步动起来。小兔的音乐出现了，凭着孩子们的生活经验，每个学生想要表现的是自己心中的小兔，千姿百态；接着，乌龟出现了，孩子们马上又随音乐走起了慢吞吞的步伐，学生的注意力全被吸引到故事中，仿佛已置身于树林中参与了这次紧张而又愉快的比赛。又例如一年级的《口哨与小狗》，曲中的小男孩和小狗都贴近生活，所以教师采用模拟手法引导学生进入角色走进音乐，凭着对音乐的直观听觉感受，很多学生和着那诙谐、活泼的音乐旋律，随心所欲地摇晃着脑袋，扭动着身体，一副顽皮、神气的样子，自己仿佛就是音乐中的小主人，吹着欢快的口哨，心爱的小狗在其身边摇着尾巴，嘣来跳去。谁看了都会为学生的音乐感受力所激动，更为音乐听赏的魅力而折服。

二、重视对民族音乐的欣赏，培养热爱民族音乐的感情。

民族音乐是素质教育中不可缺少的一个重要组成部分。音乐教学的目的是提高学生的音乐文化素质,培养学生欣赏美和创造美的能力,以期使每个学生都拥有高贵的心灵与完美的人格。而要完成这一目的就不能脱离民族音乐教育。只有在小学时期就接触并学习民族音乐,学生才能更全面地具备审美和创造美的能力,更好地提高综合素质。

对于今天的学生,似乎只有流行音乐或者说是流行歌曲才离他们更近些。这就要求教师深入学生当中,了解并熟悉他们喜欢的音乐,只有这样才能成为他们的朋友。教师还可通过音乐教学活动增强学生的审美趣味,开阔学生的音乐视野,提高学生音乐欣赏的能力。

三、音乐课欣赏教学要充分利用现代化的教学手段

教学活动是一种复杂的信息交流活动，通过多媒体辅

助，可以优化提高教学效果，摒弃落后的教学方法，突破创新，扩大补充知识容量。例如在欣赏教学中，以前总是对录音磁带进行剪辑，不仅费时，而且效果不理想，但电脑可以对音乐作品进行剪辑，使以前繁琐的工作变得简单，效果更佳。 在欣赏《过新年》这首歌时，第一遍播放，采用原速，学生听完后说表现的是人们敲锣打鼓放鞭炮的欢庆场面。第二遍，我放慢了速度，学生听后发现，欢

快、喜庆的情绪没有了，乐曲变得面目全非。通过这样，让学生认识到速度在作品中的重要性。

以上的教学活动不仅使学生的审美能力得到了提高，情感世界得到了满足，也尝到了成功的喜悦。通过现代化教学手段的运用，将生动的视觉形象和优美悦耳的听觉艺术直观地展现在学生面前，使学生产生联想，激发学生学习兴趣和求知欲望。通过几年的实践，在多媒体和网络环境下进行音乐教学，能创造出一种学生自主、合作、探究学习的环境，学生在美妙的环境中学习音乐、欣赏音乐、走进音乐去体会美、欣赏美、创造美。我的这些教学体会只是音乐教学百花园中的一片花瓣，让教育信息化的春风，让教学改革的雨露，将音乐教学百花园的鲜花滋润得更加绚丽多彩！

在音乐方面篇九
《音乐类型》

音乐知识与类型

(2010-03-24 17:54:06)

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弗拉门戈

拉丁音乐

爵士乐

曼波

非洲

文化 分类：音乐戏剧艺术

一、摇滚

摇滚从最基本最纯粹的形式来说，就是三和弦加强硬持续的鼓点，再加上上口的旋律。

当然摇滚不仅限于一种音乐形态，喜欢摇滚的人，可以说，也就是接受了摇滚的“人生态度和哲学”。别于流行音乐，摇滚有摇滚的精神，摇滚的文化，比如：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋、金属等等。

美国黑人音乐家Chuck Berry认为，摇滚乐是一种即使没有任何基础的乐理常识，没有任何的音乐细胞，只要心中有理想，只要足够勇敢，只要将自己想唱的唱出来，那么这就是摇滚乐了。

小石喜欢的摇滚乐代表是Rolling Stone，比起Beatles而言，私以为Rolling Stone更能代表最原汁原味的摇滚（甲壳虫派不要骂挖 ）。

二、现代摇滚

现代摇滚是在传统摇滚的基础上，加入了更多更新的因素发展出来的。比如pop－rock，比

如rap－rock等等，比起“愤青”的老一代来，当今的摇滚乐更加注重旋律的琅琅上口，更加靠近商业化的pop，对人们来说接受度也更高。

小石喜欢的现代摇滚乐比如 Green Day，Match Box 20等等。

三、重金属

重金属是摇滚乐的重要组成部分之一，在众多的摇滚类型中，重金属无论是在音量、男子气概和戏剧化风格上，都是最为极端的。

在重金属声音的体裁上有很多的变种，但是他们都通过在喧吵的效果、失真吉他的演奏（通常演奏重复段）和简单重击旋律上尽量取得共识。

重金属自从开始就是一种引起不停的争论的音乐形式，它常常被指责为如同噪音一般的声音、有害邪恶的歌词、教唆青少年等等。

小石喜欢的重金属估计应该是Metallica了吧～收藏了演唱会版的DVD～（炫耀！）

四、朋克摇滚

朋克理论上即最简单的摇滚乐，由一个简单悦耳的主旋律和三个和弦组成。朋克的特色在于，它将过去的老式摇滚旋律演奏的更快速更疯狂。

Punk的精髓在于破坏，彻底的破坏与彻底的重建就是所谓真正的Punk精神。Punk字面上是西方的一句俚语，字典里的解释是小流氓、废物、妓女等低劣的意思。而且和美国朋克乐的低调不同，朋克乐真正流行起来的地方是英国，包括那些现在广为人知的朋克招牌式装扮，其中都带着浓厚的英伦风格。

小石最喜欢的Punk乐是最老的The Ramones，同样也收了包括珍珠果酱等乐队的怀念CD～

五、摇滚乐演奏基础乐器

1.吉他,主要是是电吉他,也可以是民谣吉他;

电吉他因为采用拾音器,所以可以通过外接的音箱和效果器.制造很多例如失真过载混响哇音等效果。

2.贝斯;

它是根据弦贝斯（低音提琴）的定弦，和吉他的结构原理所制造出来的。也就是说，它是按照低音提琴所定弦的一把低音吉他。后来由于演奏者在爵士音乐演奏上的需要，又把品格给去掉了。但是在当代，这种无品电贝斯（Fretles--ass）,常用在Soul、HipHop、R&B等音乐中。

在演奏法上，最普通的，便是手弹演奏（FingeredBass）,差不多所有玩电声乐队的年轻人，都会弹几下的。这种演奏方法几乎适合所有的 Pop音乐，而且还是Jazz、Latin音乐最重要的基础奏法。最简单的亦是最难弹的，也是最灵活的弹法。还有一种演奏方式是借用于拨片来演奏的（PickedBass）,这种用法是来源于电吉他。其声音要比手弹的亮一些，多用于Rock、Punk音乐。需要注意的是，这种用拨片的方式不适合演奏无品电贝斯。还有一种就是最能代表电贝斯特色的演奏方式，就是所谓的击弦贝斯(SlapBass),这也是一种用手指来演奏的方法，担不是用指尖来作普通的弹奏，而是用大指和其他手指的对琴弦的击打弦和勾弦。其声音最为明亮，切是Funk、Fusion音乐通常使用的。

在常见的电贝斯中，有四弦、五弦和六弦的。通常都使用或首先学习四弦的。其定弦的四个音为：一弦-G、二弦-D、三弦-A、四弦-E。一弦最高，四弦最低。

3.架子鼓

它体现的是和乐队中的吉他 、键盘 、贝司以及主唱的配合 ，是乐队中的节奏乐器 ，固定了音乐的速度 、动力和乐曲的结构 ，人们可以这样说：鼓手是乐队的指挥

4.键盘

键盘在摇滚乐里应该是起到丰富和声色彩的效果

因为大部分的摇滚以传统和弦走向居多

例如：6543 6545 6153等等，

但是现如今摇滚已经不能再满足于那些老式的调调。所以现在的摇滚更多的是一种融合了各

种音乐之后的摇滚，比如大众一点的有个乐队叫梦剧院（dream theater）他们的键盘Jordan Rudess在他们乐队的音乐中就大量的加入了古典和爵士的段子，使得整个乐队出来的东西特别的丰富

一、蓝调音乐

蓝调，又叫做布鲁斯（Blues），是一种基于五声音阶的声乐和乐器音乐，它的另一个特点是其特殊的和声。

蓝调音乐产生于南北战争之后，民间黑人中的演唱形式，它吸收了黑人之前作为奴隶时的圣歌、赞歌、劳动歌曲和颂歌等。蓝调音乐中使用的音阶和演唱方式都显示了它的西非来源。Blue在英语中是悲伤的意思，在最初，蓝调音乐是被黑人唱那些生离死别的情感，充满着忧伤哀婉的感觉。

蓝调音乐对之后的西方音乐有着非常重大的影响，包括Jazz、R&B、Rock'n Roll、Country Music甚至是Pop都受到了蓝调的影响。

小石喜欢的Blues......除了雷?查尔斯(Ray Charles)以外，似乎名字一下子都记8起来了......原谅挖吧

二、爵士乐

就如同上文所说的，爵士乐是从Blues发展而来的。

在爵士乐的曲调中，除了从欧洲传统音乐、白人的民谣和通俗歌曲中吸取的成分之外，最有个性的是“蓝调音阶”，而爵士乐的和声可以说是完全建立在传统和声的基础之上，只是更加自由地使用各种变化和弦，其中主要的与众不同之处，也是由蓝调和弦带来的。

爵士乐的最大特征是它的发音方法和音色，这些特殊之处大多来源于用乐器或人声对美洲黑人民歌的模仿，非歌唱的吼声、高叫和呻吟等特征都足以使人们绝不会将它们与任何传统音乐的音色混淆。爵士乐不同于传统乐队，在使用的乐器和演奏方法上极有特色。除了乐器以外，乐队编制也十分灵活，分为节奏组和旋律组。

另外，现代的唱片界有时将爵士乐划分为传统爵士乐和现代爵士乐两类，传统即管乐队组成的Jazz，现代的则加入了更多当代元素。

小石最喜欢的Jazz歌手：Louis Armstrong（好像俗了点 ）

三、节奏布鲁斯（R&B）

如同上文，R&B由Blues发展而来，大部份的R&B作品以4拍为一小节，12节为一段落。有别於传统的白人流行音乐，节奏布鲁斯强调一节中的第2和第4拍，是种很新鲜的节奏效果。 相信大家从周xx之类的歌手那里已经听过很多现代R&B了，这里就不赘述了，虽然老实说挖还是8觉得那是真正优秀的R&B

小石最喜欢的R&B歌手：太多了，反正前段时间还满喜欢Mary.J.Blige的，不过怎么说，还是pop感觉浓厚。

四、Blues和R&B基础演奏乐器

虽然Blues音乐中主唱是焦点，但是以吉他为主的乐器即兴演奏也非常精彩，乐器演奏者可以超越和弦的界限随意发挥，除了旋律的忧郁动听外，还包括小刀刮擦声和滑棒使用的声音，以及模仿主唱的哼唱声。

主要代表乐器是：

民谣箱琴、共鸣箱爵士电吉他、电吉他、金属民谣琴、10孔口琴、小号、次中音号、萨克斯管、弦贝、爵士贝斯、钢琴、鼓与小打。

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