《机械复制时代的艺术作品》读后感

导读：　本雅明以马克思主义的分析方法为思想基础，上层建筑的变革速度比社会底层基础变革慢得多。有关无产阶级在夺取政权之后的艺术论题，显然赶不上在现行生产条件下艺术发展倾向的论题来...

《机械复制时代的艺术作品》读后感

　　(一)艺术的社会性决定了艺术概念辨析的重要性

　　本雅明以马克思主义的分析方法为思想基础，上层建筑的变革速度比社会底层基础变革慢得多。有关无产阶级在夺取政权之后的艺术论题，显然赶不上在现行生产条件下艺术发展倾向的论题来得这么这么迫切。因此在现行生产条件下，谈论艺术发展倾向的论题，应具有辩证法的眼光。他认为低估这些论题所具有的阶级斗争的价值，将是一种错误。如果不对诸如创造力和天才力、永恒价值和神秘性等一些传统概念不加控制的应用，就会导致在实践中被法西斯主义左右。 因此本文就着重区分了艺术理论中的那些概念与常见概念的不同，它们在艺术理论中，是根本不能为法西斯主义服务的，相反，它们对于表述艺术政策的革命要求却是有用的。

　　(二)艺术1.0时代

　　在一个与现在完全不同的古代，那些对物和环境投入的影响比我们现在小得多的人，创立了美的艺术，确定了美的艺术的不同种类。但是无论是物质还是时间和空间，世界都不再是自古以后人们所习惯的那个样子了，已经面目全非。世界正发展的技术革命改变了艺术的表达技巧，由此必将影响到艺术创作本身，最终以最迷人的方式，改变艺术概念本身。

　　(三)艺术变迁的外在动力

　　艺术作品在原则上总是可以复制的。大师们为传播他们的作品而进行复制，最终，所有艺术品甚至还得同追求赢利的第三种人造出复制品来。而且，事实上这种对艺术品的机械复制，较原来作品还表现出一些创新。造成巨大变革的印刷术，就是对文字的机械复制。

　　简单廉价的复制方法提高了生产力，并以日新月异的形式适应瞬息万变的市场变化。石印术使得版画艺术更好地表现我们的日常，更好地阐释我们的生活。可是随后，随着照相机的诞生，手在形象复制过程中，便首次减弱了所担当的最重要的艺术职能，这些职能便转移到通过镜头观照对象——眼睛那里去了。眼镜摄入比手画快得多，因此，形象复制过程就大大加快了。

　　(四)艺术3.0时代

　　照相摄影技术还孕育了有声电影的问世。而在十九世纪末就有开始尝试对声音的技术复制。就是这样一种技术复制，它不仅能复制一切已经传世的艺术作品，从而使得它们对社会的影响力产生最深刻的变化，而且它还在艺术处理方式中为自己获得了一席之地。而最有启发意义的是，它的两种不同表现形式——对艺术品的大规模复制生产和电影艺术——都反过来对传统艺术的形式、表达和传播方式，产生了极为深刻的影响。

　　(五)机械复制艺术品的进步性以及“魅影”的衰弱

　　由于艺术品问世地点和时间的独一无二性，所以即使是在最完美的艺术品复制品中也会缺少一种活的生命力。原作的即时即地性，构成了他的本真性。所以遇到赝品时，艺术品原作就获得了它的权威性。但是碰到合法的复制品就不这样了。因为第一、技术复制比手工复制更独立于原作，乃是一个衍生品。比如，在照相摄影中，技术复制可以用镜头去捕捉肉眼看不到的原作部分和角度。第二，技术复制能把原作的摹本带到原作本身无法达到的境界。但是艺术品的即时即地的本真性就是再也不在了。这种在对艺术作品的机械复制时代凋谢的东西就是艺术品的“魅影aura”。历史对象的 一言蔽之，复制技术把所复制的东西，从传统领域传播和欣赏的局限中解脱了出来。大量的复制品取代了艺术原作品独一无二的存在;大规模的机械复制品，能为接受者在其自身的环境中去加以欣赏，因而它就赋予了所复制的艺术作品难以想象的现实活力。这两方面的进程倒致了传统艺术的大动荡——作为人性的现代危机，以及作为现代对立面的传统方式本身的大动荡。要认清这一点，其最有影响力的媒介就是电影。电影的社会意义即使在它最具建设性的形态中即扫荡文化遗产的传统价值的一面也是可以想见了。“莎士比亚、伦勃朗、贝多芬，他们都将补拍成电影，所有的传说、神话和传奇故事，所有创立宗教的人和各种宗教本身，都将有一日在水银灯下复活，在大银幕上再现。”

　　(六) 艺术变迁的内在动力——大众的感知需要

　　艺术是人类的感知表达方式。而在历史的长河里，人类的感性认识方式，随着人类群体的整体性生活方式的改变而改变。 在历史的民族大交融时代，晚期罗马的美术工业和维也纳风格也就随之出现了，该时代不仅拥有了一种不同于古希腊罗马文化的新艺术，而且也拥有了一种不同的感知方式。“魅影”和自然对象的“光晕”非常相似，是在一定距离之外的显现，它感觉非常接近，独一无二。“魅影”的衰竭与当代生活中大众的影响力不断提高有关。因为大众具有要使物在空间上和人性上更易“接近”的强烈需求和愿望，这种强烈的愿望克服了对魅影的追求。

　　(七)艺术的现代性转折—从神学解放，走向政治

　　(本雅明超天才的洞见)

　　最早的艺术品起源于社会礼仪——巫术礼仪或宗教礼仪。“本真”的艺术作品所具有的独一无二的价值根值于神学。 一件艺术作品的独一无二性，与它所处于的那种传统的联系是一致的。当然，这传统本身是绝对富有生气的东西。作为一种世俗化了的仪式崇拜对美的欣赏，艺术作品的这种仪式方面的根基性，不管如何随光阴变迁，依然是清晰可见的。世俗对美的崇拜，随着文艺复兴而发展起来，并且兴盛达三个世纪之久。

　　直到第一次真正革命性的复制方法的出现——照相摄影技术的出现，艺术品的仪式性遭受了第一次重大的震荡。 艺术就用“为艺术而艺术”的原则的“纯”艺术观念形态表现出来了，它否定艺术的任何社会性功能。艺术作品的可机械复制性在世界历史上第一次把艺术品从它对礼仪的寄生中解放了出来。复制艺术品越来越成了着眼于对可复制性艺术品的复制。然而，当艺术创作的原真性标准失灵之时，艺术的整修社会功能也就得到了改变。它不再建立在礼仪的根基上，而是建立在另一种实践上，即建立在政治的根基上!

　　(八)艺术作品展示价值的潜在政治意义

　　艺术作品有两种存在价值：一种侧重于艺术品的膜拜价值，另一种侧重于艺术品的展示价值。石器时代，这些画作主要是奉献给神灵看的。而随着单个艺术活动从宗教仪式这个母腹中解放，其产品啬了更多的外出展示的机会。半身像比庙宇的神像具有更大的可展示性。交响曲的应运而生，则形成于一个其展示性看来要比弥撒曲的可展示性来得更大的时机中。

　　由于对艺术品进行复制方法的多样，便如此大规模地增加了艺术品的可展示性。以致在艺术品本身的日王言火，突发本性的质变。现在，艺术品通过对其展示坐的绝对推重，便成了一种具有全新功能的产品。在这种全新功能中，这些艺术的创造能力，将原本人们以为的附带功能，更加充分突显出来。无论是照相摄影还有电影，均提供了达到如上这种认识的最出色的途径。

　　照相摄影中，其能够展示的价值，开始完全地抑制了崇拜的价值。当然，相片的崇拜价值还有最后一首防线就是人像摄影。早期摄影中，光晕通过人像面部的瞬间表情还在作最后的道别，构成这最后道别的就是摄影那忧郁的无与伦比的美。而当人像在摄影中消失时， 其展示价值便超越了崇拜价值。照像摄影艺术从阿杰特(Eugene Atget)开始，便成为历史进程中一些见证者。这样就使摄影具有了潜在的政治意义。不管是正确还是错误，观赏者都觉得必须要寻找一条通向这些摄影的特定道路。配图文字就显得格外必要。

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